En un mundo cada día más tecnológico y donde todo parece suceder a gran velocidad, me encuentro con que más personas sienten la necesidad de bajar el ritmo y conectar con su parte creativa. Dibujar con el lápiz , sentarse frente a una hoja en blanco, aprender a disfrutar del proceso y la lentitud… La ilustración tradicional, igual que todas las técnicas manuales tiene algo terapéutico, pausado y profundamente satisfactorio.

Si vives en Madrid y estás buscando clases de ilustración tradicionales, tal vez te sientas un poco perdida: hay muchas ofertas, academias, talleres o cursos online, pero no siempre es fácil saber cuál se adapta a ti, sobre todo si estás empezando desde cero.

En esta guía te doy algunas claves para que puedas elegir bien y también te cuento cómo trabajo yo con mis alumnas en mi estudio artístico en el centro de Madrid.

¿Qué es la ilustración tradicional?

La ilustración tradicional se basa en técnicas manuales donde se emplean medios físicos, como el grafito, acrílico, tinta, acuarela, gouache o los lápices de colores. No se utiliza tableta ni ordenador: se trabaja directamente sobre el papel, manchándose las manos y aprendiendo a dirigir cada trazo.

Es perfecta para quienes quieren aprender desde la base, siempre es más fácil pintar en digital si sabes pintar «de verdad», mejorar su concentración, desarrollar su estilo propio y conectar con algo más personal e intuitivo. Además es perfecta para quienes quieran experimentar el gran poder transformador que tiene dedicar unas horas a la semana a una técnica artística manual.

¿Qué tener en cuenta al buscar clases de ilustración en Madrid?

Madrid es una ciudad con muchísimas propuestas creativas, pero no todas las clases están enfocadas del mismo modo. Estas son algunas cosas que personalmente te recomiendo tener en cuenta:

• Grupos reducidos: para que el aprendizaje sea personalizado.
• Clases presenciales: especialmente si partes de cero o casi cero. La experiencia es mucho más significativa y por tanto mejor el aprendizaje.
• Profesores con experiencia real: en ilustración y también en enseñanza.
• Materiales incluidos: o al menos asesoramiento si los necesitas comprar tú.
• Ambiente creativo y relajado: el lugar y con quien importa tanto como lo que aprendes, el clima de aprendizaje es fundamental para el proceso.

En mis clases en Madrid trabajamos con pequeños grupos y técnicas tradicionales. Cada alumna sigue su propio ritmo y me enfoco en que aprendas de forma sólida y disfrutes del proceso.

¿Qué aprenderás en los primeros meses?

Aunque no tengas experiencia, podrás empezar desde lo más básico y avanzar paso a paso:

• Aprenderás a observar y comenzarás a entender lo que ves y como reflejarlo en el papel.
• Encaje, proporciones y composición
• Técnicas de sombreado con lápiz, grafito o tinta
• Introducción a la acuarela y el color
• Ejercicios para desarrollar tu estilo personal y tu parte más creativa

¿Por qué elegir clases de ilustración tradicional?

Aprender ilustración de forma presencial, con atención personalizada y materiales reales, te dará algo que no puede ofrecer un tutorial online: acompañamiento, comunidad, ritmo y motivación. Es cierto que hay miles de tutoriales a nuestra disposición y muchos de ellos son geniales. Yo misma los utilizo para mejorar mi práctica, pues el arte no deja de aprenderse nunca, pero jamás podrán sustituir la sensación de presencia que te da hacerlo rodeada de otras personas que comparten los mismos intereses e inquietudes que tú.

Si vives en Madrid y quieres empezar a ilustrar desde cero, esta puede ser una oportunidad para regalarte un espacio creativo solo para ti.

¿Te interesa?

Siempre estás a tiempo de empezar. En mi propio estudio hay algunas plazas libres para el curso que comenzamos en septiembre.

Estamos muy céntricas, en la Calle Pez, y además de las clases regulares de ilustración, hacemos salidas a dibujar por Madrid, visitar exposiciones, urban sketch, exposiciones e incluso retiros artísticos. Porque para mi crear comunidad es fundamental.

Si quieres puedes consultar mis cursos y los horarios disponibles.

Pinchando aquí.

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Todos tenemos diferentes motivos, todos igual de válidos y todos nos pueden convertir en ilustradores, pero es importante que sepas muy bien lo que quieres, para saber muy bien dónde buscar.

En Madrid la oferta de escuelas y talleres de ilustración es muy amplia. En la ciudad puedes encontrar ofertas que se ajustan a cualquier objetivo que tengas, desde espacios tradicionales de Bellas Artes, hasta centros que apuestan totalmente por la ilustración digital, a estudios de artistas que ofrecen una atención mucho más personalizada y especial.

Mi propuesta con esta publicación es seleccionar algunas de las opciones más interesantes para quienes no saben por dónde empezar.

Escuela Artediez

La Escuela de Arte Diez es uno de los centros públicos más prestigiosos para estudiar ilustración en Madrid, al menos así ha sido hasta ahora, grandes ilustradores como Adolfo Serra u Olga de Dios han estudiado aquí. Ofrece un Ciclo Formativo de Grado Superior en Ilustración, donde se combinan técnicas tradicionales como acuarela, tinta, grabado o collage, con herramientas digitales básicas. Es ideal para quienes buscan una formación completa, creativa y asequible, ya que solo se pagan las tasas oficiales de formación profesional, recuerda que es una institución pública.

📍 Ubicación: Calle Alcalá, 361 (Madrid)

ArteDiez

UDIT (Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología)

UDIT es una universidad privada especializada en disciplinas creativas, y una de las pocas en Madrid que ofrece un Grado Universitario en Ilustración. Su enfoque combina el dominio del dibujo tradicional con las herramientas digitales más actuales, preparando al alumnado para ámbitos como la ilustración editorial, concept art o narrativa visual. También cuentan con másteres especializados y un fuerte vínculo con la industria creativa. Además son los encargados de acoger ILUSTRAFEST uno de los eventos de mayor relevancia actualmente en Madrid sobre ilustración.

