1.- Collage veraniego.

Pocas cosas más divertidas y más creativas que realizar un collage. Casi cualquier cosa es válida a la hora de recortar y pegar, o encontrar y pegar. Pero el collage que te propongo hoy es un poco diferente. Pequeños paisajes veraniegos, con algo en común: mar, verde, casitas.

Todo lo que tienes que hacer es dibujar una preciosa casa de playa o un misterioso faro en un acantilado y a continuación pintarlo y recortarlo.

Después deberás crear un fondo, con trozos de mar, trozos de tierra y trozos de cielo. Pinta y rómpelo todo con tus manos, no te preocupes por cómo hacerlo. Simplemente juega.

Una vez tengas todas las piezas, juega a montar un paisaje donde tu faro o casa sea el protagonista.

2.- Urban Sketching.

Perfecto si tu verano transcurre en la ciudad. Si no puedes desplazarte y quieres reinventar el sitio en el que vives para tener nuevas sensaciones, sin duda esta es la solución. No importa el nivel, no importa lo que creas que debes saber sobre dibujo y pintura. No importa si nunca has ilustrado.

Coge papel, lápiz y acuarelas y lánzate a la calle.

Consejos para una sesión de urban sketch satisfactoria:

• Ponte a la sombra. Queremos comodidad por un rato.
• Escoge una vista interesante. Pero si no tienes práctica, apuesta por cosas pequeñas primero: un buzón de correos destartalado, una ventana que te llame la atención, cualquier cosa vale.
• Emplea no más de diez minutos en el dibujo. No te juzgues, solo hazlo.
• Dedica unos 20, 25 minutos a darle color. Preferiblemente acuarela, irás más rápido. Si no sabes cómo pintar un truco: pinta las sombras y nada más.
• Repasa con rotulador calibrado. Tu obra parecerá lista para enmarcar.
• Diviértete. No lo haces para nadie. Solo para disfrutar.

3.- Diario Ilustrado.

Una de mis actividades favoritas, crear páginas de diario donde tomo anotaciones sobre lo que dibujo o al revés, dibujo sobre las anotaciones que he tomado.

Hace poco en mayo, hicimos un retiro artístico al Valle del Tiétar cuya temática era precisamente esta. El diario de viaje.

Con esto conseguirás que tus vacaciones sean inolvidables literalmente, porque tendrás un diario cargado de recuerdos que se volverán mucho más nítidos que si solo conservaras fotografías.

Quien viaja con un diario no es un turista. No lo olvides.

Además todo vale, el estilo solo tiene que ver contigo. Atrévete a llenar las páginas con dibujos, collages, fotografías y toma muchas anotaciones de todo lo que vives y experimentas. Con suerte, si le coges el gusto lo seguirás haciendo en tu vida diaria y así, el café que te tomas a las once en el bar de la esquina, será completamente único.

El verano es un tiempo maravilloso donde a veces nos proponemos hacer demasiadas cosas, pero eso nos carga de obligaciones y frustración, por eso mi idea es más simple, haz cosas sencillas que no te lleven mucho tiempo pero te hagan feliz. Lo importante es disfrutar.

La entrada Ilustrar en verano. Ideas para un verano creativo. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Cada vez somos más las personas que vivimos en ciudades, grandes y ruidosas o pequeñas y tranquilas. Todas ellas son un escenario de vida y ritmo importante: comercios, gente que entra y sale, parques, edificios en ruinas, edificios emblemáticos, casas corrientes, ventanas, balcones, tráfico, plazas de reunión o de juego, etc. Son tantos los escenarios que nos brinda una ciudad. Tantas las oportunidades de ver con los ojos de un artista.

Es normal que al vivir en una ciudad quede lejos la bucólica representación de hermosos paisajes de campos y marinas, la contemplación y la delicadeza suave y silenciosa que requiere la creación artística de la naturaleza, y es normal por tanto, que surjan formas artísticas nuevas adaptadas a la vida rápida y moderna de la ciudad.

Es ahí donde aparece la técnica del «urban sketching» que dentro de las técnicas artísticas es relativamente moderna. Aparece como tal en Seattle a finales de la primera década de los dos mil, y poco a poco se convierte en un imprescindible de viajeros, cuadernistas, nómadas y un largo etc de artistas.

Es una técnica muy interesante por su viveza y su gran espontaneidad.

El urban sketching es una forma de dibujo que se centra en capturar la vida de la ciudad en papel. Es una técnica que combina ciertas habilidades de dibujo, con la observación sistemática del entorno, y captura momentos y lugares en la calle. Esto la convierte en una técnica muy especial ya que el entorno puede estar en constante cambio.

La técnica del urban sketching se basa en la capacidad de observar los detalles de la ciudad, como la luz, la sombra, los contrastes y la atmósfera. Esta técnica es perfecta para quienes disfrutan dibujando en exteriores y les gusta capturar la vida cotidiana de la ciudad.

La definición de urban sketching es muy simple: dibujar en la ciudad, desde lo que ves en el metro hasta la arquitectura de edificios importantes en la ciudad, pasando por personas, animales, instantes, todo vale.

Para ponerte manos a la obra necesitas tener algunas habilidades de dibujo básicas, alguna noción sobre perspectiva, luces, líneas, sombras, pero esto es algo que también irás mejorando con la práctica.

Entre las técnicas del urban sketching destacan sobretodo la línea rápida y la mancha, por lo que técnicas como la acuarela encuentran aquí un gran campo de trabajo

Los materiales necesarios para hacer urban sketching son sencillos y portátiles. Lo más importante es tener un cuaderno de dibujo, lápices, bolígrafos, rotuladores o acuarelas. Puede ser recomendable tener una silla plegable o una almohada para sentarse cómodamente en la calle, pues dibujar de pie puede ser complicado, y sobretodo no tener ninguna vergüenza.

Los lugares ideales para realizar urban sketching son los lugares concurridos de la ciudad, como plazas, parques, calles comerciales, cafeterías y mercados. También puedes dibujar edificios importantes de la ciudad o sitios históricos.

Para hacer urban sketching, solo necesitas tu cuaderno de dibujo y tus materiales de dibujo. Encuentra un lugar interesante en la ciudad, siéntate cómodamente y comienza a dibujar lo que ves. No te preocupes por ser perfecto, la belleza del urban sketching es la captura de la vida urbana en tiempo real. Ser espontáneo, disfrutar mucho y tener cierta viveza.

En todo el mundo existen comunidades de artistas del urban sketching que comparten su trabajo y también realizan encuentros para dibujar. En esta página puedes encontrar un ejemplo de ello pinchando aquí.

En Madrid también encontrarás grupos de artistas aficionados al urban sketch que quedan periódicamente para salidas de dibujo. No hace falta ser un profesional. Recuerda que lo importante siempre es tener ganas de hacer.

Puedes localizarlos en sus redes sociales. En instagram están como @uskmadrid

En mis clases de ilustración a adultos suelo realizar una salida mensual con mis grupos para dibujar por Madrid. Cuando hace frío nos refugiamos en museos, pero en cuanto el tiempo lo permite salimos a la calle a capturar la ciudad, pues Madrid es un gran lugar para practicar. Pero cualquier sitio puede serlo.

