1.- Collage veraniego.

Pocas cosas más divertidas y más creativas que realizar un collage. Casi cualquier cosa es válida a la hora de recortar y pegar, o encontrar y pegar. Pero el collage que te propongo hoy es un poco diferente. Pequeños paisajes veraniegos, con algo en común: mar, verde, casitas.

Todo lo que tienes que hacer es dibujar una preciosa casa de playa o un misterioso faro en un acantilado y a continuación pintarlo y recortarlo.

Después deberás crear un fondo, con trozos de mar, trozos de tierra y trozos de cielo. Pinta y rómpelo todo con tus manos, no te preocupes por cómo hacerlo. Simplemente juega.

Una vez tengas todas las piezas, juega a montar un paisaje donde tu faro o casa sea el protagonista.

2.- Urban Sketching.

Perfecto si tu verano transcurre en la ciudad. Si no puedes desplazarte y quieres reinventar el sitio en el que vives para tener nuevas sensaciones, sin duda esta es la solución. No importa el nivel, no importa lo que creas que debes saber sobre dibujo y pintura. No importa si nunca has ilustrado.

Coge papel, lápiz y acuarelas y lánzate a la calle.

Consejos para una sesión de urban sketch satisfactoria:

• Ponte a la sombra. Queremos comodidad por un rato.
• Escoge una vista interesante. Pero si no tienes práctica, apuesta por cosas pequeñas primero: un buzón de correos destartalado, una ventana que te llame la atención, cualquier cosa vale.
• Emplea no más de diez minutos en el dibujo. No te juzgues, solo hazlo.
• Dedica unos 20, 25 minutos a darle color. Preferiblemente acuarela, irás más rápido. Si no sabes cómo pintar un truco: pinta las sombras y nada más.
• Repasa con rotulador calibrado. Tu obra parecerá lista para enmarcar.
• Diviértete. No lo haces para nadie. Solo para disfrutar.

3.- Diario Ilustrado.

Una de mis actividades favoritas, crear páginas de diario donde tomo anotaciones sobre lo que dibujo o al revés, dibujo sobre las anotaciones que he tomado.

Hace poco en mayo, hicimos un retiro artístico al Valle del Tiétar cuya temática era precisamente esta. El diario de viaje.

Con esto conseguirás que tus vacaciones sean inolvidables literalmente, porque tendrás un diario cargado de recuerdos que se volverán mucho más nítidos que si solo conservaras fotografías.

Quien viaja con un diario no es un turista. No lo olvides.

Además todo vale, el estilo solo tiene que ver contigo. Atrévete a llenar las páginas con dibujos, collages, fotografías y toma muchas anotaciones de todo lo que vives y experimentas. Con suerte, si le coges el gusto lo seguirás haciendo en tu vida diaria y así, el café que te tomas a las once en el bar de la esquina, será completamente único.

El verano es un tiempo maravilloso donde a veces nos proponemos hacer demasiadas cosas, pero eso nos carga de obligaciones y frustración, por eso mi idea es más simple, haz cosas sencillas que no te lleven mucho tiempo pero te hagan feliz. Lo importante es disfrutar.

La entrada Ilustrar en verano. Ideas para un verano creativo. se publicó primero en PURI SALVÍ.

La Real Academia Española (RAE) define el término folclore como «conjunto de costumbres, tradiciones y manifestaciones artísticas de un pueblo». Otras definiciones más extensas lo definen como el conjunto de tradiciones, costumbres, creencias, leyendas, música, danzas, y demás expresiones culturales propias de un pueblo o una comunidad, transmitidas de generación en generación de manera oral o a través de prácticas culturales.

Estas manifestaciones folclóricas suelen estar arraigadas en la identidad de un grupo humano y reflejan su historia, valores, y formas de vida. El folclore puede variar significativamente de una región a otra, y es una parte importante del patrimonio cultural de un país o una comunidad

El folclore es pues el estudio de las tradiciones, de aquello que cada persona podría identificar como sus raíces.

Es curioso como en un mundo cada vez más globalizado, donde el uso constante de la tecnología, las redes sociales, el consumo de contenidos digitales, el tipo de vida urbana, etc que generan, entre otras cuestiones, una uniformidad y homogeneización entre las personas, sin embargo aparecen cada vez más, nuevas voces preocupadas por rescatar, preservar o incluso actualizar las tradiciones propias de un pueblo, región o país.

Las cuestiones de por qué sucede esto habría que dejarlas al análisis de socióligos, antropólogos y psicólogos sociales, pero lo cierto es que mientras las formas se diluyen y la uniformidad campa a sus anchas, incluso en el arte, muchas personas se hacen abanderados del folclore desde sus diferentes ámbitos.

Históricamente el arte ha bebido de las fuentes tradicionales y folclóricas para inspiración y creación de obras, la propia ilustración fantástica en sus inicios estaba íntimamente ligada a personajes y arquetipos de la mitología popular y por tanto del folclore. Sin embargo, los ilustradores que quiero presentaros se sitúan totalmente en el ámbito del folclore y de ahí que me resulten tan interesantes.

Sea como fuere, se me quedarán muchos fuera de la lista, porque las listas siempre son problemáticas y no conozo a todos los artistas que trabajan este ámbito, pero creo que los que aparecen son representativos de este movimiento cultural, que apuesta por lo tradicional.

Son pequeños oasis de raigambre en esta, cada vez más distópica, sociedad nuestra.

Por supuesto estaré encantada de conocer otras y otros ilustradores que no figuran en la lista.

Disfruten

Max Hierro

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Don Recaredo

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Tomás Hijo

Web

Nieve Sita

Instagram

Javier Prado

Instagram

Ainoa Riesco

Web

Irina Hirondelle

Web

Álvaro M. Buendía

Web

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Cada vez somos más las personas que vivimos en ciudades, grandes y ruidosas o pequeñas y tranquilas. Todas ellas son un escenario de vida y ritmo importante: comercios, gente que entra y sale, parques, edificios en ruinas, edificios emblemáticos, casas corrientes, ventanas, balcones, tráfico, plazas de reunión o de juego, etc. Son tantos los escenarios que nos brinda una ciudad. Tantas las oportunidades de ver con los ojos de un artista.

Es normal que al vivir en una ciudad quede lejos la bucólica representación de hermosos paisajes de campos y marinas, la contemplación y la delicadeza suave y silenciosa que requiere la creación artística de la naturaleza, y es normal por tanto, que surjan formas artísticas nuevas adaptadas a la vida rápida y moderna de la ciudad.

Es ahí donde aparece la técnica del «urban sketching» que dentro de las técnicas artísticas es relativamente moderna. Aparece como tal en Seattle a finales de la primera década de los dos mil, y poco a poco se convierte en un imprescindible de viajeros, cuadernistas, nómadas y un largo etc de artistas.

Es una técnica muy interesante por su viveza y su gran espontaneidad.

El urban sketching es una forma de dibujo que se centra en capturar la vida de la ciudad en papel. Es una técnica que combina ciertas habilidades de dibujo, con la observación sistemática del entorno, y captura momentos y lugares en la calle. Esto la convierte en una técnica muy especial ya que el entorno puede estar en constante cambio.