📍 Ubicación: Calle Juan de Herrera, 12 (Madrid)

UDIT

ESDIP (Escuela Superior de Dibujo Profesional)

ESDIP es una de las escuelas privadas más reconocidas en Madrid para quienes quieren especializarse en ilustración, cómic y arte digital. Ofrece un Curso General de Ilustración que parte del dibujo tradicional —anatomía, entintado, técnicas mixtas— y evoluciona hacia la ilustración digital y el concept art. Su enfoque es muy práctico y orientado al mundo profesional, con proyectos reales y profesorado activo en la industria. Tiene en plantilla alguno de mis ilustradores preferidos como Max Hierro o José Fragoso. Yo misma estuve a punto de matricularme hace años en ESDIP, antes de decantarme por la ahora desaparecida ARTENEO, donde estudié el Máster en ilustración fundamentalmente por trabajar con Juan Serrano, un grandísimo ilustrador madrileño que maneja la luz como el propio Sorolla.

📍 Ubicación: Calle Santa Engracia, 122 (Madrid)
Esdip

Trazos – Escuela de Artes Digitales

Trazos es una escuela especializada en formación digital para las industrias creativas. Ofrece cursos intensivos y másteres en ilustración digital, concept art y arte para videojuegos, centrados en el aprendizaje práctico y el uso de herramientas profesionales como Photoshop o Procreate. Es una opción ideal para quienes quieren enfocar su carrera hacia el mundo del videojuego, la animación o el diseño editorial digital.

📍 Ubicación: Calle San Marcos, 39 (Madrid)

Trazos

Lightbox Academy

Lightbox Academy es una escuela de formación especializada en ilustración digital, concept art, animación y arte para videojuegos. Sus cursos y másteres están orientados al aprendizaje técnico y artístico desde cero, con un enfoque profesional y actualizado. Cuenta con docentes en activo en estudios de animación y producción, y forma parte del ecosistema de Lightbox Animation Studios, creadores de películas como Tadeo Jones.

📍 Ubicación: Calle Padilla, 66 (Madrid)

Lightbox Academy

Escuela Minúscula

Escuela Minúscula es un espacio creativo independiente en Madrid dedicado a la ilustración de autor, el fanzine y la autoedición. Ofrece cursos regulares y talleres intensivos con ilustradores contemporáneos, centrados en técnicas tradicionales, narración gráfica y procesos creativos personales. Es ideal para quienes buscan desarrollar una voz artística propia en un entorno más experimental.

📍 Ubicación: Calle Ave María, 19 (Madrid)

Escuela Minúscula

Imagina Escuela Creativa

Imagina es una escuela artística situada en el barrio de Chamberí que ofrece cursos de ilustración, dibujo y pintura para niño, adultos y jóvenes. Es una escuela de corte tradicional. Ideal para quienes buscan iniciarse o retomar la ilustración en un entorno relajado y creativo.

📍 Ubicación: Calle Meléndez Valdés, 24 (Madrid)

Imagina Escuela

Por último te dejo como propuesta mi propio estudio, al tiempo que te invito a explorar los estudios de otros artistas e ilustradores de Madrid que como yo ofrecen la oportunidad de trabajar de una forma muy cercana.

🎨 Puri Salví – Ilustración Tradicional

En mis clases encontrarás un espacio de trabajo ideal si buscas profundizar en las técnicas tradicionales: gouache, acuarela, lápiz de color, tinta y quieres hacerlo en un ambiente acogedor y muy cercano. Mis grupos de trabajo siempre son reducidos y me esfuerzo mucho por combinar creatividad, la búsqueda del propio estilo personal, y trabajo técnico y académico. Cada persona que está conmigo cuenta y cada persona es diferente. Para mi preservar esa diferencia es fundamental. Además con el objetivo de ser una pequeña comunidad creativa, realizamos salidas a dibujar por Madrid, exposiciones, visitas a museos etc.

📍 Ubicación: Calle del Pez 27

Puri Salví

¿Has estudiado ilustración en alguna de estas escuelas o talleres de Madrid?
¿Conoces alguna otra que debería estar en esta lista?
¡Cuéntanos tu experiencia y recomendaciones en los comentarios! Así ayudamos juntos a más artistas a encontrar su camino creativo.

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1.- Collage veraniego.

Pocas cosas más divertidas y más creativas que realizar un collage. Casi cualquier cosa es válida a la hora de recortar y pegar, o encontrar y pegar. Pero el collage que te propongo hoy es un poco diferente. Pequeños paisajes veraniegos, con algo en común: mar, verde, casitas.

Todo lo que tienes que hacer es dibujar una preciosa casa de playa o un misterioso faro en un acantilado y a continuación pintarlo y recortarlo.

Después deberás crear un fondo, con trozos de mar, trozos de tierra y trozos de cielo. Pinta y rómpelo todo con tus manos, no te preocupes por cómo hacerlo. Simplemente juega.

Una vez tengas todas las piezas, juega a montar un paisaje donde tu faro o casa sea el protagonista.

2.- Urban Sketching.

Perfecto si tu verano transcurre en la ciudad. Si no puedes desplazarte y quieres reinventar el sitio en el que vives para tener nuevas sensaciones, sin duda esta es la solución. No importa el nivel, no importa lo que creas que debes saber sobre dibujo y pintura. No importa si nunca has ilustrado.

Coge papel, lápiz y acuarelas y lánzate a la calle.

Consejos para una sesión de urban sketch satisfactoria:

• Ponte a la sombra. Queremos comodidad por un rato.
• Escoge una vista interesante. Pero si no tienes práctica, apuesta por cosas pequeñas primero: un buzón de correos destartalado, una ventana que te llame la atención, cualquier cosa vale.
• Emplea no más de diez minutos en el dibujo. No te juzgues, solo hazlo.
• Dedica unos 20, 25 minutos a darle color. Preferiblemente acuarela, irás más rápido. Si no sabes cómo pintar un truco: pinta las sombras y nada más.
• Repasa con rotulador calibrado. Tu obra parecerá lista para enmarcar.
• Diviértete. No lo haces para nadie. Solo para disfrutar.

3.- Diario Ilustrado.

Una de mis actividades favoritas, crear páginas de diario donde tomo anotaciones sobre lo que dibujo o al revés, dibujo sobre las anotaciones que he tomado.

Hace poco en mayo, hicimos un retiro artístico al Valle del Tiétar cuya temática era precisamente esta. El diario de viaje.

Con esto conseguirás que tus vacaciones sean inolvidables literalmente, porque tendrás un diario cargado de recuerdos que se volverán mucho más nítidos que si solo conservaras fotografías.

Quien viaja con un diario no es un turista. No lo olvides.

Además todo vale, el estilo solo tiene que ver contigo. Atrévete a llenar las páginas con dibujos, collages, fotografías y toma muchas anotaciones de todo lo que vives y experimentas. Con suerte, si le coges el gusto lo seguirás haciendo en tu vida diaria y así, el café que te tomas a las once en el bar de la esquina, será completamente único.