Así que si te apetece probar esta técnica tan divertida no te lo pienses y si quieres saber un poco más sobre lo que hago con mis alumnos puedes ponerte en contacto conmigo.

¡A dibujar!

La entrada Ilustrar la ciudad. Urban sketching se publicó primero en PURI SALVÍ.

Sin embargo, con la aparición de las inteligencias artificiales creadoras de contenido artístico la pervivencia del Arte vuelve a estar en el punto de mira, o más que del Arte de la ilustración como profesión. Y esta vez, quizás, las voces más pesimistas no están tan desencaminadas en sus predicciones fatalistas. 

Antes de avanzar en el presente artículo os aventuro mi reflexión sobre el tema: Tenemos que hablar de Inteligencia Artificial (A.I.), todas las personas, no sólo los artistas.

Son numerosos los motivos por los que este debate debería estar en la sociedad, pero esencialmente se reduce a uno: estamos a las puertas de lo que será la gran revolución de nuestra época. Son muchas las voces que anticipan una revolución equiparable a la Revolución Industrial, que recordemos modificó para siempre la estructura social y económica del mundo, con una diferencia fundamental respecto de la última, y es que los cambios serán mucho más veloces. Cambios estructurales que transformarán de forma significativa la sociedad tal y como la conocemos hoy en día. 

Así que ¿De verdad crees que esto no va contigo?

Se dice que el año 2023 será el año del despegue definitivo de la inteligencia artificial aunque muchas de estas tecnologías están con nosotros desde hace tiempo. 

¿Qué es la inteligencia artificial?

De una manera un tanto genérica podemos decir que son sistemas o combinación de algoritmos que imitan los procesos cognitivos de la inteligencia humana para realizar determinadas tareas, con la peculiaridad de que pueden mejorar según van desarrollando nuevos procesos a partir de la información recibida. Es decir, “aprenden” de forma autónoma (machine learning). Aunque este tipo de inteligencias artificiales lleva tiempo con nosotros, ha sido en los últimos años y especialmente en los últimos meses cuando se ha generado un salto cualitativo en su computación, al desarrollar algoritmos que funcionan o se basan en el sistema de redes neuronales de nuestro cerebro, interpretando y emulando su funcionamiento, lo que se conoce como deep learning.

Puedes leer más sobre esta cuestión pinchando aquí.

En la segunda mitad del año 2022 una serie de inteligencias artificiales se pusieron a disposición del público generando un enorme revuelo principalmente entre el sector artístico. Por primera vez una máquina simulaba procesos creativos, siendo capaz de generar imágenes artísticas, programación computacional, textos complejos etc. El proceso de creatividad humana reducido a una serie de algoritmos y máquinas generando obras de arte a velocidad de cuatro por segundo. La polémica está servida. 

En agosto del 2022 se abre al publico Dall-e2 una inteligencia artificial perteneciente a la compañía Open A.I. que es capaz de generar imágenes fotorreales o artísticas a partir de un texto con indicaciones, lo que se conoce como Prompt. 

Al poco aparecen otros modelos “similares” como Stable Difussion de la compañía Stability AI, Midjourney, etc.  Todas ellas ofrecen la posibilidad de generar imágenes de más o menos calidad, todo depende del Prompt y del proceso de mejora y acierto en éste (prompt engineering, llamada a ser la profesión de moda en los próximos meses) “gratis” y a una velocidad apabullante que ningún artista puede superar.

En los primeros días de septiembre del 2022 una pintura generada en Midjourney gana un concurso estatal de pintura en Estados Unidos, en la categoría de Arte Digital. 

Ya en noviembre del 2022 se abrió Chat GPT, desarrollado también por Open AI (Dall-e). Un sistema entrenado para generar conversaciones en línea que sorprende por lo acertado de algunas de sus respuestas y la complejidad de su funcionamiento. En apenas dos meses consiguió cien millones de usuarios. Una cifra que nunca logró ninguna red social en tan poco tiempo. Chat GPT ya está poniendo patas arriba determinados sectores, algunos como la informática o la educación. 

Todas estas máquinas están poniendo contra las cuerdas a un montón de profesionales temerosos del futuro, que se sienten incapaces de competir contra sistemas que trabajan a un precio y a una velocidad inasumible para ningún humano. 

Hace tan solo unas semanas, en enero del 2023, un colectivo de artistas en California inició una demanda contra Stability, Midjourney y DebianART. Los autores demandan a las compañías por haber sido utilizadas, sin su consentimiento, obras de su autoría para el entrenamiento de las inteligencias artificiales de estas compañías. 

En Argentina el reconocido artista e ilustrador Santiago Caruso averigua que sus obras también han sido utilizadas sin su consentimiento para entrenar a la inteligencia artificial de Midjourney (empresa que además publicita el estilo de este autor como algo que cualquier persona puede conseguir a través del uso de su plataforma) e inicia una campaña de artivismo en redes sociales dentro de la comunidad hispanohablante. Puedes consultar toda la información que ha puesto a disposición del público desde su web aquí.

¿Por qué los derechos de propiedad intelectual de estos autores han sido vulnerados?

Las inteligencias artificiales han sido entrenadas con millones de datos extraídos de la Red, muchos de ellos vulnerando derechos de autoría o privacidad. ¿Pero es esto legal?

Este es un tema complejo que trataré de resumir de la forma más simple posible. Para entrenar a las inteligencias artificiales se empleó lo que se denomina “raspado de datos” o “web scraping” que básicamente consiste en extraer y recopilar datos de terceros con diversos fines: publicidad, investigación, inteligencia artificial, etc. Debido a la ubicuidad de esta práctica no está regulada más allá de la obligación legal de respetar la protección de datos personales y los derechos de propiedad intelectual.  

Sin embargo cuando el raspado de datos se realiza con fines de investigación por organizaciones sin ánimo de lucro, al parecer se pueden hacer exenciones en el derecho de autor. 

Aquí es donde aparece LAION, una organización sin ánimo de lucro fundada en Alemania cuyo objetivo es poner a la disposición del público datos y códigos relacionados con el aprendizaje automático de las inteligencias artificiales a gran escala. 

Esta organización pone a disposición de las principales empresas de inteligencia artificial hasta seis billones de imágenes asociadas a texto que permiten entrenar a estos modelos. 

Y aunque aparentemente no infringe ninguna ley muchas de estas imágenes que se generarán a partir de los datos ofrecidos por LAION tendrán usos comerciales, e igualmente, ¿hasta qué punto es ético el empleo de obras de artistas vivos sin el consentimiento del autor?

En algunos países como Inglaterra donde la industria creativa tiene un enorme peso, se llevó a debate en el Congreso si se podría hacer en el futuro una exención a la propiedad intelectual cuando se tratara de inteligencia artificial y la respuesta fue clara: No. 

A la espera de lo que suceda en Estados Unidos, en países como el nuestro apenas encontramos información al respecto y las asociaciones profesionales de ilustradoras e ilustradores mantienen silencio acerca de las inteligencias artificiales y sus implicaciones en la profesión. 

Sin embargo queda claro que la ilustración, al igual que otros sectores, ya se está viendo afectada por la irrupción de estas “máquinas». 

¿Se debería pagar a los autores con los que se entrenó a los modelos de A.I? desde luego parece lo correcto. 