La técnica del urban sketching se basa en la capacidad de observar los detalles de la ciudad, como la luz, la sombra, los contrastes y la atmósfera. Esta técnica es perfecta para quienes disfrutan dibujando en exteriores y les gusta capturar la vida cotidiana de la ciudad.

La definición de urban sketching es muy simple: dibujar en la ciudad, desde lo que ves en el metro hasta la arquitectura de edificios importantes en la ciudad, pasando por personas, animales, instantes, todo vale.

Para ponerte manos a la obra necesitas tener algunas habilidades de dibujo básicas, alguna noción sobre perspectiva, luces, líneas, sombras, pero esto es algo que también irás mejorando con la práctica.

Entre las técnicas del urban sketching destacan sobretodo la línea rápida y la mancha, por lo que técnicas como la acuarela encuentran aquí un gran campo de trabajo

Los materiales necesarios para hacer urban sketching son sencillos y portátiles. Lo más importante es tener un cuaderno de dibujo, lápices, bolígrafos, rotuladores o acuarelas. Puede ser recomendable tener una silla plegable o una almohada para sentarse cómodamente en la calle, pues dibujar de pie puede ser complicado, y sobretodo no tener ninguna vergüenza.

Los lugares ideales para realizar urban sketching son los lugares concurridos de la ciudad, como plazas, parques, calles comerciales, cafeterías y mercados. También puedes dibujar edificios importantes de la ciudad o sitios históricos.

Para hacer urban sketching, solo necesitas tu cuaderno de dibujo y tus materiales de dibujo. Encuentra un lugar interesante en la ciudad, siéntate cómodamente y comienza a dibujar lo que ves. No te preocupes por ser perfecto, la belleza del urban sketching es la captura de la vida urbana en tiempo real. Ser espontáneo, disfrutar mucho y tener cierta viveza.

En todo el mundo existen comunidades de artistas del urban sketching que comparten su trabajo y también realizan encuentros para dibujar. En esta página puedes encontrar un ejemplo de ello pinchando aquí.

En Madrid también encontrarás grupos de artistas aficionados al urban sketch que quedan periódicamente para salidas de dibujo. No hace falta ser un profesional. Recuerda que lo importante siempre es tener ganas de hacer.

Puedes localizarlos en sus redes sociales. En instagram están como @uskmadrid

En mis clases de ilustración a adultos suelo realizar una salida mensual con mis grupos para dibujar por Madrid. Cuando hace frío nos refugiamos en museos, pero en cuanto el tiempo lo permite salimos a la calle a capturar la ciudad, pues Madrid es un gran lugar para practicar. Pero cualquier sitio puede serlo.

Así que si te apetece probar esta técnica tan divertida no te lo pienses y si quieres saber un poco más sobre lo que hago con mis alumnos puedes ponerte en contacto conmigo.

¡A dibujar!

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Sin embargo, con la aparición de las inteligencias artificiales creadoras de contenido artístico la pervivencia del Arte vuelve a estar en el punto de mira, o más que del Arte de la ilustración como profesión. Y esta vez, quizás, las voces más pesimistas no están tan desencaminadas en sus predicciones fatalistas. 

Antes de avanzar en el presente artículo os aventuro mi reflexión sobre el tema: Tenemos que hablar de Inteligencia Artificial (A.I.), todas las personas, no sólo los artistas.

Son numerosos los motivos por los que este debate debería estar en la sociedad, pero esencialmente se reduce a uno: estamos a las puertas de lo que será la gran revolución de nuestra época. Son muchas las voces que anticipan una revolución equiparable a la Revolución Industrial, que recordemos modificó para siempre la estructura social y económica del mundo, con una diferencia fundamental respecto de la última, y es que los cambios serán mucho más veloces. Cambios estructurales que transformarán de forma significativa la sociedad tal y como la conocemos hoy en día. 

Así que ¿De verdad crees que esto no va contigo?

Se dice que el año 2023 será el año del despegue definitivo de la inteligencia artificial aunque muchas de estas tecnologías están con nosotros desde hace tiempo. 

¿Qué es la inteligencia artificial?

De una manera un tanto genérica podemos decir que son sistemas o combinación de algoritmos que imitan los procesos cognitivos de la inteligencia humana para realizar determinadas tareas, con la peculiaridad de que pueden mejorar según van desarrollando nuevos procesos a partir de la información recibida. Es decir, “aprenden” de forma autónoma (machine learning). Aunque este tipo de inteligencias artificiales lleva tiempo con nosotros, ha sido en los últimos años y especialmente en los últimos meses cuando se ha generado un salto cualitativo en su computación, al desarrollar algoritmos que funcionan o se basan en el sistema de redes neuronales de nuestro cerebro, interpretando y emulando su funcionamiento, lo que se conoce como deep learning.

Puedes leer más sobre esta cuestión pinchando aquí.

En la segunda mitad del año 2022 una serie de inteligencias artificiales se pusieron a disposición del público generando un enorme revuelo principalmente entre el sector artístico. Por primera vez una máquina simulaba procesos creativos, siendo capaz de generar imágenes artísticas, programación computacional, textos complejos etc. El proceso de creatividad humana reducido a una serie de algoritmos y máquinas generando obras de arte a velocidad de cuatro por segundo. La polémica está servida. 

En agosto del 2022 se abre al publico Dall-e2 una inteligencia artificial perteneciente a la compañía Open A.I. que es capaz de generar imágenes fotorreales o artísticas a partir de un texto con indicaciones, lo que se conoce como Prompt. 

Al poco aparecen otros modelos “similares” como Stable Difussion de la compañía Stability AI, Midjourney, etc.  Todas ellas ofrecen la posibilidad de generar imágenes de más o menos calidad, todo depende del Prompt y del proceso de mejora y acierto en éste (prompt engineering, llamada a ser la profesión de moda en los próximos meses) “gratis” y a una velocidad apabullante que ningún artista puede superar.

En los primeros días de septiembre del 2022 una pintura generada en Midjourney gana un concurso estatal de pintura en Estados Unidos, en la categoría de Arte Digital. 

Ya en noviembre del 2022 se abrió Chat GPT, desarrollado también por Open AI (Dall-e). Un sistema entrenado para generar conversaciones en línea que sorprende por lo acertado de algunas de sus respuestas y la complejidad de su funcionamiento. En apenas dos meses consiguió cien millones de usuarios. Una cifra que nunca logró ninguna red social en tan poco tiempo. Chat GPT ya está poniendo patas arriba determinados sectores, algunos como la informática o la educación. 

Todas estas máquinas están poniendo contra las cuerdas a un montón de profesionales temerosos del futuro, que se sienten incapaces de competir contra sistemas que trabajan a un precio y a una velocidad inasumible para ningún humano. 

Hace tan solo unas semanas, en enero del 2023, un colectivo de artistas en California inició una demanda contra Stability, Midjourney y DebianART. Los autores demandan a las compañías por haber sido utilizadas, sin su consentimiento, obras de su autoría para el entrenamiento de las inteligencias artificiales de estas compañías. 