El verano es un tiempo maravilloso donde a veces nos proponemos hacer demasiadas cosas, pero eso nos carga de obligaciones y frustración, por eso mi idea es más simple, haz cosas sencillas que no te lleven mucho tiempo pero te hagan feliz. Lo importante es disfrutar.

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La Real Academia Española (RAE) define el término folclore como «conjunto de costumbres, tradiciones y manifestaciones artísticas de un pueblo». Otras definiciones más extensas lo definen como el conjunto de tradiciones, costumbres, creencias, leyendas, música, danzas, y demás expresiones culturales propias de un pueblo o una comunidad, transmitidas de generación en generación de manera oral o a través de prácticas culturales.

Estas manifestaciones folclóricas suelen estar arraigadas en la identidad de un grupo humano y reflejan su historia, valores, y formas de vida. El folclore puede variar significativamente de una región a otra, y es una parte importante del patrimonio cultural de un país o una comunidad

El folclore es pues el estudio de las tradiciones, de aquello que cada persona podría identificar como sus raíces.

Es curioso como en un mundo cada vez más globalizado, donde el uso constante de la tecnología, las redes sociales, el consumo de contenidos digitales, el tipo de vida urbana, etc que generan, entre otras cuestiones, una uniformidad y homogeneización entre las personas, sin embargo aparecen cada vez más, nuevas voces preocupadas por rescatar, preservar o incluso actualizar las tradiciones propias de un pueblo, región o país.

Las cuestiones de por qué sucede esto habría que dejarlas al análisis de socióligos, antropólogos y psicólogos sociales, pero lo cierto es que mientras las formas se diluyen y la uniformidad campa a sus anchas, incluso en el arte, muchas personas se hacen abanderados del folclore desde sus diferentes ámbitos.

Históricamente el arte ha bebido de las fuentes tradicionales y folclóricas para inspiración y creación de obras, la propia ilustración fantástica en sus inicios estaba íntimamente ligada a personajes y arquetipos de la mitología popular y por tanto del folclore. Sin embargo, los ilustradores que quiero presentaros se sitúan totalmente en el ámbito del folclore y de ahí que me resulten tan interesantes.

Sea como fuere, se me quedarán muchos fuera de la lista, porque las listas siempre son problemáticas y no conozo a todos los artistas que trabajan este ámbito, pero creo que los que aparecen son representativos de este movimiento cultural, que apuesta por lo tradicional.

Son pequeños oasis de raigambre en esta, cada vez más distópica, sociedad nuestra.

Por supuesto estaré encantada de conocer otras y otros ilustradores que no figuran en la lista.

Disfruten

Max Hierro

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Don Recaredo

Web

Tomás Hijo

Web

Nieve Sita

Instagram

Javier Prado

Instagram

Ainoa Riesco

Web

Irina Hirondelle

Web

Álvaro M. Buendía

Web

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Sin embargo, con la aparición de las inteligencias artificiales creadoras de contenido artístico la pervivencia del Arte vuelve a estar en el punto de mira, o más que del Arte de la ilustración como profesión. Y esta vez, quizás, las voces más pesimistas no están tan desencaminadas en sus predicciones fatalistas. 

Antes de avanzar en el presente artículo os aventuro mi reflexión sobre el tema: Tenemos que hablar de Inteligencia Artificial (A.I.), todas las personas, no sólo los artistas.

Son numerosos los motivos por los que este debate debería estar en la sociedad, pero esencialmente se reduce a uno: estamos a las puertas de lo que será la gran revolución de nuestra época. Son muchas las voces que anticipan una revolución equiparable a la Revolución Industrial, que recordemos modificó para siempre la estructura social y económica del mundo, con una diferencia fundamental respecto de la última, y es que los cambios serán mucho más veloces. Cambios estructurales que transformarán de forma significativa la sociedad tal y como la conocemos hoy en día. 

Así que ¿De verdad crees que esto no va contigo?

Se dice que el año 2023 será el año del despegue definitivo de la inteligencia artificial aunque muchas de estas tecnologías están con nosotros desde hace tiempo. 

¿Qué es la inteligencia artificial?

De una manera un tanto genérica podemos decir que son sistemas o combinación de algoritmos que imitan los procesos cognitivos de la inteligencia humana para realizar determinadas tareas, con la peculiaridad de que pueden mejorar según van desarrollando nuevos procesos a partir de la información recibida. Es decir, “aprenden” de forma autónoma (machine learning). Aunque este tipo de inteligencias artificiales lleva tiempo con nosotros, ha sido en los últimos años y especialmente en los últimos meses cuando se ha generado un salto cualitativo en su computación, al desarrollar algoritmos que funcionan o se basan en el sistema de redes neuronales de nuestro cerebro, interpretando y emulando su funcionamiento, lo que se conoce como deep learning.

Puedes leer más sobre esta cuestión pinchando aquí.

En la segunda mitad del año 2022 una serie de inteligencias artificiales se pusieron a disposición del público generando un enorme revuelo principalmente entre el sector artístico. Por primera vez una máquina simulaba procesos creativos, siendo capaz de generar imágenes artísticas, programación computacional, textos complejos etc. El proceso de creatividad humana reducido a una serie de algoritmos y máquinas generando obras de arte a velocidad de cuatro por segundo. La polémica está servida. 

En agosto del 2022 se abre al publico Dall-e2 una inteligencia artificial perteneciente a la compañía Open A.I. que es capaz de generar imágenes fotorreales o artísticas a partir de un texto con indicaciones, lo que se conoce como Prompt. 

Al poco aparecen otros modelos “similares” como Stable Difussion de la compañía Stability AI, Midjourney, etc.  Todas ellas ofrecen la posibilidad de generar imágenes de más o menos calidad, todo depende del Prompt y del proceso de mejora y acierto en éste (prompt engineering, llamada a ser la profesión de moda en los próximos meses) “gratis” y a una velocidad apabullante que ningún artista puede superar.

En los primeros días de septiembre del 2022 una pintura generada en Midjourney gana un concurso estatal de pintura en Estados Unidos, en la categoría de Arte Digital. 

Ya en noviembre del 2022 se abrió Chat GPT, desarrollado también por Open AI (Dall-e). Un sistema entrenado para generar conversaciones en línea que sorprende por lo acertado de algunas de sus respuestas y la complejidad de su funcionamiento. En apenas dos meses consiguió cien millones de usuarios. Una cifra que nunca logró ninguna red social en tan poco tiempo. Chat GPT ya está poniendo patas arriba determinados sectores, algunos como la informática o la educación. 