¿Podremos evitar que en un futuro las agencias, editoriales y el común de la gente utilicen masivamente A.I para generar ilustraciones? Lo dudo. 

¿Acabará con el Arte? No. 

ALGUNAS CONCLUSIONES

No, el arte no va a morir. Si bien es cierto que estas inteligencias artificiales suponen un elemento disruptivo en las profesiones artísticas, el arte como tal, no desaparece porque el artista, el proceso, el contexto y la obra son insustituibles. Es más, puede que con el tiempo se produzca una revaloración aún mayor de las obras “tradicionales” por saturación de obras digitales generadas por inteligencia artificial. 

Sin embargo la ilustración en cuanto a arte aplicada y el oficio de ilustrador si que, en mi opinión, se verá profundamente afectada. Es difícil que ningún ilustrador pueda competir con el “abaratamiento” extremo de la ilustración a causa de las inteligencias artificiales. Con la cantidad y tiempos. Estoy segura que muchos ilustradores podrán seguir viviendo de su trabajo, especialmente los que tienen cierto renombre, pero para los ilustradores de batalla, los anónimos, puede durante un tiempo, ser casi imposible. 

Esto me lleva a varias reflexiones:

Todo apunta a que nos dirigimos a un abaratamiento y mayor mediocridad de la cultura. Lejos de hablar de democratización de la misma hablamos de un consumo barato, rápido y de escasa calidad. Algo que viene pasando desde hace tiempo en otros sectores: moda, alimentación, ocio, relaciones personales. 

Estamos en una sociedad hiperconsumista que antepone cantidad, inmediatez y precio a la calidad. Nos hemos empobrecido a muchos niveles pero también a nivel estético, ético y cultural. 

En un tiempo en que deberíamos ser cada vez más conscientes de nuestras acciones y de sus implicaciones, parece que preferimos vivir al margen de todo conocimiento. No importa lo que ocurra con nuestros datos en internet, no importa de dónde venga la carne que consumimos, ni la ropa que compramos, ni la obra de arte que nos descargamos. Vivimos sin ética acomodados a una suerte de vida chatarra, hiperconsumista y aborregada. 

No creo que la inteligencia artificial pueda acabar con el arte, somos las personas las que terminaremos con él. Al fin y al cabo el responsable último de una acción es el humano, no la máquina.

En la actualidad más que nunca se hace necesario que nos volvamos más conscientes, más críticos, más reflexivos, más selectivos. 

En los próximos tiempos veremos como la presencia de la inteligencia artificial se hará cada vez mayor. Se estima que en las próximas décadas casi el cuarenta por ciento de los puestos de trabajo tal y como los conocemos desaparecerán, no sólo el mío de ilustradora, también el tuyo. 

Todos estos cambios traerán unas implicaciones sociales y económicas que nos resulta casi imposible imaginar. Y aunque se presentarán también grandes oportunidades para la humanidad, los retos y las problemáticas van a ser increíbles.

Si no nos sentamos ahora a tener una reflexión profunda sobre lo que está sucediendo y lo qué puede suceder, nos veremos arrastrados por unos cambios que por otra parte parecen imparables. 

Así que voy a terminar este artículo tal y como lo empecé, diciendo que tenemos que hablar de inteligencia artificial. 

Busca, lee, investiga, aprende, no te conformes, lee los términos de uso de las aplicaciones, las etiquetas de los productos, etc.

No seas rebaño. 

(Nota: Todo el contenido de esta publicación ha sido elaborado sin la ayuda de ChatGPT 😉 )

La entrada Inteligencia artificial y arte. ¿El fin de la ilustración? se publicó primero en PURI SALVÍ.

Actualmente tengo dos modalidades de formación: una para principiantes y otra intermedia para quienes hayan estado en iniciación antes, o para quienes tengan cierta soltura con el dibujo o la pintura.

Mis clases son perfectas para quienes no quieren ir a una escuela profesional de ilustración, pero tampoco a un taller tradicional de pintura a hacer bodegones con carboncillo. Ojo, todos los métodos de enseñanza son válidos, pero debemos seleccionar cuidadosamente el que se adapta más a nosotras.

Para mi es muy importante crear un espacio de aprendizaje relajado y alegre, pero al mismo tiempo que sirva para el desarrollo no solo de la técnica sino también del estilo personal. Hago mucha incidencia en que el dibujo, la pintura, el arte en general, nos ayudan a saber más de nosotros mismos y cuido mucho que seamos capaces de ser más conscientes de nuestro proceso de aprendizaje.

No puedo limitarme a ofrecer solo técnica o herramientas, pues actualmente hay cientos de manuales y tutoriales muy buenos en internet. Trato de ofrecer un camino lo más personalizado posible para cada uno de mis alumnos/as, en función de lo que son, de sus capacidades, de su ritmo.

Además otro aspecto que para mí es fundamental es la comunidad. En unos tiempos cada vez más individualistas y aislados, casi todo lo podemos hacer delante de una pantalla, quiero crear un espacio donde cada persona cuente, donde cada persona se sienta realmente significativa, y donde entre todas formemos un grupo creativo. Por eso siempre que puedo me gusta llevar a mis chicas (somos mayoría femenina) a dibujar por Madrid, a visitar museos, a hacer quedadas.

Me gusta pensar que mis clases son una pequeña burbuja al margen del ruido de Madrid y de todas las tareas cotidianas.

Los grupos son muy reducidos. Solemos ser seis o siete personas por clase. Y están abiertos a todas las edades a partir de los dieciocho años.

¿Qué vas a encontrar en mis clases?

Si eres principiante podrás conocer los aspectos básicos y técnicos relativos al dibujo y al uso del color. Ya que estas dos herramientas serán las que te permitan generar ilustraciones con más soltura.

En las clases de dibujo nos centramos sobretodo en el dibujo de la figura humana y el retrato. Hacemos dibujo constructivo y trabajamos a partir de una síntesis de la anatomía humana que nos permita entender mejor cómo dibujar personas. El bloque de dibujo lo trabajamos durante todo el primer trimestre.

Para el color comenzamos trabajando primero en blanco y negro los volúmenes, entendiendo de esta forma como funciona la luz y la oscuridad en una obra, esto lo hacemos con lápiz y tinta china.

El desarrollo del color ocupa una gran parte del curso, trabajamos con lápices de color, rotulador, gouache, acuarela y técnicas mixtas. Aquí no vas a encontrar un curso específico de dibujo ni un curso específico de pintura. En un único curso trabajamos de forma general los aspectos más básicos de ambas disciplinas.

Tan importante como el proceso técnico es el proceso creativo, de ahí que en la medida de lo posible procure fomentar la creatividad en las clases, algo que a los adultos nos cuesta mucho, sobretodo en estos días en los que estamos tan saturados de imágenes por todas partes.

Si eres intermedio en mis clases vas a encontrar un espacio único para crear ilustraciones, seguirás perfeccionando la técnica pero sobre todo trabajarás tu estilo y tu creatividad. Tanto en el nivel de iniciación como el intermedio trabajamos por proyectos y son continuas. Cualquier persona puede empezar en cualquier momento.

En general tanto si eres principiante como intermedio vas a encontrar unas clases muy activas, siempre digo que se aprende haciendo, en muy buen ambiente, y con mucha disposición por mi parte.