En Argentina el reconocido artista e ilustrador Santiago Caruso averigua que sus obras también han sido utilizadas sin su consentimiento para entrenar a la inteligencia artificial de Midjourney (empresa que además publicita el estilo de este autor como algo que cualquier persona puede conseguir a través del uso de su plataforma) e inicia una campaña de artivismo en redes sociales dentro de la comunidad hispanohablante. Puedes consultar toda la información que ha puesto a disposición del público desde su web aquí.

¿Por qué los derechos de propiedad intelectual de estos autores han sido vulnerados?

Las inteligencias artificiales han sido entrenadas con millones de datos extraídos de la Red, muchos de ellos vulnerando derechos de autoría o privacidad. ¿Pero es esto legal?

Este es un tema complejo que trataré de resumir de la forma más simple posible. Para entrenar a las inteligencias artificiales se empleó lo que se denomina “raspado de datos” o “web scraping” que básicamente consiste en extraer y recopilar datos de terceros con diversos fines: publicidad, investigación, inteligencia artificial, etc. Debido a la ubicuidad de esta práctica no está regulada más allá de la obligación legal de respetar la protección de datos personales y los derechos de propiedad intelectual.  

Sin embargo cuando el raspado de datos se realiza con fines de investigación por organizaciones sin ánimo de lucro, al parecer se pueden hacer exenciones en el derecho de autor. 

Aquí es donde aparece LAION, una organización sin ánimo de lucro fundada en Alemania cuyo objetivo es poner a la disposición del público datos y códigos relacionados con el aprendizaje automático de las inteligencias artificiales a gran escala. 

Esta organización pone a disposición de las principales empresas de inteligencia artificial hasta seis billones de imágenes asociadas a texto que permiten entrenar a estos modelos. 

Y aunque aparentemente no infringe ninguna ley muchas de estas imágenes que se generarán a partir de los datos ofrecidos por LAION tendrán usos comerciales, e igualmente, ¿hasta qué punto es ético el empleo de obras de artistas vivos sin el consentimiento del autor?

En algunos países como Inglaterra donde la industria creativa tiene un enorme peso, se llevó a debate en el Congreso si se podría hacer en el futuro una exención a la propiedad intelectual cuando se tratara de inteligencia artificial y la respuesta fue clara: No. 

A la espera de lo que suceda en Estados Unidos, en países como el nuestro apenas encontramos información al respecto y las asociaciones profesionales de ilustradoras e ilustradores mantienen silencio acerca de las inteligencias artificiales y sus implicaciones en la profesión. 

Sin embargo queda claro que la ilustración, al igual que otros sectores, ya se está viendo afectada por la irrupción de estas “máquinas». 

¿Se debería pagar a los autores con los que se entrenó a los modelos de A.I? desde luego parece lo correcto. 

¿Podremos evitar que en un futuro las agencias, editoriales y el común de la gente utilicen masivamente A.I para generar ilustraciones? Lo dudo. 

¿Acabará con el Arte? No. 

ALGUNAS CONCLUSIONES

No, el arte no va a morir. Si bien es cierto que estas inteligencias artificiales suponen un elemento disruptivo en las profesiones artísticas, el arte como tal, no desaparece porque el artista, el proceso, el contexto y la obra son insustituibles. Es más, puede que con el tiempo se produzca una revaloración aún mayor de las obras “tradicionales” por saturación de obras digitales generadas por inteligencia artificial. 

Sin embargo la ilustración en cuanto a arte aplicada y el oficio de ilustrador si que, en mi opinión, se verá profundamente afectada. Es difícil que ningún ilustrador pueda competir con el “abaratamiento” extremo de la ilustración a causa de las inteligencias artificiales. Con la cantidad y tiempos. Estoy segura que muchos ilustradores podrán seguir viviendo de su trabajo, especialmente los que tienen cierto renombre, pero para los ilustradores de batalla, los anónimos, puede durante un tiempo, ser casi imposible. 

Esto me lleva a varias reflexiones:

Todo apunta a que nos dirigimos a un abaratamiento y mayor mediocridad de la cultura. Lejos de hablar de democratización de la misma hablamos de un consumo barato, rápido y de escasa calidad. Algo que viene pasando desde hace tiempo en otros sectores: moda, alimentación, ocio, relaciones personales. 

Estamos en una sociedad hiperconsumista que antepone cantidad, inmediatez y precio a la calidad. Nos hemos empobrecido a muchos niveles pero también a nivel estético, ético y cultural. 

En un tiempo en que deberíamos ser cada vez más conscientes de nuestras acciones y de sus implicaciones, parece que preferimos vivir al margen de todo conocimiento. No importa lo que ocurra con nuestros datos en internet, no importa de dónde venga la carne que consumimos, ni la ropa que compramos, ni la obra de arte que nos descargamos. Vivimos sin ética acomodados a una suerte de vida chatarra, hiperconsumista y aborregada. 

No creo que la inteligencia artificial pueda acabar con el arte, somos las personas las que terminaremos con él. Al fin y al cabo el responsable último de una acción es el humano, no la máquina.

En la actualidad más que nunca se hace necesario que nos volvamos más conscientes, más críticos, más reflexivos, más selectivos. 

En los próximos tiempos veremos como la presencia de la inteligencia artificial se hará cada vez mayor. Se estima que en las próximas décadas casi el cuarenta por ciento de los puestos de trabajo tal y como los conocemos desaparecerán, no sólo el mío de ilustradora, también el tuyo. 

Todos estos cambios traerán unas implicaciones sociales y económicas que nos resulta casi imposible imaginar. Y aunque se presentarán también grandes oportunidades para la humanidad, los retos y las problemáticas van a ser increíbles.

Si no nos sentamos ahora a tener una reflexión profunda sobre lo que está sucediendo y lo qué puede suceder, nos veremos arrastrados por unos cambios que por otra parte parecen imparables. 

Así que voy a terminar este artículo tal y como lo empecé, diciendo que tenemos que hablar de inteligencia artificial. 

Busca, lee, investiga, aprende, no te conformes, lee los términos de uso de las aplicaciones, las etiquetas de los productos, etc.

No seas rebaño. 

(Nota: Todo el contenido de esta publicación ha sido elaborado sin la ayuda de ChatGPT 😉 )

La entrada Inteligencia artificial y arte. ¿El fin de la ilustración? se publicó primero en PURI SALVÍ.

Actualmente tengo dos modalidades de formación: una para principiantes y otra intermedia para quienes hayan estado en iniciación antes, o para quienes tengan cierta soltura con el dibujo o la pintura.

Mis clases son perfectas para quienes no quieren ir a una escuela profesional de ilustración, pero tampoco a un taller tradicional de pintura a hacer bodegones con carboncillo. Ojo, todos los métodos de enseñanza son válidos, pero debemos seleccionar cuidadosamente el que se adapta más a nosotras.

Para mi es muy importante crear un espacio de aprendizaje relajado y alegre, pero al mismo tiempo que sirva para el desarrollo no solo de la técnica sino también del estilo personal. Hago mucha incidencia en que el dibujo, la pintura, el arte en general, nos ayudan a saber más de nosotros mismos y cuido mucho que seamos capaces de ser más conscientes de nuestro proceso de aprendizaje.