Todas estas máquinas están poniendo contra las cuerdas a un montón de profesionales temerosos del futuro, que se sienten incapaces de competir contra sistemas que trabajan a un precio y a una velocidad inasumible para ningún humano. 

Hace tan solo unas semanas, en enero del 2023, un colectivo de artistas en California inició una demanda contra Stability, Midjourney y DebianART. Los autores demandan a las compañías por haber sido utilizadas, sin su consentimiento, obras de su autoría para el entrenamiento de las inteligencias artificiales de estas compañías. 

En Argentina el reconocido artista e ilustrador Santiago Caruso averigua que sus obras también han sido utilizadas sin su consentimiento para entrenar a la inteligencia artificial de Midjourney (empresa que además publicita el estilo de este autor como algo que cualquier persona puede conseguir a través del uso de su plataforma) e inicia una campaña de artivismo en redes sociales dentro de la comunidad hispanohablante. Puedes consultar toda la información que ha puesto a disposición del público desde su web aquí.

¿Por qué los derechos de propiedad intelectual de estos autores han sido vulnerados?

Las inteligencias artificiales han sido entrenadas con millones de datos extraídos de la Red, muchos de ellos vulnerando derechos de autoría o privacidad. ¿Pero es esto legal?

Este es un tema complejo que trataré de resumir de la forma más simple posible. Para entrenar a las inteligencias artificiales se empleó lo que se denomina “raspado de datos” o “web scraping” que básicamente consiste en extraer y recopilar datos de terceros con diversos fines: publicidad, investigación, inteligencia artificial, etc. Debido a la ubicuidad de esta práctica no está regulada más allá de la obligación legal de respetar la protección de datos personales y los derechos de propiedad intelectual.  

Sin embargo cuando el raspado de datos se realiza con fines de investigación por organizaciones sin ánimo de lucro, al parecer se pueden hacer exenciones en el derecho de autor. 

Aquí es donde aparece LAION, una organización sin ánimo de lucro fundada en Alemania cuyo objetivo es poner a la disposición del público datos y códigos relacionados con el aprendizaje automático de las inteligencias artificiales a gran escala. 

Esta organización pone a disposición de las principales empresas de inteligencia artificial hasta seis billones de imágenes asociadas a texto que permiten entrenar a estos modelos. 

Y aunque aparentemente no infringe ninguna ley muchas de estas imágenes que se generarán a partir de los datos ofrecidos por LAION tendrán usos comerciales, e igualmente, ¿hasta qué punto es ético el empleo de obras de artistas vivos sin el consentimiento del autor?

En algunos países como Inglaterra donde la industria creativa tiene un enorme peso, se llevó a debate en el Congreso si se podría hacer en el futuro una exención a la propiedad intelectual cuando se tratara de inteligencia artificial y la respuesta fue clara: No. 

A la espera de lo que suceda en Estados Unidos, en países como el nuestro apenas encontramos información al respecto y las asociaciones profesionales de ilustradoras e ilustradores mantienen silencio acerca de las inteligencias artificiales y sus implicaciones en la profesión. 

Sin embargo queda claro que la ilustración, al igual que otros sectores, ya se está viendo afectada por la irrupción de estas “máquinas». 

¿Se debería pagar a los autores con los que se entrenó a los modelos de A.I? desde luego parece lo correcto. 

¿Podremos evitar que en un futuro las agencias, editoriales y el común de la gente utilicen masivamente A.I para generar ilustraciones? Lo dudo. 

¿Acabará con el Arte? No. 

ALGUNAS CONCLUSIONES

No, el arte no va a morir. Si bien es cierto que estas inteligencias artificiales suponen un elemento disruptivo en las profesiones artísticas, el arte como tal, no desaparece porque el artista, el proceso, el contexto y la obra son insustituibles. Es más, puede que con el tiempo se produzca una revaloración aún mayor de las obras “tradicionales” por saturación de obras digitales generadas por inteligencia artificial. 

Sin embargo la ilustración en cuanto a arte aplicada y el oficio de ilustrador si que, en mi opinión, se verá profundamente afectada. Es difícil que ningún ilustrador pueda competir con el “abaratamiento” extremo de la ilustración a causa de las inteligencias artificiales. Con la cantidad y tiempos. Estoy segura que muchos ilustradores podrán seguir viviendo de su trabajo, especialmente los que tienen cierto renombre, pero para los ilustradores de batalla, los anónimos, puede durante un tiempo, ser casi imposible. 

Esto me lleva a varias reflexiones:

Todo apunta a que nos dirigimos a un abaratamiento y mayor mediocridad de la cultura. Lejos de hablar de democratización de la misma hablamos de un consumo barato, rápido y de escasa calidad. Algo que viene pasando desde hace tiempo en otros sectores: moda, alimentación, ocio, relaciones personales. 

Estamos en una sociedad hiperconsumista que antepone cantidad, inmediatez y precio a la calidad. Nos hemos empobrecido a muchos niveles pero también a nivel estético, ético y cultural. 

En un tiempo en que deberíamos ser cada vez más conscientes de nuestras acciones y de sus implicaciones, parece que preferimos vivir al margen de todo conocimiento. No importa lo que ocurra con nuestros datos en internet, no importa de dónde venga la carne que consumimos, ni la ropa que compramos, ni la obra de arte que nos descargamos. Vivimos sin ética acomodados a una suerte de vida chatarra, hiperconsumista y aborregada. 

No creo que la inteligencia artificial pueda acabar con el arte, somos las personas las que terminaremos con él. Al fin y al cabo el responsable último de una acción es el humano, no la máquina.

En la actualidad más que nunca se hace necesario que nos volvamos más conscientes, más críticos, más reflexivos, más selectivos. 

En los próximos tiempos veremos como la presencia de la inteligencia artificial se hará cada vez mayor. Se estima que en las próximas décadas casi el cuarenta por ciento de los puestos de trabajo tal y como los conocemos desaparecerán, no sólo el mío de ilustradora, también el tuyo. 

Todos estos cambios traerán unas implicaciones sociales y económicas que nos resulta casi imposible imaginar. Y aunque se presentarán también grandes oportunidades para la humanidad, los retos y las problemáticas van a ser increíbles.

Si no nos sentamos ahora a tener una reflexión profunda sobre lo que está sucediendo y lo qué puede suceder, nos veremos arrastrados por unos cambios que por otra parte parecen imparables. 

Así que voy a terminar este artículo tal y como lo empecé, diciendo que tenemos que hablar de inteligencia artificial. 