Lo digo aquí y lo digo siempre, doy las clases de ilustración que me hubiera gustado recibir a mi cuando empecé mi formación y no sabía dónde ir, y sobretodo doy las clases que creo que pueden enriquecer de verdad. No me interesan los lugares asépticos de aprendizaje. No van conmigo, no es mi estilo.

Pero si eres una persona con inquietudes artísticas, si se te gusta el arte, la ilustración, si quieres mejorar en dibujo, en expresión, en pintura y no tienes tiempo o no te apetece ir a lugares como academias, probablemente estas clases sean para tí.

Si has llegado hasta aquí porque buscas un lugar donde aprender ilustración en Madrid te recomiendo que hagas un ejercicio de reflexión sobre lo que realmente quieres. Que te informes bien de los planes de estudio, de los horarios y de tu propia disponibilidad en cuanto a motivación y tiempo. En Madrid encontrarás decenas de buenos lugares y en internet cientos. Pero siempre habrá alguno más adecuado para tí, donde te sientas mejor y ese será el lugar donde realmente aprendas más.

Dónde damos las clases: en el centro de Madrid en mi estudio de ilustración. Muy cerca del metro Noviciado, Tribunal y Plaza de Espala, en la Calle Pez nº 27.

Cuándo: hay grupos martes, miércoles y jueves de 17 a 21 horas.

Si quieres más información sobre mis cursos de ilustración te invito a que me escribas y preguntes todo lo que quieras en salvipuri@gmail.com

La entrada Clases de ilustración en Madrid se publicó primero en PURI SALVÍ.

Pero además, el color, es una de las vías indiscutibles para construir emociones, para recrear ambientaciones, para generar en el espectador de la obra ciertas sensaciones y para poner de manifiesto nuestro propio universo personal.

El color es usado en diferentes medios, no solo pictóricos. El diseño gráfico, la publicidad o el cine se sirven de la teoría del color a la hora de crear sus contenidos. Sin ir muy lejos, encontramos un ejemplo de como utilizar los principios del color en la serie «El cuento de la criada», donde reina la gama de colores fríos en toda la paleta, únicamente contrastados por un punto rojo (el de las criadas). De esta forma se consigue un gran efecto visual, al mismo tiempo que se generan ciertas emociones asociadas al uso de los azules y grisáceos más fríos y casi monocromáticos (tristeza, opresión, frialdad etc) en oposición con el rojo intenso de las criadas (lucha, fuerza, vida, rebelión) Obviamente nada es casual.

Si al hablar del dibujo decíamos que saber dibujar es en gran medida saber ver, al hablar de la pintura podemos decir que saber pintar es en gran medida saber ver el color. Cuanto mejor entendamos el color, mejor pintaremos.

Por ello a continuación daremos unas pinceladas básicas de teoría del color, que nos permitan ir afinando un poco más a la hora de realizar nuestras creaciones.

El color

Antes que nada debemos comprender cuáles son las tres características esenciales de un color: saturación, luminosidad y tonalidad.

Tonalidad vendría a ser lo que nosotros conocemos como color. Saturación es el grado de pureza de un color o lo que a veces percibimos como intensidad. Y luminosidad es aquello que nos hace percibir colores como claros u oscuros.

Círculo Cromático

Antes de empezar a pintar con colores, es necesario aprender a observar y entender los colores en el mundo real. Para ello hay que entender como se distribuyen y ser capaces de clasificarlos dentro de un sistema universal que conocemos como el círculo cromático.

Aprender la forma en que los colores se distribuyen y se relacionan entre sí, es el primer paso para conseguir una obra acertada. Da igual si estamos trabajando en digital o tradicional, entender el color y saber utilizarlo de forma consciente es clave en nuestro desarrollo como artistas.

Debemos entender el origen del color, su espectro y gama cromática, las mezclas y las relaciones más efectivas entre colores.

El círculo cromático es una forma simplificada que nos pemirte el estudio racional de las armonías del color.

Esta rueda de colores conforma el segmento de luz visible del espectro solar, fue descubierto por Newton y se compone de: rojo, naranja, amarillo, verde, azul ultramar y violeta. Se sustenta en la relación de los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul o magenta, amarillo y cyan)y sus mezclas resultantes .

A partir de la relación y mezcla de estos colores podemos conseguir casi todos los colores, y el ejercicio de la mezcla es algo que adoptan quienes trabajan con pintura.

Si bien es cierto que combiene añadir algunos colores extra a la paleta para mejorar las composiciones y las mezclas.

Así, con dos rojos, dos azules y dos amarillos será más fácil conseguir mezclas ricas. Normalmente estos colores serán siempre una variante más fría y más calida del mismo color.

Los grados de un color

El grado de saturación o intensidad de un color se refiere a la viveza del color. Un color tiene mayor grado de saturación cuanto más puro se presenta y sin ninguna mezcla de blanco o negro (el negro es un color neutro que obtenemos a partir de la mezcla de los colores del círculo cromático).

Así, un amarillo de cadmio puede perder intensidad y verse más matizado cuando le añadimos blanco o lo mezclamos con una pizca de negro o marrón de siena.

De hecho a la hora de crear colores lo adecuado es esto pues en la naturaleza no existen los colores tan saturados.

La pérdida de saturación también se produce cuando un color se mezcla con una pequeña cantidad de otro color opuesto o complementario.

A partir de este esquema iremos sacando los diferentes grados de un color.

Relaciones entre los colores

Los colores nunca se presentan de forma asilada sino en relación a otros colores. A no ser que realicemos obras monocromáticas como las grisallas, es importante comprender las relaciones y conocer algunas de las que mejor funcionan a la hora de plasmar nuestras obras.

En general, a no ser que hagamos una reproducción hiper realista del mondelo natural, donde «nos limitaremos» a reproducir los colores que percibimos, siempre habrá una preponderancia de unos tonos sobre otros.

La rueda cromática de forma global se divide en dos: colores cálidos frente a colores fríos. Los colores análogos son los que se encuentran dentro de la misma gama unos al lado de los otros. Cuando pintamos con colores análogos ninguno sobresale por encima del resto.

Los colores complementarios u opuestos por el contrario son los que se encuentran directamente enfrentados en el círculo cromático y son los que crean relaciones más intensas y llamativas entre sí.

Un mismo objeto pintado sobre fondos diferentes producirá sensaciones variadas en función de las relaciones que se crean entre los colores del fondo y del primer plano.

Para empezar a experimentar con las relaciones del color es útil comenzar con colores planos y ver como estos se relacionan, podemos usar técnicas como rotuladores o acrílico.

Podemos decir que de forma general existen estas formas básicas de combinar los colores:

• Combinación monocromática: Utilizamos un único color pero variamos su intensidad y luminosidad por lo que obtenemos una gama tonal amplia.
• Combinación análoga: La que se forma a partir de la combinación de los colores próximos entre sí en la rueda cromática.
• Combinación complementaria: La que se obtiene al combinar los opuestos entre sí. Hay que tener cuidado al aplicarla porque si bien es cierto que produce unas interesantes y muy vibrantes combinaciones a veces puede resultar un tanto «agresiva» o «estresante». Por ello se debe buscar el contraste en la utilización de tonos menos saturados y aplicando también algún color neutro que apague un poco la fuerza de esta combinación.
• Triada: Para realizar esta combinación se traza un triángulo en la rueda cromática y empleamos los colores de tres en tres.
• Tetráedrica: La más difícil de emplear, se utilizan dos pares de colores complementarios.