No puedo limitarme a ofrecer solo técnica o herramientas, pues actualmente hay cientos de manuales y tutoriales muy buenos en internet. Trato de ofrecer un camino lo más personalizado posible para cada uno de mis alumnos/as, en función de lo que son, de sus capacidades, de su ritmo.

Además otro aspecto que para mí es fundamental es la comunidad. En unos tiempos cada vez más individualistas y aislados, casi todo lo podemos hacer delante de una pantalla, quiero crear un espacio donde cada persona cuente, donde cada persona se sienta realmente significativa, y donde entre todas formemos un grupo creativo. Por eso siempre que puedo me gusta llevar a mis chicas (somos mayoría femenina) a dibujar por Madrid, a visitar museos, a hacer quedadas.

Me gusta pensar que mis clases son una pequeña burbuja al margen del ruido de Madrid y de todas las tareas cotidianas.

Los grupos son muy reducidos. Solemos ser seis o siete personas por clase. Y están abiertos a todas las edades a partir de los dieciocho años.

¿Qué vas a encontrar en mis clases?

Si eres principiante podrás conocer los aspectos básicos y técnicos relativos al dibujo y al uso del color. Ya que estas dos herramientas serán las que te permitan generar ilustraciones con más soltura.

En las clases de dibujo nos centramos sobretodo en el dibujo de la figura humana y el retrato. Hacemos dibujo constructivo y trabajamos a partir de una síntesis de la anatomía humana que nos permita entender mejor cómo dibujar personas. El bloque de dibujo lo trabajamos durante todo el primer trimestre.

Para el color comenzamos trabajando primero en blanco y negro los volúmenes, entendiendo de esta forma como funciona la luz y la oscuridad en una obra, esto lo hacemos con lápiz y tinta china.

El desarrollo del color ocupa una gran parte del curso, trabajamos con lápices de color, rotulador, gouache, acuarela y técnicas mixtas. Aquí no vas a encontrar un curso específico de dibujo ni un curso específico de pintura. En un único curso trabajamos de forma general los aspectos más básicos de ambas disciplinas.

Tan importante como el proceso técnico es el proceso creativo, de ahí que en la medida de lo posible procure fomentar la creatividad en las clases, algo que a los adultos nos cuesta mucho, sobretodo en estos días en los que estamos tan saturados de imágenes por todas partes.

Si eres intermedio en mis clases vas a encontrar un espacio único para crear ilustraciones, seguirás perfeccionando la técnica pero sobre todo trabajarás tu estilo y tu creatividad. Tanto en el nivel de iniciación como el intermedio trabajamos por proyectos y son continuas. Cualquier persona puede empezar en cualquier momento.

En general tanto si eres principiante como intermedio vas a encontrar unas clases muy activas, siempre digo que se aprende haciendo, en muy buen ambiente, y con mucha disposición por mi parte.

Lo digo aquí y lo digo siempre, doy las clases de ilustración que me hubiera gustado recibir a mi cuando empecé mi formación y no sabía dónde ir, y sobretodo doy las clases que creo que pueden enriquecer de verdad. No me interesan los lugares asépticos de aprendizaje. No van conmigo, no es mi estilo.

Pero si eres una persona con inquietudes artísticas, si se te gusta el arte, la ilustración, si quieres mejorar en dibujo, en expresión, en pintura y no tienes tiempo o no te apetece ir a lugares como academias, probablemente estas clases sean para tí.

Si has llegado hasta aquí porque buscas un lugar donde aprender ilustración en Madrid te recomiendo que hagas un ejercicio de reflexión sobre lo que realmente quieres. Que te informes bien de los planes de estudio, de los horarios y de tu propia disponibilidad en cuanto a motivación y tiempo. En Madrid encontrarás decenas de buenos lugares y en internet cientos. Pero siempre habrá alguno más adecuado para tí, donde te sientas mejor y ese será el lugar donde realmente aprendas más.

Dónde damos las clases: en el centro de Madrid en mi estudio de ilustración. Muy cerca del metro Noviciado, Tribunal y Plaza de Espala, en la Calle Pez nº 27.

Cuándo: hay grupos martes, miércoles y jueves de 17 a 21 horas.

Si quieres más información sobre mis cursos de ilustración te invito a que me escribas y preguntes todo lo que quieras en salvipuri@gmail.com

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Pero además, el color, es una de las vías indiscutibles para construir emociones, para recrear ambientaciones, para generar en el espectador de la obra ciertas sensaciones y para poner de manifiesto nuestro propio universo personal.

El color es usado en diferentes medios, no solo pictóricos. El diseño gráfico, la publicidad o el cine se sirven de la teoría del color a la hora de crear sus contenidos. Sin ir muy lejos, encontramos un ejemplo de como utilizar los principios del color en la serie «El cuento de la criada», donde reina la gama de colores fríos en toda la paleta, únicamente contrastados por un punto rojo (el de las criadas). De esta forma se consigue un gran efecto visual, al mismo tiempo que se generan ciertas emociones asociadas al uso de los azules y grisáceos más fríos y casi monocromáticos (tristeza, opresión, frialdad etc) en oposición con el rojo intenso de las criadas (lucha, fuerza, vida, rebelión) Obviamente nada es casual.

Si al hablar del dibujo decíamos que saber dibujar es en gran medida saber ver, al hablar de la pintura podemos decir que saber pintar es en gran medida saber ver el color. Cuanto mejor entendamos el color, mejor pintaremos.

Por ello a continuación daremos unas pinceladas básicas de teoría del color, que nos permitan ir afinando un poco más a la hora de realizar nuestras creaciones.

El color

Antes que nada debemos comprender cuáles son las tres características esenciales de un color: saturación, luminosidad y tonalidad.

Tonalidad vendría a ser lo que nosotros conocemos como color. Saturación es el grado de pureza de un color o lo que a veces percibimos como intensidad. Y luminosidad es aquello que nos hace percibir colores como claros u oscuros.

Círculo Cromático

Antes de empezar a pintar con colores, es necesario aprender a observar y entender los colores en el mundo real. Para ello hay que entender como se distribuyen y ser capaces de clasificarlos dentro de un sistema universal que conocemos como el círculo cromático.

Aprender la forma en que los colores se distribuyen y se relacionan entre sí, es el primer paso para conseguir una obra acertada. Da igual si estamos trabajando en digital o tradicional, entender el color y saber utilizarlo de forma consciente es clave en nuestro desarrollo como artistas.

Debemos entender el origen del color, su espectro y gama cromática, las mezclas y las relaciones más efectivas entre colores.

El círculo cromático es una forma simplificada que nos pemirte el estudio racional de las armonías del color.

Esta rueda de colores conforma el segmento de luz visible del espectro solar, fue descubierto por Newton y se compone de: rojo, naranja, amarillo, verde, azul ultramar y violeta. Se sustenta en la relación de los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul o magenta, amarillo y cyan)y sus mezclas resultantes .