Busca, lee, investiga, aprende, no te conformes, lee los términos de uso de las aplicaciones, las etiquetas de los productos, etc.

No seas rebaño. 

(Nota: Todo el contenido de esta publicación ha sido elaborado sin la ayuda de ChatGPT 😉 )

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Pero además, el color, es una de las vías indiscutibles para construir emociones, para recrear ambientaciones, para generar en el espectador de la obra ciertas sensaciones y para poner de manifiesto nuestro propio universo personal.

El color es usado en diferentes medios, no solo pictóricos. El diseño gráfico, la publicidad o el cine se sirven de la teoría del color a la hora de crear sus contenidos. Sin ir muy lejos, encontramos un ejemplo de como utilizar los principios del color en la serie «El cuento de la criada», donde reina la gama de colores fríos en toda la paleta, únicamente contrastados por un punto rojo (el de las criadas). De esta forma se consigue un gran efecto visual, al mismo tiempo que se generan ciertas emociones asociadas al uso de los azules y grisáceos más fríos y casi monocromáticos (tristeza, opresión, frialdad etc) en oposición con el rojo intenso de las criadas (lucha, fuerza, vida, rebelión) Obviamente nada es casual.

Si al hablar del dibujo decíamos que saber dibujar es en gran medida saber ver, al hablar de la pintura podemos decir que saber pintar es en gran medida saber ver el color. Cuanto mejor entendamos el color, mejor pintaremos.

Por ello a continuación daremos unas pinceladas básicas de teoría del color, que nos permitan ir afinando un poco más a la hora de realizar nuestras creaciones.

El color

Antes que nada debemos comprender cuáles son las tres características esenciales de un color: saturación, luminosidad y tonalidad.

Tonalidad vendría a ser lo que nosotros conocemos como color. Saturación es el grado de pureza de un color o lo que a veces percibimos como intensidad. Y luminosidad es aquello que nos hace percibir colores como claros u oscuros.

Círculo Cromático

Antes de empezar a pintar con colores, es necesario aprender a observar y entender los colores en el mundo real. Para ello hay que entender como se distribuyen y ser capaces de clasificarlos dentro de un sistema universal que conocemos como el círculo cromático.

Aprender la forma en que los colores se distribuyen y se relacionan entre sí, es el primer paso para conseguir una obra acertada. Da igual si estamos trabajando en digital o tradicional, entender el color y saber utilizarlo de forma consciente es clave en nuestro desarrollo como artistas.

Debemos entender el origen del color, su espectro y gama cromática, las mezclas y las relaciones más efectivas entre colores.

El círculo cromático es una forma simplificada que nos pemirte el estudio racional de las armonías del color.

Esta rueda de colores conforma el segmento de luz visible del espectro solar, fue descubierto por Newton y se compone de: rojo, naranja, amarillo, verde, azul ultramar y violeta. Se sustenta en la relación de los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul o magenta, amarillo y cyan)y sus mezclas resultantes .

A partir de la relación y mezcla de estos colores podemos conseguir casi todos los colores, y el ejercicio de la mezcla es algo que adoptan quienes trabajan con pintura.

Si bien es cierto que combiene añadir algunos colores extra a la paleta para mejorar las composiciones y las mezclas.

Así, con dos rojos, dos azules y dos amarillos será más fácil conseguir mezclas ricas. Normalmente estos colores serán siempre una variante más fría y más calida del mismo color.

Los grados de un color

El grado de saturación o intensidad de un color se refiere a la viveza del color. Un color tiene mayor grado de saturación cuanto más puro se presenta y sin ninguna mezcla de blanco o negro (el negro es un color neutro que obtenemos a partir de la mezcla de los colores del círculo cromático).

Así, un amarillo de cadmio puede perder intensidad y verse más matizado cuando le añadimos blanco o lo mezclamos con una pizca de negro o marrón de siena.

De hecho a la hora de crear colores lo adecuado es esto pues en la naturaleza no existen los colores tan saturados.

La pérdida de saturación también se produce cuando un color se mezcla con una pequeña cantidad de otro color opuesto o complementario.

A partir de este esquema iremos sacando los diferentes grados de un color.

Relaciones entre los colores

Los colores nunca se presentan de forma asilada sino en relación a otros colores. A no ser que realicemos obras monocromáticas como las grisallas, es importante comprender las relaciones y conocer algunas de las que mejor funcionan a la hora de plasmar nuestras obras.

En general, a no ser que hagamos una reproducción hiper realista del mondelo natural, donde «nos limitaremos» a reproducir los colores que percibimos, siempre habrá una preponderancia de unos tonos sobre otros.

La rueda cromática de forma global se divide en dos: colores cálidos frente a colores fríos. Los colores análogos son los que se encuentran dentro de la misma gama unos al lado de los otros. Cuando pintamos con colores análogos ninguno sobresale por encima del resto.

Los colores complementarios u opuestos por el contrario son los que se encuentran directamente enfrentados en el círculo cromático y son los que crean relaciones más intensas y llamativas entre sí.

Un mismo objeto pintado sobre fondos diferentes producirá sensaciones variadas en función de las relaciones que se crean entre los colores del fondo y del primer plano.

Para empezar a experimentar con las relaciones del color es útil comenzar con colores planos y ver como estos se relacionan, podemos usar técnicas como rotuladores o acrílico.

Podemos decir que de forma general existen estas formas básicas de combinar los colores:

• Combinación monocromática: Utilizamos un único color pero variamos su intensidad y luminosidad por lo que obtenemos una gama tonal amplia.
• Combinación análoga: La que se forma a partir de la combinación de los colores próximos entre sí en la rueda cromática.
• Combinación complementaria: La que se obtiene al combinar los opuestos entre sí. Hay que tener cuidado al aplicarla porque si bien es cierto que produce unas interesantes y muy vibrantes combinaciones a veces puede resultar un tanto «agresiva» o «estresante». Por ello se debe buscar el contraste en la utilización de tonos menos saturados y aplicando también algún color neutro que apague un poco la fuerza de esta combinación.
• Triada: Para realizar esta combinación se traza un triángulo en la rueda cromática y empleamos los colores de tres en tres.
• Tetráedrica: La más difícil de emplear, se utilizan dos pares de colores complementarios.

A continuación te muestro algunos ejemplos del uso de la teoría del color aplicado a la pintura. Análogos, complementarios etc. Todo lo que queda es que te pongas a practicar.

La entrada Teoría del color para principiantes se publicó primero en PURI SALVÍ.