A continuación te muestro algunos ejemplos del uso de la teoría del color aplicado a la pintura. Análogos, complementarios etc. Todo lo que queda es que te pongas a practicar.

La entrada Teoría del color para principiantes se publicó primero en PURI SALVÍ.

Muchas veces vemos con frustración, como aquello que imaginamos no es ni por asomo lo que logramos plasmar en el papel. Esto hace, entre otras cosas, que recurramos muchas veces a referencias visuales a la hora de crear nuestras ilustraciones, referencias que por un lado nos ayudan, pero por otro terminan por aletargar nuestro mundo personal y creativo.

¿Por qué sucede esto?

Los seres humanos comenzamos a dibujar de forma espontánea y natural entorno al primer año y medio de vida. Esos garabatos o movimientos producen un placer sensorial en el niño que además contribuyen de forma eficaz al dominio de su psicomotricidad. Y no dejamos de hacerlo. El niño disfruta enormemente dibujando. (más adelante realizaré un post dedicado a este tema).

Sin embargo, cuando nos aproximamos a la adolescencia o quizás antes, depende un poco de la sensibilidad y características de cada persona, comenzamos a sentir presión hacia nuestros dibujos. Somos conscientes de las fallas, nos comparamos o nos comparan, y dibujar deja de ser una experiencia meramente expresiva y lúdica. La mayor parte de las personas dejan de dibujar en esta edad ( 11 o 12 años). Es por ello que muchos adultos dicen que dibujan «fatal» o dibujan como niños. Pero esto sucede no porque no tengan las capacidades, que son intrínsecas a todos los humanos, sino porque abandonaron una práctica, y al retomarla se encuentran con que parten del mismo punto en la que la dejaron.

Dibujar, es a día de hoy, un reto para la mayor parte de los adultos. Y en mis clases me encuentro con mucha gente que lo vive con gran pesar.

Sin embargo, el dibujo, ya sea porque nos dedicamos profesionalmente a una actividad visual o simplemente porque sí, aporta unos enormes beneficios a la persona.

¿Qué es dibujar?

Siempre digo que dibujar no es más que trazar sobre el papel, lienzo o cualquier soporte. Y en su aspecto más rudimentario es eso y nada más. Por tanto, aunque consideremos que nunca dibujamos esto es incorrecto. Jamás hemos dejado de hacerlo. Cuando en un cristal tintado por el vaho hacemos una espiral o una cara sonriente, estamos dibujando; cuando en la oficina garabateamos sin sentido sobre los folios, estamos dibujando; de hecho, cada vez que escribimos a mano, en realidad, lo que estamos haciendo es dibujando letras.

Así que todos dibujamos.

Otra cosa diferente es dibujar conscientemente aquello que queremos expresar. Ahí es donde nos encontramos con la mayor dificultad. ¿por qué? Para empezar porque no tenemos un pensamiento visual.

Así que podríamos decir que dibujar es básicamente saber ver. O que saber ver es lo que necesitamos de verdad para poder dibujar lo que queremos.

Pensamiento visual vs pensamiento conceptual.

La forma en la que nos relacionamos con el mundo es básicamente a través de los conceptos. Es la forma en la que nos adaptamos y sobrevivimos a nuestro ambiente. Nuestro pensamiento es conceptual. Cuando entramos en una habitación, de forma inconsciente, hacemos un registro de conceptos (mesas, sillas, ventana, personas, etc) y está bien, es lo que necesitamos para comprender la realidad. Pero no es lo que necesitamos para reflejar, dibujar o pintar la realidad. Porque a la hora de trasladar al papel conceptos abstractos, la mano y el cerebro sufren. Nos frustramos y abandonamos pensando que no sabemos dibujar.

Necesitamos traducir esos conceptos en «vocabulario visual» que sea representable. Necesitamos ver, y saber ver. De tal forma que cuando entremos en la misma habitación lo que veamos sean formas, figuras, espacio, luz, profundidad etc. Y en la medida que cada vez seamos más capaces de observar de tal forma la realidad, seremos más capaces de dibujar. Y llegará un momento en que además seremos capaces de dibujar aquello que solo nos pertenece a nosotros, nuestro mundo interior.

Lenguaje visual.

Aprender a dibujar o mejorar en nuestra forma de dibujar, requiere por tanto, de ir ganando competencias en una serie de aspectos relacionados completamente con el lenguaje visual. Y a partir de ahí, cada uno en función de su propia forma de ser. Habrá personas que lleguen a un desarrollo técnico muy elevado de estas cuestiones y sean grandes naturalistas o realistas; habrá otros cuyo interés sea más expresivo o expresionistas y habrá otros que disfruten recreando de forma poética y surreal o inventando mundos y personajes. Habrá tantos estilos y formas de dibujar como personas hay.

En cualquier caso para dibujar adecuadamente, el cerebro debe entrenarse en el pensamiento visual para que pueda entender y dar valor a cuestiones como las formas, las posiciones, las direcciones y otras relaciones visuales en lugar de reconocer objetos y transformarlos en palabras.

Aprender a dibujar tiene que ver con pensar de una forma nueva.

Vocabulario visual básico que debemos dominar:

• Punto o posición
• Línea
• Forma
• Figura
• Espacio

En una próxima entrada abordaremos de forma práctica por dónde comenzar a dibujar. Cómo observar y qué preguntas debemos hacernos antes de comenzar a trazar líneas sobre el papel.

Hablaremos de encuadre, perspectiva, y figura humana. Y describiré un método para comenzar a dibujar sin miedo personas.

Sin embargo el dibujo como cualquier técnica requiere de un hábito continuado. Sobre el papel y sobre el mundo. Un cuaderno de bocetos donde poder dibujar sin presión todo lo que queramos, pero también una práctica continua de la observación consciente.

La entrada Nociones básicas relativas al dibujo. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Cuando nos sentamos a ilustrar no siempre tenemos claros algunos conceptos, a veces no entendemos realmente lo que significa ilustrar y las diferencias entre ilustración, arte o dibujo. Parece elemental sí, sin embargo existe cierta confusión y es necesario comprender bien qué significa aquello que estamos haciendo, para entre otras cosas, ser mejores ilustradores.

¿Qué es ilustrar? Diferencia entre ilustración y obra artística. Breve recorrido por la historia de la ilustración.

La principal diferencia entre la ilustración y una obra de arte es que la ilustración siempre está al servicio de un mensaje, de un texto, de un producto. Mientras que en la obra de arte la finalidad es la creación artística en sí misma. Un cuadro no siempre responde a un fin concreto. La mayor parte de las veces cuando nos sentamos y creamos una obra NO estamos haciendo ilustración, sino expresión artística. Un amanecer, un retrato, un paisaje pueden ser obras artísticas pero no ilustraciones.

La ilustración nace con el objeto de complementar un texto, de iluminar una obra escrita. Es por ello que las primeras ilustraciones de la historia las encontramos en los códices que se escribían e iluminaban manualmente, por monjes generalmente, en tiempos remotos sobre el siglo VIII.