A partir de la relación y mezcla de estos colores podemos conseguir casi todos los colores, y el ejercicio de la mezcla es algo que adoptan quienes trabajan con pintura.

Si bien es cierto que combiene añadir algunos colores extra a la paleta para mejorar las composiciones y las mezclas.

Así, con dos rojos, dos azules y dos amarillos será más fácil conseguir mezclas ricas. Normalmente estos colores serán siempre una variante más fría y más calida del mismo color.

Los grados de un color

El grado de saturación o intensidad de un color se refiere a la viveza del color. Un color tiene mayor grado de saturación cuanto más puro se presenta y sin ninguna mezcla de blanco o negro (el negro es un color neutro que obtenemos a partir de la mezcla de los colores del círculo cromático).

Así, un amarillo de cadmio puede perder intensidad y verse más matizado cuando le añadimos blanco o lo mezclamos con una pizca de negro o marrón de siena.

De hecho a la hora de crear colores lo adecuado es esto pues en la naturaleza no existen los colores tan saturados.

La pérdida de saturación también se produce cuando un color se mezcla con una pequeña cantidad de otro color opuesto o complementario.

A partir de este esquema iremos sacando los diferentes grados de un color.

Relaciones entre los colores

Los colores nunca se presentan de forma asilada sino en relación a otros colores. A no ser que realicemos obras monocromáticas como las grisallas, es importante comprender las relaciones y conocer algunas de las que mejor funcionan a la hora de plasmar nuestras obras.

En general, a no ser que hagamos una reproducción hiper realista del mondelo natural, donde «nos limitaremos» a reproducir los colores que percibimos, siempre habrá una preponderancia de unos tonos sobre otros.

La rueda cromática de forma global se divide en dos: colores cálidos frente a colores fríos. Los colores análogos son los que se encuentran dentro de la misma gama unos al lado de los otros. Cuando pintamos con colores análogos ninguno sobresale por encima del resto.

Los colores complementarios u opuestos por el contrario son los que se encuentran directamente enfrentados en el círculo cromático y son los que crean relaciones más intensas y llamativas entre sí.

Un mismo objeto pintado sobre fondos diferentes producirá sensaciones variadas en función de las relaciones que se crean entre los colores del fondo y del primer plano.

Para empezar a experimentar con las relaciones del color es útil comenzar con colores planos y ver como estos se relacionan, podemos usar técnicas como rotuladores o acrílico.

Podemos decir que de forma general existen estas formas básicas de combinar los colores:

• Combinación monocromática: Utilizamos un único color pero variamos su intensidad y luminosidad por lo que obtenemos una gama tonal amplia.
• Combinación análoga: La que se forma a partir de la combinación de los colores próximos entre sí en la rueda cromática.
• Combinación complementaria: La que se obtiene al combinar los opuestos entre sí. Hay que tener cuidado al aplicarla porque si bien es cierto que produce unas interesantes y muy vibrantes combinaciones a veces puede resultar un tanto «agresiva» o «estresante». Por ello se debe buscar el contraste en la utilización de tonos menos saturados y aplicando también algún color neutro que apague un poco la fuerza de esta combinación.
• Triada: Para realizar esta combinación se traza un triángulo en la rueda cromática y empleamos los colores de tres en tres.
• Tetráedrica: La más difícil de emplear, se utilizan dos pares de colores complementarios.

A continuación te muestro algunos ejemplos del uso de la teoría del color aplicado a la pintura. Análogos, complementarios etc. Todo lo que queda es que te pongas a practicar.

La entrada Teoría del color para principiantes se publicó primero en PURI SALVÍ.

¿Esto es real o responde más a una inflación pasajera? Esa es una cuestión que no trataré hoy aquí.

Lo que sí es cierto es que en los últimos quince años la ilustración ha experimentado un boom notable, gracias entre otras cosas a la digitalización y la aparición de las redes sociales.

En este mundo actual tan atiborrado de imágenes y artistas, algunas y algunos, parecen coronar ese podium a golpe de seguidores. Son muchos los nombres más populares de la ilustración tanto nacional como internacional convertidos practicamente en influencers: Paula Bonet, Soy Cardo, Ricardo Cavolo, Moderna de Pueblo, El Dios de los Tres, Conrad Roset, Coco Dávez y un largo etcétera atesoran cientos de miles de seguidores en sus redes.

Pero este post se dirige a las que no lo son, no cuentan en su haber con miles y miles de seguidores y sin embargo tienen una calidad excepcional. Al menos desde mi punto de vista. Mujeres ilustradoras que he conocido personalmente en mis años de trabajo como ilustradora en Madrid, o que sin conocerlas personalmente admiro por su estilo, su profesionalidad y la calidad de su obra. Menos conocidas que otras compañeras de profesión y que sin embargo me gustaría que conocierais. Os presento a diez ilustradoras de Madrid que todos deberían conocer.

Ana Pez

Sigo a esta ilustradora desde hace tiempo, me gusta mucho su estilo, me gusta la evolución que ha tenido con el tiempo. Expresiva, plástica, lo que más me gusta de ella es el uso que hace del color y la fuerza que consigue transmitir con trazos aparentemente sencillos.

Nuppita Pittman

Con Nuria he tenido la suerte de compartir feria en el 2020, plena pandemia, en Dibumad. Por lo que puedo decir que además de gran profesional fue una gran compañera de feria. Me gusta su estilo tan gráfico, los colores planos, las formas geométricas, y como lo combina todo para conseguir un resultado que me recuerda a ciertas corrientes del diseño gráfico europeo.

Naza del Rosal

A esta artista la descubrí por casualidad ya que compartimos espacio de venta en Los Artistas del Barrio en Madrid. Me encanta la expresividad de los colores que usa y ese estilo de dibujo tan personal.

María Serres

También en Madrid descubrí a María Serres artista del collage que me encanta.

Gisela Robinson

Tengo la suerte de ser amiga de esta gran persona y gran artista con la que coincidí en mi periodo de formación como ilustradora en Madrid. Gisela tiene una sensibilidad especial para la ilustración infantil, tanto en digital como tradicional consigue dotar a su trabajo de un aire cálido que nos transporta a esos rincones mágicos de nuestra infancia.

Libertad Ballester

Hemos coincidido en editorial, Aloha, esta ilustradora tiene una forma muy peculiar y personal de dibujar, con una paleta de color intensa y muy reconocible.

Eva Zaragozá

Ilustradora y pintora madrileña con quien he compartido tienda y eventos. Es una artista divertida, expresiva y fresca con un estilo y una visión muy únicos.

S Bezos

A Silvia también la he descubierto en Madrid como a todas las mujeres ilustradoras de esta lista, compartimos estudio de Yoga y tienda. Tiene una obra gráfica muy interesante que me recuerda a cierta corriente de ilustración mexicana por sus composiciones y el uso del color tan vivo.

Marta Kayser

Ilustradora cuyo trabajo descubrí a través de APIM la asociación profesional de ilustradores e ilustradoras de Madrid. Me encanta su estilo de cómic, el uso del blanco y negro y las paletas oscuras que sin embargo hacen que las obras sean muy expresivas.