¿Esto es real o responde más a una inflación pasajera? Esa es una cuestión que no trataré hoy aquí.

Lo que sí es cierto es que en los últimos quince años la ilustración ha experimentado un boom notable, gracias entre otras cosas a la digitalización y la aparición de las redes sociales.

En este mundo actual tan atiborrado de imágenes y artistas, algunas y algunos, parecen coronar ese podium a golpe de seguidores. Son muchos los nombres más populares de la ilustración tanto nacional como internacional convertidos practicamente en influencers: Paula Bonet, Soy Cardo, Ricardo Cavolo, Moderna de Pueblo, El Dios de los Tres, Conrad Roset, Coco Dávez y un largo etcétera atesoran cientos de miles de seguidores en sus redes.

Pero este post se dirige a las que no lo son, no cuentan en su haber con miles y miles de seguidores y sin embargo tienen una calidad excepcional. Al menos desde mi punto de vista. Mujeres ilustradoras que he conocido personalmente en mis años de trabajo como ilustradora en Madrid, o que sin conocerlas personalmente admiro por su estilo, su profesionalidad y la calidad de su obra. Menos conocidas que otras compañeras de profesión y que sin embargo me gustaría que conocierais. Os presento a diez ilustradoras de Madrid que todos deberían conocer.

Ana Pez

Sigo a esta ilustradora desde hace tiempo, me gusta mucho su estilo, me gusta la evolución que ha tenido con el tiempo. Expresiva, plástica, lo que más me gusta de ella es el uso que hace del color y la fuerza que consigue transmitir con trazos aparentemente sencillos.

Nuppita Pittman

Con Nuria he tenido la suerte de compartir feria en el 2020, plena pandemia, en Dibumad. Por lo que puedo decir que además de gran profesional fue una gran compañera de feria. Me gusta su estilo tan gráfico, los colores planos, las formas geométricas, y como lo combina todo para conseguir un resultado que me recuerda a ciertas corrientes del diseño gráfico europeo.

Naza del Rosal

A esta artista la descubrí por casualidad ya que compartimos espacio de venta en Los Artistas del Barrio en Madrid. Me encanta la expresividad de los colores que usa y ese estilo de dibujo tan personal.

María Serres

También en Madrid descubrí a María Serres artista del collage que me encanta.

Gisela Robinson

Tengo la suerte de ser amiga de esta gran persona y gran artista con la que coincidí en mi periodo de formación como ilustradora en Madrid. Gisela tiene una sensibilidad especial para la ilustración infantil, tanto en digital como tradicional consigue dotar a su trabajo de un aire cálido que nos transporta a esos rincones mágicos de nuestra infancia.

Libertad Ballester

Hemos coincidido en editorial, Aloha, esta ilustradora tiene una forma muy peculiar y personal de dibujar, con una paleta de color intensa y muy reconocible.

Eva Zaragozá

Ilustradora y pintora madrileña con quien he compartido tienda y eventos. Es una artista divertida, expresiva y fresca con un estilo y una visión muy únicos.

S Bezos

A Silvia también la he descubierto en Madrid como a todas las mujeres ilustradoras de esta lista, compartimos estudio de Yoga y tienda. Tiene una obra gráfica muy interesante que me recuerda a cierta corriente de ilustración mexicana por sus composiciones y el uso del color tan vivo.

Marta Kayser

Ilustradora cuyo trabajo descubrí a través de APIM la asociación profesional de ilustradores e ilustradoras de Madrid. Me encanta su estilo de cómic, el uso del blanco y negro y las paletas oscuras que sin embargo hacen que las obras sean muy expresivas.

Ilustracalle

Ilustradora de Madrid, comparto tienda con ella en Madrid. Tien un trabajo muy especial que conecta muy bien con niños y adultos. Un universo rico en fantasía y acuarelas delicadas.

Estas son solo diez de las muchas ilustradoras de Madrid y de España que trabajan actualmente lejos de los focos, no son influencers pero son grandes artistas. Hay muchas más que no he podido meter aquí y muchas más aún que no conozco y me encantaría. Si crees que puedes descubrirme alguien interesante déjame un comentario. Como ilustradora, pero sobretodo como amante del arte siempre me gusta descubrir nuevas compañeras de profesión.

Ahora te invito a que descubras y sigas a estas mujeres ilustradoras en sus redes sociales. Te dejo enlace a su instagram y también, por qué no, al mío.

Ana Pez

Nuppita Pittman

Naza del Rosal

María Serres

Gisela Robinson

Libertad Ballester

Eva Zaragozá

Silvia Bezos

Marta Kayser

Ilustracalle

Y yo misma aquí Puri Salví

La entrada Diez ilustradoras poco conocidas. Que deberías conocer. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Cuando nos sentamos a ilustrar no siempre tenemos claros algunos conceptos, a veces no entendemos realmente lo que significa ilustrar y las diferencias entre ilustración, arte o dibujo. Parece elemental sí, sin embargo existe cierta confusión y es necesario comprender bien qué significa aquello que estamos haciendo, para entre otras cosas, ser mejores ilustradores.

¿Qué es ilustrar? Diferencia entre ilustración y obra artística. Breve recorrido por la historia de la ilustración.

La principal diferencia entre la ilustración y una obra de arte es que la ilustración siempre está al servicio de un mensaje, de un texto, de un producto. Mientras que en la obra de arte la finalidad es la creación artística en sí misma. Un cuadro no siempre responde a un fin concreto. La mayor parte de las veces cuando nos sentamos y creamos una obra NO estamos haciendo ilustración, sino expresión artística. Un amanecer, un retrato, un paisaje pueden ser obras artísticas pero no ilustraciones.

La ilustración nace con el objeto de complementar un texto, de iluminar una obra escrita. Es por ello que las primeras ilustraciones de la historia las encontramos en los códices que se escribían e iluminaban manualmente, por monjes generalmente, en tiempos remotos sobre el siglo VIII.

Después de la creación de la imprenta y con la mejora de las técnicas de impresión, especialmente a finales de sXIX, la ilustración tiene un auge tal en cuanto a calidad y cantidad que es conocida como la «Edad de oro de la ilustración». Debido a diferentes influencias artísticas como el Art Noveau y especialmente a la mejora de lás técnicas de impresión, grandes artistas como Mucha, Audrey Breadley, Arthur Rackham y un largo etc llevaron el arte de ilustrar (libros, cartelería, publicidad) a unas cotas que difícilmente han sido superadas.