Después de la creación de la imprenta y con la mejora de las técnicas de impresión, especialmente a finales de sXIX, la ilustración tiene un auge tal en cuanto a calidad y cantidad que es conocida como la «Edad de oro de la ilustración». Debido a diferentes influencias artísticas como el Art Noveau y especialmente a la mejora de lás técnicas de impresión, grandes artistas como Mucha, Audrey Breadley, Arthur Rackham y un largo etc llevaron el arte de ilustrar (libros, cartelería, publicidad) a unas cotas que difícilmente han sido superadas.

En la primera mitad del sXX cobra mucha importancia el libro infantil y con el auge de la publicidad en los años 60 o 70 se produce un boom de la ilustración que no ha parado hasta ahora. Siendo además nuestra sociedad cada vez más visual y tecnológica, la ilustración cada vez tiene más importancia y se ha expandido a ámbitos como la industria del videojuego, cine o publicidad. La ilustración siempre ha ido asociado a los medios técnicos de impresión y reproducción, pero también de creación. A día de hoy la ilustración digital está ganando el terreno a la ilustración tradicional.

Por tanto, cuando nos sentamos a pintar por pintar no estamos haciendo ilustración. Para que exista ilustración tiene que haber un motivo, un texto, un contenido, un fin, un producto. Es por ello que además de manejar correctamente las técnicas de creación artística el ilustrador debe ser capaz de transmitir ese mensaje, narrativamente, metafóricamente, pero siempre debe tener presente la finalidad en su creación. Cosa que en una obra de arte no es necesaria y mucho menos en un dibujo que podemos hacer simplemente por practicar o por placer.

La entrada Ilustración. Qué significa ilustrar. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Aunque ahora vivamos en ciudades, apenas notemos el paso de las estaciones y desde luego no recojamos los frutos del campo, algo de todo aquello permanece en nuestra memoria colectiva, algo que nos invita igualmente al recogimiento y al misterio en esta época otoñal, incrementado aún más por las celebraciones de Todos los Santos, Samhain o Halloween que no hacen sino recordarnos que octubre y aún más noviembre son meses mágicos por excelencia. 

Pues bien, como este es un blog de ilustración y yo soy una devota del otoño he querido rendir un pequeño homenaje a esas historias para contar por las noches, recogiendo algunas obras de terror clásicas y no tan clásicas, ilustradas magistralmente por la mano de algunos de los mejores ilustradores. Obras en las que perderse una y otra vez ideales para las tardes y noches  lluviosas.

 Frankenstein

Creada casi por casualidad en un verano sin verano, se cumplieron hace poco doscientos años del nacimiento de este maravilloso monstruo, que abriría los ojos ante su creador una lluviosa noche de noviembre.. este moderno Prometeo que no es sino un arquetipo de la soledad humana ha sido ilustrado en numerosas ocasiones, siendo probablemente la más espectacular la que realizó el genio co-creador de La cosa del pantano, Bernie Wrightson. A tinta y con una destreza absoluta.

En otras ediciones más actuales podemos encontrar las ilustraciones de dos artistas españoles, Fernando Vicente y Elena Odriozola, recomiendo conocer ambas, la primera en un estilo más clásico y la segunda por el empleo de una técnica de ilustración diferente.

Y aquí  mi pequeño homenaje a la madre de la criatura en su doscientos aniversario, recreando una cubierta para el New York Times.

Drácula

Clásico indiscutible y protagonista de cientos de adaptaciones cinematográficas y literarias. Puede ser el vampiro más famoso de la historia pero no el único, ni el primero y probablemente ni siquiera el más “real”…pero es cierto que  cuando pensamos en vampiros inevitablemente se nos viene a la memoria el personaje creado por Bram Stoker. Sucede como con la anterior criatura que ha sido versionada e ilustrada cantidad de veces, pero quiero destacar aquí  la del artista argentino Luis Scafati pues ese uso casi expresionista que hace del blanco y negro en la reinterpretación del clásico es sumamente espléndido. Uno de mis favoritos sin duda. 

Otra vuelta de tuerca

Creo que de todas las historias de “fantasmas” que existen, y existen muchas, esta es de las que más me gusta. Su atmósfera y sobretodo su ambigüedad, la convierten en una novela de terror sumamente especial donde todo lo que leemos es y no es a un tiempo. 

De esta pequeña joya de Henry James hay una versión ilustrada magníficamente por Ana Juan que es una auténtica delicia, y se adapta muy bien con su estilo onírico a los pasajes de este relato. 

Narraciones extraordinarias de Edgar Alan Poe

Evidentemente no podían faltar en esta lista porque Poe tiene su propio podio en la literatura de terror y apenas son necesarias las explicaciones al respecto, pero es que además en cuanto a ilustraciones se refiere que es de lo que nos ocupamos aquí, ha sido ilustrado por uno de los mejores ilustradores de cuentos de hadas de la llamada Edad de oro de la ilustración, Harry Clarke. 

En su obra que también incluye el trabajo en vitrales, se ve el influjo del Modernismo y de un incipiente Art Decó. Con un estilo muy característico y un eco o influencia de Aubrey Beardsley, merece la pena conocer el trabajo de este ilustrador, y en este caso concreto sus ilustraciones para Poe. Actualmente hay preciosas ediciones pero también se pueden encontrar en la web de Dominio Público, libres de derechos de autor. 

Otro ilustrador en este caso contemporáneo que ha ilustrado también magníficamente a Poe es Benjamine Lacombe en la obra Cuentos Macabros de Edelvives.

En las montañas de la locura

De H.P Lovecraft probablemente mi escritor favorito de terror, me acompaña en las noches de otoño e invierno desde hace toda una vida y me gusta cada vez más. Lovecraft creó un universo tan aberrante y particular que ha sido imitado en incontables ocasiones y ha sido adaptado y reinventado otras tantas, aunque no siempre con éxito. Pero además ha sido uno de los escritores de terror más ilustrados, lo han hecho genios como Moebius entre otros. Aunque resulta difícil quedarse con una obra de este autor, en este caso recomiendo y mucho En las montañas de la locura, un singular homenaje a la obra de Poe,  ilustrada por el maravilloso Enrique Breccia de sobra conocido para los amantes del cómic y quien no es la primera vez que ilustra al genio de Providence. Os invito a investigar al respecto y dejaros atrapar por el universo de ambos creadores. 

La cámara sangrienta

De Ángela Carter. Esta escritora inglesa que le dio una vuelta de tuerca a los cuentos de hadas clásicos, reescribiendo y reinterpretando algunos de los cuentos populares del acervo cultural europeo, supo convertirlos con un estilo extraño de tintes victorianos en pequeñas narraciones sutilmente macabras y divertidas. Para aquellos que consideran que los cuentos de hadas son cosas de niños o que un cuento no puede dar miedo le recomiendo mucho su lectura.

Esta obra de La cámara sangrienta editado por Sexto Piso ha sido magníficamente ilustrada por Alejandra Acosta con unos dibujos/grabado que consiguen fundirse completamente con la historia. Una delicia, de verdad. 