Ilustracalle

Ilustradora de Madrid, comparto tienda con ella en Madrid. Tien un trabajo muy especial que conecta muy bien con niños y adultos. Un universo rico en fantasía y acuarelas delicadas.

Estas son solo diez de las muchas ilustradoras de Madrid y de España que trabajan actualmente lejos de los focos, no son influencers pero son grandes artistas. Hay muchas más que no he podido meter aquí y muchas más aún que no conozco y me encantaría. Si crees que puedes descubrirme alguien interesante déjame un comentario. Como ilustradora, pero sobretodo como amante del arte siempre me gusta descubrir nuevas compañeras de profesión.

Ahora te invito a que descubras y sigas a estas mujeres ilustradoras en sus redes sociales. Te dejo enlace a su instagram y también, por qué no, al mío.

Ana Pez

Nuppita Pittman

Naza del Rosal

María Serres

Gisela Robinson

Libertad Ballester

Eva Zaragozá

Silvia Bezos

Marta Kayser

Ilustracalle

Y yo misma aquí Puri Salví

La entrada Diez ilustradoras poco conocidas. Que deberías conocer. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Mi intención con esto es hacer una breve reseña histórica y contextualización, que permita en cierto modo, comprender la evolución de este género tan especial. También mostrar algunos de sus autores más representativos, si bien soy consciente de que cantidad de ellos quedarán fuera.

Cuando hablamos de ilustración fantástica o ilustración de fantasía, inevitablemente se nos vienen a la cabeza escenas de El Señor de los Anillos o algunas ilustraciones de Conan u otros tebeos de Espada y Brujería poblados de dragones y otros seres extraños.

Sin embargo, la fantasía es algo que ha acompañado al hombre desde que es hombre y su representación pictórica podemos hallarla desde tiempos lejanos.

Quizás uno de los primeros referentes de lo fantástico como tal, podemos encontrarlo en la obra del siempre inquietante Bosco, donde un amplio espectro de criaturas extrañas y alucinadas recorren sus obras.

Pero tampoco es mi intención hacer aquí un repaso por los elementos fantásticos que pueblan la Historia del Arte, sino centrarme en lo que tiene que ver propiamente con la ilustración fantástica.

Para ello debemos remontarnos a finales del siglo XIX, el periodo conocido como «Edad de oro de la Ilustración», época en que tuvieron lugar una suerte de acontecimientos que derivaron en un momento especialmente rico en cuanto a calidad y cantidad de ilustradores y creaciones.

Diferentes corrientes artísticas y filosóficas fueron precursoras e inlfuyeron de forma significativa en la creación artística de este período. Por ejemplo el Romanticismo, originado a finales del sXVIII como reacción a la Ilustración y al Neoclasicismo, influyó de manera determinante y permitió la aparición de movimientos artísticos tan importantes como el Prerrafaelismo, el Simbolismo etc.

También al amparo del Romanticismo que exaltaba la naturaleza, los sentimientos humanos y el misticismo relacionado con un mundo imaginario e inquietante, no simplemente positivista y racional, tuvo lugar por toda Europa, dentro de un marco de exaltación nacionalista, una búsqueda y rescate de tradiciones relacionadas con el folklore y la cultura popular.

Este hecho es de singular importancia para el tema de la ilustración fantástica y de la ilustración en general, ya que (gracias también a los avances tecnológicos relativos a la impresión y reproducción de obras) comenzaron a editarse gran cantidad de libros que recogían estos antiguos saberes populares de la tradición folklórica, permitiendo la aparición de lo que hoy conocemos como Cuentos de Hadas.

Así folkloristas por toda Europa se dedicaron con avidez a recoger antiguas leyendas, mitos y cuentos, mientras que se editaban estas obras sin parar, ya que el público las recibía con gran entusiasmo.

Gran parte de estas obras denominadas «Cuentos de Hadas», donde encontramos las famosas recopilaciones de los Hermanos Grimm, Perrault, Andersen y otros, iban acompañadas de grandiosas ilustraciones. Aquellas que precisamente dieron a conocer este período como Edad de Oro aunque de ello hablaremos en otra ocasión ampliamente.

Centrándonos en la Ilustración de Fantasía podemos comprender el origen de ésta, precisamente en aquellos cuentos de hadas de origen popular, mal entendidos para niños, donde se recreaba un universo mágico repleto de criaturas de todo tipo. Desde las mas feéricas de las Islas Británicas, hasta las más terribles como Baba Yaga en Rusia, o las más grotescas como los Trolls de la tradición Escandinava. Todas aquellas criaturas, todos aquellos cuentos, mitos y sagas, todos aquellos ilustradores, dieron lugar a lo que hoy conocemos como Ilustración Fantástica.

Theodor Kittelsen (Kragerø, Telemark, 27 de abril, 1857 – Jeløya, Østfold, 21 de enero, 1914)

Uno de los artistas noruegos más conocidos en su país. Famoso pos sus pinturas y sus ilustraciones para los cuentos de hadas, especialmente sus creaciones de los míticos Trolls.

John Albert Bauer (Jönköping​ 4 de junio de 1882​ – lago Vättern, 20 de noviembre de 1918)

Artista sueco enormemente popular por las ilustraciones para el libro Entre Duendes y Trolls, un libro que se vende de forma masiva en Suecia cada Navidad. El estilo y la forma de dibujar de Bauer marcaría un antes y un después en la ilustración de fantasía con una influencia total hasta nuestros días. Encontramos referencias a su estilo en muchos de los personajes de Cristal Oscuro de Henson, por ejemplo.

Arthur Rackham (Lewisham, Kent; 19 de septiembre de 1867-Limpsfield, Surrey; 6 de septiembre de 1939)

Uno de los ilustradores más conocidos, especialmente por sus ilustraciones para diferentes cuentos como los de los Hermanos Grimm, Alicia en el País de las Maravillas y otra gran cantidad de cuentos de hadas.

La influencia de Rackham en el estilo de otros ilustradores ha sido y aún es notable.

Edmund Dulac (Toulouse 22 de octubre de 1882- Londres 25 de mayo de 1954)

Dulac forma junto a Kay Nielsen y Arthur Rackham el triunvirato de la Edad de Oro de la ilustración. Y junto con aquellos, sus ilustraciones para los cuentos de hadas han sido una influencia notable en el campo de la ilustración fantástica.

J. R. R. Tolkien (Bloemfontein, hoy Sudáfrica; 3 de enero de 1892–Bournemouth, Dorset; 2 de septiembre de 1973)

Tolkien aparece en esta lista por un doble motivo, el primero, el más obvio, porque a penas entenderíamos la Fantasía hoy en día sin su obra. Así de contundente ha sido su influencia. Pero es que además de ser uno de los grandes autores de la historia, Tolkien, fue pintor e ilustrador, y en realidad este es el motivo por el que se incluye en esta lista de artistas.

Si bien su estilo se caracterizó sobretodo por el paisaje y la ambientación, no tanto por la creación de personajes, podemos encontrar algunas obras icónicas como esta ilustración de El Hobbit.