En la primera mitad del sXX cobra mucha importancia el libro infantil y con el auge de la publicidad en los años 60 o 70 se produce un boom de la ilustración que no ha parado hasta ahora. Siendo además nuestra sociedad cada vez más visual y tecnológica, la ilustración cada vez tiene más importancia y se ha expandido a ámbitos como la industria del videojuego, cine o publicidad. La ilustración siempre ha ido asociado a los medios técnicos de impresión y reproducción, pero también de creación. A día de hoy la ilustración digital está ganando el terreno a la ilustración tradicional.

Por tanto, cuando nos sentamos a pintar por pintar no estamos haciendo ilustración. Para que exista ilustración tiene que haber un motivo, un texto, un contenido, un fin, un producto. Es por ello que además de manejar correctamente las técnicas de creación artística el ilustrador debe ser capaz de transmitir ese mensaje, narrativamente, metafóricamente, pero siempre debe tener presente la finalidad en su creación. Cosa que en una obra de arte no es necesaria y mucho menos en un dibujo que podemos hacer simplemente por practicar o por placer.

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Partiendo de esta base es mucho menos probable que a la larga nos sintamos defraudados o desmotivados para continuar con la práctica.

Puede que estés decidido a ser ilustrador de forma profesional, en cuyo caso es aconsejable pero no siempre necesario, ya que hay muchos ilustradores profesionales autodidactas, acudir a una escuela o centro donde puedas recibir un programa que se ajuste a tus demandas y con un tipo de formación centrada en la profesionalización. No solo mediante el aprendizaje de técnicas sino también poniendo a tu disposición recursos propios de la profesión: mercado laboral, marketing personal, salidas profesionales, orientación, creación de un portfolio etc. En este sentido mi consejo es que antes de decirte por una escuela u otra conozcas bien las instalaciones, los profesores, las herramientas y el plan de estudios completo.

En Madrid solo hay un centro oficial ( del Estado) con títulos oficiales, que es el centro de Arte 10. La titulación en Ilustración es un ciclo superior de dos años con prueba de acceso. En Segovia, por continuar con la proximidad a Madrid, tienes otro centro oficial que es la EASD.

Si esta no es tu vía puedes probar a investigar otras escuelas tipo ESDIP, ARTENEO, IED pero hay muchas más. Al ser una vía no oficial pero igualmente válida para la adquisición de un título, serán más caras por lo que es muy conveniente que estés seguro de que la formación que imparten se adecúa a tus necesidades y objetivos.

Si la ilustración o el dibujo/pintura te apasionan pero por diferentes motivos no te ves en una de estas escuelas, bien porque no te sientes cómodo con tu nivel técnico, bien porque no te lo planteas como una salida profesional o por cualquier otra razón, siempre tienes la opción de acudir a estudios de pintura o talleres de artistas.

Los estudios de pintura se suelen centrar en la enseñanza técnica del dibujo y la pintura, desde una perspectiva academicista, por lo que en algunas ocasiones no son el escenario ideal según lo que estemos buscando. De nuevo es importante saber qué queremos o necesitamos. En estos espacios se suele enseñar el método tradicional de las Bellas Artes y no hay lugar para la ilustración. Se suele trabajar en la representación de naturalezas muertas o modelado, para aprender a pintar con una técnica propia de las Bellas Artes Tradicionales. Si esta es tu opción en Madrid son numerosos los estudios que imparten pintura y dibujo a «la antigua usanza» por así decirlo.

Si no terminas de verte tampoco en uno de estos espacios, quizás puedas optar por una formación con un artista en concreto. Éstos suelen poner al servicio de un número limitado de personas, pues son grupos pequeños, su saber. Aprenderás y mejorarás las técnicas básicas de dibujo y pintura con el plus de trabajar con un ilustrador profesional que le dará su toque personal a las clases. En un ambiente más distendido podrás ir mejorando y autodesarrollándote en tu propia expresión, creatividad y capacidades artísticas al tiempo que aprender técnicas propias de la ilustración con las que disfrutarás mucho aprendiendo.

En este sentido y desde hace años, yo misma imparto tanto a adultos como a jóvenes y peques, cursos de ilustración y arte completamente adaptados a las personas con las que trabajo. Partimos siempre de una base y un programa que se va personalizando en función del grupo, los intereses, las inquietudes, las capacidades. De esta forma logramos un espacio de aprendizaje muy dinámico y flexible donde se da cabida a una amplia variedad de perfiles y además del aprendizaje de las técnicas del dibujo y la pintura, trabajamos con collage, digital, figurín de moda, libre expresión, composición abstracta, cuento infantil, etc, infinidad de técnicas más cercanas a la ilustración o propias de la ilustración, que repercuten en una mejora de la capacidad expresiva personal de cada uno.

Si te ves más en uno de estos talleres y cursos, te invito a que conozcas la formación que imparto en Madrid en un espacio precioso en el centro de la ciudad. Puedes saber más en el apartado cursos que hay en mi web. Pinchando aquí.

En cualquier caso sea como fuere, tanto si tienes el gusanillo artístico como si realmente es una cuestión vocacional, te invito a que no dejes pasar la oportunidad de regalarte a ti mismo la ocasión para hacer aquello que te gusta.

Curso de Ilustración Septiembre/Junio 2021-2022

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Aunque ahora vivamos en ciudades, apenas notemos el paso de las estaciones y desde luego no recojamos los frutos del campo, algo de todo aquello permanece en nuestra memoria colectiva, algo que nos invita igualmente al recogimiento y al misterio en esta época otoñal, incrementado aún más por las celebraciones de Todos los Santos, Samhain o Halloween que no hacen sino recordarnos que octubre y aún más noviembre son meses mágicos por excelencia. 

Pues bien, como este es un blog de ilustración y yo soy una devota del otoño he querido rendir un pequeño homenaje a esas historias para contar por las noches, recogiendo algunas obras de terror clásicas y no tan clásicas, ilustradas magistralmente por la mano de algunos de los mejores ilustradores. Obras en las que perderse una y otra vez ideales para las tardes y noches  lluviosas.

 Frankenstein

Creada casi por casualidad en un verano sin verano, se cumplieron hace poco doscientos años del nacimiento de este maravilloso monstruo, que abriría los ojos ante su creador una lluviosa noche de noviembre.. este moderno Prometeo que no es sino un arquetipo de la soledad humana ha sido ilustrado en numerosas ocasiones, siendo probablemente la más espectacular la que realizó el genio co-creador de La cosa del pantano, Bernie Wrightson. A tinta y con una destreza absoluta.