La condesa sangrienta

Alejandra Pizarnik que es una de las poetisas más importantes de las letras hispanas, rompe con su estilo completamente al elaborar un relato narrativo y descriptivo sobre la condesa Bathory, condesa húngara acusada de cometer cientos de asesinatos y de beber la sangre de sus víctimas para mantener impoluta su belleza.  

Hace poco se ha editado por libros El zorro rojo una versión ilustrada por Santiago Caruso, argentino como la propia Pizarnik y quien con un estilo entre lo fantástico y surreal consigue recrear la atmósfera oscura y macabra de esta historia. 

Carmilla

Una de mis narraciones vampíricas favoritas, dicen que Stoker se vio inspirada por ella. Aquí el protagonista es una mujer y esta novela corta o relato largo es uno de los que revisitar de vez en cuando sobre todo en las noches de noviembre. Escrita por Le Fanú contiene todas las características del cuento gótico, se inspiró para su argumento en la historia mencionada de la condesa Bathory. 

En cuanto a piezas ilustradas de Carmilla me gustan dos especialmente, la de la ilustradora italiana Isabella Mazzantti y la de la propia Ana Juan que ha ilustrado una vez más una obra clásica de terror con una sutileza y un estilo maravillosos. 

London after midnight

He aquí la recomendación más underground de la lista. London after midnight fue una película dirigida por Tod Browning protagonizada por Lon Chaney, que supuestamente desapareció tras el incendio de la productora en los años sesenta, quedando perdida, en teoría, la supuesta única copia del film y convertida así automáticamente en obra de culto. 

Recientemente la editorial Dogitia ha realizado una versión de la película en cómic con guión de Oyanedel y dibujo de Alcatena. 

Personalmente no lo he leído ni lo tengo, pero estoy en ello..

Uzumaki

Y aquí la última pequeña joya de terror, completamente contemporánea y saliéndome por completo de lo trazado hasta ahora recomiendo este manga de Junji Ito. Lo hago por varias razones que no expondré pero fundamentalmente porque su autor puede ser considerado uno de los maestros del terror actual. Con esta obra lo descubrí y me enganché. Es absolutamente terrorífica. Un pequeño pueblo, una maldición y espirales..

Y hasta aquí esta entrada sobre literatura e ilustración, mi pequeña recomendación para estos días fríos donde debemos dejarnos arropar por la noche y los susurros que llegan lejanos desde el otro lado del cristal. 

Espero que los disfrutéis.

La entrada Propuestas ilustradas para tardes de otoño se publicó primero en PURI SALVÍ.

A veces es tanta la necesidad por publicar o por ganar visibilidad que aceptamos condiciones poco ventajosas para nosotros y que no ayudan a la correcta profesionalización del sector. 

Es por esto que antes de embarcarte en un concurso te asegures de leer bien las bases. No debería servir el publicar a toda costa, o aceptar como remuneración a nuestro trabajo “ganar visibilidad”. Ojo con esto. 

Con esta nueva entrada pretendo actualizar a la anterior, aportando nuevas convocatorias que pueden ser interesantes.

Como siempre, cualquier sugerencia o aportación es bienvenida. 

1.- Concurso de álbum ilustrado A la orilla del viento (México)

Concurso organizado por el Fondo de Cultura Económico de México. Es un concurso de largo recorrido a nivel internacional. Se puede presentar más de una obra siempre que sea inédita y en español. El premio es de 6000 euros. 

Puedes consultar el resto de las bases aquí.

2.-  Premio internacional de Compostela Álbumes Ilustrados.

El ayuntamiento de Santiago de Compostela junto con la editorial Kalandraka lanzan esta convocatoria dirigida a personas de cualquier nacionalidad y siempre que se cumplan los requisitos del álbum ilustrado. 

Más información aquí. 

3.-  Premios APIM de ilustración

La asociación profesional de ilustradores de Madrid lanza cada año una convocatoria en la que se premian diferentes ramas de la profesión de ilustrador, tratando de esta forma de promover y reconocer las diferentes facetas de la ilustración profesional. Muy interesante premio. 

Más info aquí.

4.- Premio internacional de ilustración Edelvives.

Por segundo año Edelvives lanza el premio internacional de ilustración con una dotación de 7.500 euros. No es un premio para álbum ilustrado, es un premio sobre ilustración, así entre otras cosas piden la entrega de bocetos, diseños de personaje, e ilustraciones terminadas. 

Puedes consultar el resto de las bases aquí.

5.- World illustration award.

La asociación de ilustradores de Reino Unido AOI, muy conocida, elabora cada año un prestigioso concurso, de pago, de carácter internacional para reconocer perfiles tanto profesionales como principiantes. 

Los finalistas pasan a formar parte de un catálogo que se envía a 1.300 comisionados de todo el mundo, además todas las obras seleccionadas contarán con una exhibición en Londres y promoción en la Red. También existen premios en metálico. 

Más info aquí.

6.- Communication Arts.

Este es uno de los premios más prestigiosos en ilustración y artes gráficas.  La inscripción al premio tiene un coste por ilustración o serie de ilustraciones.

Podéis completar toda la información aquí.

7.- Original Arts children’s book. 

Este premio anual es convocado por la Society of Illustrators. Y aunque tiene un coste de participación es aconsejable por la repercusión que tiene, el prestigio de la entidad organizadora y por la posibilidad de mostrarse en un mercado como el americano. 

Más info aqui.

8.- Premio Apila primera impresión.

Lo recogí en el post anterior sobre concursos y lo añado de nuevo aquí por si la otra entrada se os ha escapado.

Está dirigido a autores que nunca hayan publicado una obra por lo que es especialmente interesante si estás trabajando en tu primer Álbum ilustrado.

Completa toda la información aquí.

9.-  Concurso de Álbum ilustrado biblioteca insular de Gran Canaria.

Otro que repite en esta sección porque es uno de los mejores concursos de álbum ilustrado.

Informáte de las bases completas aquí.

10.-  Concurso de álbum ilustrado Key Colours.

Desde Holanda llega este concurso con una dotación económica interesante y la publicación con la editorial Clavis. 

Más info aquí.

11.-  Unpublished picturebook showcase.

Este es un concurso de pago, no muy barato además, y aunque en un principio no son muy recomendables los concursos en los que debes pagar por inscribirte, puede resultar interesante para ciertos autores, ya que es una forma de acceder a buenas editoriales de las que de otra manera te sería difícil llegar. 

Los proyectos seleccionados se enviarán a 30 editores muy prestigiosos de todo el mundo.

Puedes leer toda la información aquí.

Y hasta aquí los concursos que he rescatado que me parecen más interesantes y justos, porque hay muchos pero no siempre las condiciones son adecuadas, si conoces alguno que no está en la lista y crees que debería estar eres bienvenido a compartirlo para que pueda añadirlo.

Gracias y mucha suerte.

La entrada Concursos de ilustración. Parte II. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Cuando comencé con esta serie yo llevaba años practicando, había iniciado un camino de compromiso para con la práctica y para conmigo misma. Una búsqueda de mi misma y un viaje esencialmente espiritual a través del conocimiento de mi propio cuerpo, de la unión de la mente y el espíritu, de la conciencia de la respiración y del momento presente.

Cuando pienso en mi misma y miro hacia atrás puedo ver el salto cualitativo que ha supuesto para mí encontrar el yoga en mi vida.