A continuación seguimos con algunos ilustradores de Fantasía notables, continuamos por el momento en Europa y siempre muy vinculados al ámbito del folklore y los cuentos de hadas, para hablar de dos grandes de la ilustración como son Brian Froud y Alan Lee.

Brian Froud (Winchester 1945) es un ilustrador británico quien publicó junto con Alan Lee el ya considerado clásico «Hadas» una joya de la Fantasía. Además ha sido director de arte de Jim Henson en proyectos tan especiales como El Cuentacuentos, Cristal Oscuro o Dentro del laberinto.

Alan Lee  (Middlesex; 20 de agosto de 1947)

Autor junto con Froud del libro «Hadas». Lee, es conocido especialmente por sus diferentes trabajos para El Señor de los Anillos.

Viajamos ahora fuera del continente europeo . Durante la primera mitad del siglo XX, en Estados Unidos con la creación de publicaciones pulp como Weird Tales, aparece un tipo de fantasía diferente a la Europea, más «pop» por así decirlo, pero cuyo auge, popularidad e influencia hasta nuestros días ha sido tremendamente notable. Si en Europa la fantasía ha estado vinculada a las antiguas tradiciones populares, leyendas, mitos y sagas, en EEUU, la fantasía ha estado más ligada desde sus inicios a la denominada Fantasía Heroica o Fantasía Épica, que se desarrollaban para las diferentes publicaciones en prensa y tebeos y tiene un claro exponente: «Conan«. Creado en 1932 por Robert E. Howard para una serie de relatos publicados en Weird Tales, se ha convertido en el personaje arquetípico de la fantasía estadounidense y principal representante del género conocido como Espada y Brujería. Para su creación, Howard se inspiró en «viejas historias» del continente europeo, adaptadas en estilo y forma al contexto y público norteamericano.

Estas creaciones pulp que impulsaron la publicación de estas historias de fantasía épica, tuvieron un resurgir y auge a partir de los años setenta en el cómic de adultos, donde diferentes publicaciones plagaban sus viñetas de historias de Espada y Brujería y otras de fantasía épica. Aquellas historias no dejaron nunca de publicarse y la Fantasía y por tanto la ilustración fantástica vivieron un boom que ha perdurado hasta nuestros días.

Algunos creadores norteamericanos de aquella corriente tan vasta son:

J. Allen St. John Chicago 1 de octubre de 1875, Chicago 23 de mayo de 1957)

gran ilustrador recordardo sobretodo por su trabajo para las novelas de novelas de Edgar Rice Burroughs.

Frank Frazetta  (Brooklyn, Nueva York, 9 de febrero de 1928 – 10 de mayo de 2010)

Especializado en ciencia ficción y fantasía, su estilo ha sido copiado y emulado por artistas de todo el mundo.

Richard Corben (Anderson, Misuri, 1 de octubre de 1940 – 2 de diciembre de 2020)

También especializado en ciencia ficción y fantasía Corben destacó por su uso del color y técnica.

Otros autores norteamericanos en la línea de los anteriores son

John Buscema (Nueva York 1927 – Nueva York 2002)

Richard Hescox Pasadena, California 1949

Como vemos el género de la fantasía es inabarcable. Podríamos centrarnos en cada país, en diferentes épocas y daría para incontables entradas.

Me limito aquí, como he dicho anteriormente, a hacer una breve reseña que sirva de introducción a este maravilloso género y que permita conocer algunas de sus características esenciales, como por ejemplo las diferencias entre la propia fantasía europea y la fantasía norteamericana tan marcada por las historias de los cómics.

En cuanto a ilustradores actuales de fantasía podemos encontrar cientos de ellos de gran calidad, solo hay que echar un vistazo a las publicaciones de rol, videojuegos o narrativa fantástica, para comprobar la enorme variedad y calidad de las ilustraciones. Actualmente, la fantasía lejos de perder su popularidad ha seguido creciendo, en parte por las continuas adaptaciones cinematográficas de alguna obras clásicas como las de Tolkien, y la continuidad del género de Espada y Brujería con el propio Conan que no ha dejado de editarse.

Podría parecer que debido a esa corriente norteamericana de fantasía (cuya influencia en la cultura popular y la ilustración fantástica desde finales de los setenta, hasta nuestros días ha sido inmensa) la ilustración fantástica europea, vinculada a aquella tradición folklórica hubiera pasado a un segundo plano. Sin embargo parece que estamos viviendo un resurgir de aquella ilustración y actualmente podemos encontrar cada vez más, una ilustración fantástica de origen folklórico.

Prueba de ello es por ejemplo una joya de la animación europea como El Secreto de Kells de inspiración celta.

En ese sentido también cabe mencionar al ilustrador francés Jean Baptiste Monge y sus creaciones de inspiración célticas, que tanto nos recuerda al estilo y forma de aquellos ilustradores con los que comenzó este artículo.

Me dejo muchos artistas y soy consciente, pero os invito a navegar y dejaros naufragar en este maravillo mundo, otro mundo que nos rodea, llamado Fantasía y descubrir por vosotros mismos a quienes se han atrevido a contar sus historias ya sea con palabras, ya sea con imágenes.

Por último pido perdón a todos los maestros que me he dejado fuera.

A modo de epílogo quiero decir, que podéis descubrir más historias fantásticas en mi otro yo, como guardiana de El Reino Secreto en la web y en el ivoox pinchando aquí. Un podcast dedicado a la recuperación de los cuentos de tradición popular. También en la cuenta de instagram donde hago homenaje a todos aquellos artistas que pintaron por y para ese mundo mágico.

Como siempre todo comentario es bienvenido. Especialmente si consideráis que falta algún artista, me encantaría que me lo hicierais saber.

Sed felices.

La entrada Ilustración Fantástica se publicó primero en PURI SALVÍ.

Muchas veces vemos con frustración, como aquello que imaginamos no es ni por asomo lo que logramos plasmar en el papel. Esto hace, entre otras cosas, que recurramos muchas veces a referencias visuales a la hora de crear nuestras ilustraciones, referencias que por un lado nos ayudan, pero por otro terminan por aletargar nuestro mundo personal y creativo.

¿Por qué sucede esto?

Los seres humanos comenzamos a dibujar de forma espontánea y natural entorno al primer año y medio de vida. Esos garabatos o movimientos producen un placer sensorial en el niño que además contribuyen de forma eficaz al dominio de su psicomotricidad. Y no dejamos de hacerlo. El niño disfruta enormemente dibujando. (más adelante realizaré un post dedicado a este tema).

Sin embargo, cuando nos aproximamos a la adolescencia o quizás antes, depende un poco de la sensibilidad y características de cada persona, comenzamos a sentir presión hacia nuestros dibujos. Somos conscientes de las fallas, nos comparamos o nos comparan, y dibujar deja de ser una experiencia meramente expresiva y lúdica. La mayor parte de las personas dejan de dibujar en esta edad ( 11 o 12 años). Es por ello que muchos adultos dicen que dibujan «fatal» o dibujan como niños. Pero esto sucede no porque no tengan las capacidades, que son intrínsecas a todos los humanos, sino porque abandonaron una práctica, y al retomarla se encuentran con que parten del mismo punto en la que la dejaron.