En otras ediciones más actuales podemos encontrar las ilustraciones de dos artistas españoles, Fernando Vicente y Elena Odriozola, recomiendo conocer ambas, la primera en un estilo más clásico y la segunda por el empleo de una técnica de ilustración diferente.

Y aquí  mi pequeño homenaje a la madre de la criatura en su doscientos aniversario, recreando una cubierta para el New York Times.

Drácula

Clásico indiscutible y protagonista de cientos de adaptaciones cinematográficas y literarias. Puede ser el vampiro más famoso de la historia pero no el único, ni el primero y probablemente ni siquiera el más “real”…pero es cierto que  cuando pensamos en vampiros inevitablemente se nos viene a la memoria el personaje creado por Bram Stoker. Sucede como con la anterior criatura que ha sido versionada e ilustrada cantidad de veces, pero quiero destacar aquí  la del artista argentino Luis Scafati pues ese uso casi expresionista que hace del blanco y negro en la reinterpretación del clásico es sumamente espléndido. Uno de mis favoritos sin duda. 

Otra vuelta de tuerca

Creo que de todas las historias de “fantasmas” que existen, y existen muchas, esta es de las que más me gusta. Su atmósfera y sobretodo su ambigüedad, la convierten en una novela de terror sumamente especial donde todo lo que leemos es y no es a un tiempo. 

De esta pequeña joya de Henry James hay una versión ilustrada magníficamente por Ana Juan que es una auténtica delicia, y se adapta muy bien con su estilo onírico a los pasajes de este relato. 

Narraciones extraordinarias de Edgar Alan Poe

Evidentemente no podían faltar en esta lista porque Poe tiene su propio podio en la literatura de terror y apenas son necesarias las explicaciones al respecto, pero es que además en cuanto a ilustraciones se refiere que es de lo que nos ocupamos aquí, ha sido ilustrado por uno de los mejores ilustradores de cuentos de hadas de la llamada Edad de oro de la ilustración, Harry Clarke. 

En su obra que también incluye el trabajo en vitrales, se ve el influjo del Modernismo y de un incipiente Art Decó. Con un estilo muy característico y un eco o influencia de Aubrey Beardsley, merece la pena conocer el trabajo de este ilustrador, y en este caso concreto sus ilustraciones para Poe. Actualmente hay preciosas ediciones pero también se pueden encontrar en la web de Dominio Público, libres de derechos de autor. 

Otro ilustrador en este caso contemporáneo que ha ilustrado también magníficamente a Poe es Benjamine Lacombe en la obra Cuentos Macabros de Edelvives.

En las montañas de la locura

De H.P Lovecraft probablemente mi escritor favorito de terror, me acompaña en las noches de otoño e invierno desde hace toda una vida y me gusta cada vez más. Lovecraft creó un universo tan aberrante y particular que ha sido imitado en incontables ocasiones y ha sido adaptado y reinventado otras tantas, aunque no siempre con éxito. Pero además ha sido uno de los escritores de terror más ilustrados, lo han hecho genios como Moebius entre otros. Aunque resulta difícil quedarse con una obra de este autor, en este caso recomiendo y mucho En las montañas de la locura, un singular homenaje a la obra de Poe,  ilustrada por el maravilloso Enrique Breccia de sobra conocido para los amantes del cómic y quien no es la primera vez que ilustra al genio de Providence. Os invito a investigar al respecto y dejaros atrapar por el universo de ambos creadores. 

La cámara sangrienta

De Ángela Carter. Esta escritora inglesa que le dio una vuelta de tuerca a los cuentos de hadas clásicos, reescribiendo y reinterpretando algunos de los cuentos populares del acervo cultural europeo, supo convertirlos con un estilo extraño de tintes victorianos en pequeñas narraciones sutilmente macabras y divertidas. Para aquellos que consideran que los cuentos de hadas son cosas de niños o que un cuento no puede dar miedo le recomiendo mucho su lectura.

Esta obra de La cámara sangrienta editado por Sexto Piso ha sido magníficamente ilustrada por Alejandra Acosta con unos dibujos/grabado que consiguen fundirse completamente con la historia. Una delicia, de verdad. 

La condesa sangrienta

Alejandra Pizarnik que es una de las poetisas más importantes de las letras hispanas, rompe con su estilo completamente al elaborar un relato narrativo y descriptivo sobre la condesa Bathory, condesa húngara acusada de cometer cientos de asesinatos y de beber la sangre de sus víctimas para mantener impoluta su belleza.  

Hace poco se ha editado por libros El zorro rojo una versión ilustrada por Santiago Caruso, argentino como la propia Pizarnik y quien con un estilo entre lo fantástico y surreal consigue recrear la atmósfera oscura y macabra de esta historia. 

Carmilla

Una de mis narraciones vampíricas favoritas, dicen que Stoker se vio inspirada por ella. Aquí el protagonista es una mujer y esta novela corta o relato largo es uno de los que revisitar de vez en cuando sobre todo en las noches de noviembre. Escrita por Le Fanú contiene todas las características del cuento gótico, se inspiró para su argumento en la historia mencionada de la condesa Bathory. 

En cuanto a piezas ilustradas de Carmilla me gustan dos especialmente, la de la ilustradora italiana Isabella Mazzantti y la de la propia Ana Juan que ha ilustrado una vez más una obra clásica de terror con una sutileza y un estilo maravillosos. 

London after midnight

He aquí la recomendación más underground de la lista. London after midnight fue una película dirigida por Tod Browning protagonizada por Lon Chaney, que supuestamente desapareció tras el incendio de la productora en los años sesenta, quedando perdida, en teoría, la supuesta única copia del film y convertida así automáticamente en obra de culto. 

Recientemente la editorial Dogitia ha realizado una versión de la película en cómic con guión de Oyanedel y dibujo de Alcatena. 

Personalmente no lo he leído ni lo tengo, pero estoy en ello..

Uzumaki

Y aquí la última pequeña joya de terror, completamente contemporánea y saliéndome por completo de lo trazado hasta ahora recomiendo este manga de Junji Ito. Lo hago por varias razones que no expondré pero fundamentalmente porque su autor puede ser considerado uno de los maestros del terror actual. Con esta obra lo descubrí y me enganché. Es absolutamente terrorífica. Un pequeño pueblo, una maldición y espirales..

Y hasta aquí esta entrada sobre literatura e ilustración, mi pequeña recomendación para estos días fríos donde debemos dejarnos arropar por la noche y los susurros que llegan lejanos desde el otro lado del cristal. 

Espero que los disfrutéis.

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