En este camino apasionante de encontrarse a uno mismo, el famoso “conócete a ti mismo” del templo de Delfos, he ido recalando en diferentes conocimientos que al final pareciera que  beben todos de la misma fuente, una sabiduría ancestral y perenne que llega a nuestros días en forma de diferentes ecos. 

Así ha sido con el yoga y así ha sido también con la astrología. Entendiendo astrología como una antigua ciencia de conocimiento del universo interno y externo que poco o nada tiene que ver con los zodiacos semanales que todos conocemos. 

Una forma de acercarse al universo para comprender el universo personal, porque si lo que está arriba es igual a lo que está abajo, en el momento exacto de nuestro nacimiento los astros danzaban sobre nuestra cabeza de una forma única, revelando algunos aspectos interesantes y esenciales de nuestra propia condición. Pero también la danza astral pone de manifiesto aspectos globales que nos conciernen a todos como humanidad en un momento dado. 

El yoga nos habla del universo interior, de la llama que no se extingue dentro de nosotros, del lugar donde reside la propia conciencia del mundo, y la astrología nos habla del universo exterior, el que estando tan lejos marca pautas que nos afectan, porque todo está relacionado.

El principal motivo para  la realización de este post no es hacer un tratado de yoga astrológico o astrología védica, nada parecido. Simplemente quiero explicar de una forma sencilla o lo más sencilla posible, por qué en mis creaciones sobre yoga incluyo constantemente elementos astrológicos, y por qué para mí es importante tener presente ambas cuestiones.

Por qué el yoga es para mí el yoga de las estrellas. Para ello quiero poner de manifiesto algunas cuestiones que relacionan de alguna manera astrología y yoga, como pueden ser los chakras, sus correspondencias astrales, y algunas asanas relacionadas con ambos.  

Cuando practicamos yoga somos o aprendemos a ser conscientes de nosotros mismos en totalidad:  plano físico, emocional y espiritual.

A través de la respiración y el prana entendemos mejor la forma en que la energía y la fuerza vital circula a través de nuestro organismo y poco a poco tomamos conciencia de los canales energéticos y de los “famosos” chakras. Tomamos conciencia de lo importante que es el equilibrio para restaurar la paz y el bienestar en la totalidad de nuestro organismo y evitar así entre otras cosas, las enfermedades.

A través de la práctica constante del yoga mediante asanas, pranayama y meditación, ayudamos a equilibrar este sistema energético de chakras y nadis. 

En este sistema energético o nuestro propio universo podemos encontrar equivalencias astrológicas que pueden servir para ayudarnos a conocernos mejor. 

Primer Chakra – Saturno

El primer chakra, chakra raíz o Muladhara está relacionado con el elemento tierra y es la base de la vida. La fuerza vital que se activa en el momento de nuestro nacimiento. 

Este chakra canaliza la energía de la tierra en sentido ascendente y su principal función es la de enraizarnos con la tierra, unirnos a la vida.

Tradicionalmente el planeta asociado a este primer chakra es Saturno. En astrología saturno está relacionado con todo aquello que tiene que ver con la voluntad, las pruebas materiales, el destino, la responsabilidad. 

Representación zodiacal: Capricornio.

Segundo Chakra – La Luna

El chakra sacro o Svadhisthana que en la tradición tántrica puede ser traducido como “la más dulce de las moradas” o “el sitio personal” su elemento es el agua. 

Cuando Svadhisthana se encuentra desarrollado produce la radiación necesaria para establecer vínculos de amor y mejora el crecimiento de la consciencia. Este chakra se ocupa de las ideas y de la creatividad es por tanto el centro de la autoexpresión y la alegría.

Signos asociados Cáncer y Escorpio.

Relacionado astrológicamente con la Luna que representa el mundo emocional, inconsciente e intuitivo. 

Tercer Chakra – El Sol

El chakra plexo solar o Manipura se sitúa justo bajo el ombligo y concentra la energía simbolizada por el Sol. Su elemento es por tanto el fuego. Manipura es el sol de nuestro cuerpo, Patanjali aseguraba que a través del control de Manipura se consigue el conocimiento y el dominio del cuerpo.

Es importante señalar que los tres chakras situados por debajo del corazón están asociados al cuerpo físico y lo que percibimos a través de él, mientras que los tres chakras situados por encima tienen una naturaleza profundamente espiritual. 

En el Plexo solar se produce la purificación de las energías que nos permiten acceder de una forma adecuada al chakra del corazón. 

Su correspondencia astral es el Sol, que en un plano astrológico representa la individualidad, el sol nos habla de la esencia interna de una persona y de su verdadera naturaleza. 

Los signos asociados al tercer chakra son los de fuego pero especialmente Aries y Leo.

Cuarto Chakra – Venus

El chakra corazón o Anahata-puri. Anahata se encuentra en el centro del pecho asociado a la glándula Timo. 

Está asociado al elemento aire y alberga en su centro al Ser. 

El chakra corazón no tiene que ver en realidad con enamorarse ni el amor sentimental, sino con el Amor total, y está considerado la puerta de acceso a la conciencia superior y espiritual. 

Su cuerpo celeste relacionado es Venus, que representa el amor y la forma en que establecemos relaciones. Armonía, belleza, arte..

Sus correspondientes zodiacales serián los signos de Tauro y Libra. 

Quinto Chakra – Mercurio

El chakra garganta o vishuddha. El elemento asociado al quinto chakra es el éter. Vishuddha significa purificar. Está instalado en la garganta y se considera un puente desde el chakra del corazón hacia el reino del espíritu. Desde él verbalizamos y nos manifestamos a través de la voz y el sonido. 

El planeta asociado al chakra garganta es mercurio, que astrológicamente tiene que ver con el intelecto y las manifestaciones verbales, la comunicación y la elocuencia. 

Los signos zodiacales asociados a este chakra son Géminis y Virgo. 

Sexto Chakra – Neptuno

El chakra entrecejo o Ajna, también conocido como tercer ojo, es un punto situado entre las cejas ligeramente superior a ambas. Está relacionado con la mente más allá de nuestro cuerpo terrenal, cuando nos relacionamos completamente con el poder que encierra adquirimos conciencia y sabiduría. 

Su correspondiente cuerpo celeste es Neptuno, que simboliza el misticismo y el desarrollo espiritual. Sus signos zodiacales correspondientes son piscis y sagitario. 

Séptimo Chakra – Urano

El chakra corona o Sahasrara, el loto de los mil pétalos. Es el centro de la conciencia pura, se sitúa por encima de la cabeza. Simboliza el equilibrio de la dualidad y la consciencia trascendental. 

El planeta asociado al chakra corona es Urano que se suele asociar con el pensamiento superior; urano habla de cambios, de pensamiento elevado, de originalidad…de una comprensión superior de la naturaleza y del hombre. 

El signo de este chakra es acuario. 

Aquí puedes ver más ilustraciones de mi yoga de las estrellas.  Y si el tema te ha parecido interesante te animo a que investigues para profundizar pues descubrirás un universo complejo y apasionante que te ayudará entenderte mejor.

La entrada Yoga ilustrado. Asanas y estrellas. se publicó primero en PURI SALVÍ.