Dibujar, es a día de hoy, un reto para la mayor parte de los adultos. Y en mis clases me encuentro con mucha gente que lo vive con gran pesar.

Sin embargo, el dibujo, ya sea porque nos dedicamos profesionalmente a una actividad visual o simplemente porque sí, aporta unos enormes beneficios a la persona.

¿Qué es dibujar?

Siempre digo que dibujar no es más que trazar sobre el papel, lienzo o cualquier soporte. Y en su aspecto más rudimentario es eso y nada más. Por tanto, aunque consideremos que nunca dibujamos esto es incorrecto. Jamás hemos dejado de hacerlo. Cuando en un cristal tintado por el vaho hacemos una espiral o una cara sonriente, estamos dibujando; cuando en la oficina garabateamos sin sentido sobre los folios, estamos dibujando; de hecho, cada vez que escribimos a mano, en realidad, lo que estamos haciendo es dibujando letras.

Así que todos dibujamos.

Otra cosa diferente es dibujar conscientemente aquello que queremos expresar. Ahí es donde nos encontramos con la mayor dificultad. ¿por qué? Para empezar porque no tenemos un pensamiento visual.

Así que podríamos decir que dibujar es básicamente saber ver. O que saber ver es lo que necesitamos de verdad para poder dibujar lo que queremos.

Pensamiento visual vs pensamiento conceptual.

La forma en la que nos relacionamos con el mundo es básicamente a través de los conceptos. Es la forma en la que nos adaptamos y sobrevivimos a nuestro ambiente. Nuestro pensamiento es conceptual. Cuando entramos en una habitación, de forma inconsciente, hacemos un registro de conceptos (mesas, sillas, ventana, personas, etc) y está bien, es lo que necesitamos para comprender la realidad. Pero no es lo que necesitamos para reflejar, dibujar o pintar la realidad. Porque a la hora de trasladar al papel conceptos abstractos, la mano y el cerebro sufren. Nos frustramos y abandonamos pensando que no sabemos dibujar.

Necesitamos traducir esos conceptos en «vocabulario visual» que sea representable. Necesitamos ver, y saber ver. De tal forma que cuando entremos en la misma habitación lo que veamos sean formas, figuras, espacio, luz, profundidad etc. Y en la medida que cada vez seamos más capaces de observar de tal forma la realidad, seremos más capaces de dibujar. Y llegará un momento en que además seremos capaces de dibujar aquello que solo nos pertenece a nosotros, nuestro mundo interior.

Lenguaje visual.

Aprender a dibujar o mejorar en nuestra forma de dibujar, requiere por tanto, de ir ganando competencias en una serie de aspectos relacionados completamente con el lenguaje visual. Y a partir de ahí, cada uno en función de su propia forma de ser. Habrá personas que lleguen a un desarrollo técnico muy elevado de estas cuestiones y sean grandes naturalistas o realistas; habrá otros cuyo interés sea más expresivo o expresionistas y habrá otros que disfruten recreando de forma poética y surreal o inventando mundos y personajes. Habrá tantos estilos y formas de dibujar como personas hay.

En cualquier caso para dibujar adecuadamente, el cerebro debe entrenarse en el pensamiento visual para que pueda entender y dar valor a cuestiones como las formas, las posiciones, las direcciones y otras relaciones visuales en lugar de reconocer objetos y transformarlos en palabras.

Aprender a dibujar tiene que ver con pensar de una forma nueva.

Vocabulario visual básico que debemos dominar:

• Punto o posición
• Línea
• Forma
• Figura
• Espacio

En una próxima entrada abordaremos de forma práctica por dónde comenzar a dibujar. Cómo observar y qué preguntas debemos hacernos antes de comenzar a trazar líneas sobre el papel.

Hablaremos de encuadre, perspectiva, y figura humana. Y describiré un método para comenzar a dibujar sin miedo personas.

Sin embargo el dibujo como cualquier técnica requiere de un hábito continuado. Sobre el papel y sobre el mundo. Un cuaderno de bocetos donde poder dibujar sin presión todo lo que queramos, pero también una práctica continua de la observación consciente.

La entrada Nociones básicas relativas al dibujo. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Cuando nos sentamos a ilustrar no siempre tenemos claros algunos conceptos, a veces no entendemos realmente lo que significa ilustrar y las diferencias entre ilustración, arte o dibujo. Parece elemental sí, sin embargo existe cierta confusión y es necesario comprender bien qué significa aquello que estamos haciendo, para entre otras cosas, ser mejores ilustradores.

¿Qué es ilustrar? Diferencia entre ilustración y obra artística. Breve recorrido por la historia de la ilustración.

La principal diferencia entre la ilustración y una obra de arte es que la ilustración siempre está al servicio de un mensaje, de un texto, de un producto. Mientras que en la obra de arte la finalidad es la creación artística en sí misma. Un cuadro no siempre responde a un fin concreto. La mayor parte de las veces cuando nos sentamos y creamos una obra NO estamos haciendo ilustración, sino expresión artística. Un amanecer, un retrato, un paisaje pueden ser obras artísticas pero no ilustraciones.

La ilustración nace con el objeto de complementar un texto, de iluminar una obra escrita. Es por ello que las primeras ilustraciones de la historia las encontramos en los códices que se escribían e iluminaban manualmente, por monjes generalmente, en tiempos remotos sobre el siglo VIII.

Después de la creación de la imprenta y con la mejora de las técnicas de impresión, especialmente a finales de sXIX, la ilustración tiene un auge tal en cuanto a calidad y cantidad que es conocida como la «Edad de oro de la ilustración». Debido a diferentes influencias artísticas como el Art Noveau y especialmente a la mejora de lás técnicas de impresión, grandes artistas como Mucha, Audrey Breadley, Arthur Rackham y un largo etc llevaron el arte de ilustrar (libros, cartelería, publicidad) a unas cotas que difícilmente han sido superadas.

En la primera mitad del sXX cobra mucha importancia el libro infantil y con el auge de la publicidad en los años 60 o 70 se produce un boom de la ilustración que no ha parado hasta ahora. Siendo además nuestra sociedad cada vez más visual y tecnológica, la ilustración cada vez tiene más importancia y se ha expandido a ámbitos como la industria del videojuego, cine o publicidad. La ilustración siempre ha ido asociado a los medios técnicos de impresión y reproducción, pero también de creación. A día de hoy la ilustración digital está ganando el terreno a la ilustración tradicional.

Por tanto, cuando nos sentamos a pintar por pintar no estamos haciendo ilustración. Para que exista ilustración tiene que haber un motivo, un texto, un contenido, un fin, un producto. Es por ello que además de manejar correctamente las técnicas de creación artística el ilustrador debe ser capaz de transmitir ese mensaje, narrativamente, metafóricamente, pero siempre debe tener presente la finalidad en su creación. Cosa que en una obra de arte no es necesaria y mucho menos en un dibujo que podemos hacer simplemente por practicar o por placer.

La entrada Ilustración. Qué significa ilustrar. se publicó primero en PURI SALVÍ.