En este artículo quiero contarte qué es la ilustración tradicional, cuáles son sus principales técnicas y por qué sigue siendo tan relevante incluso en medio de esta revolución digital.

Qué es la ilustración tradicional

La ilustración tradicional es aquella que se realiza a mano, utilizando materiales físicos como lápices, tintas, pinceles o papeles, sin intervención de programas digitales. Es el dibujo de toda la vida, donde cada trazo es único.

La diferencia con la ilustración digital no tiene tanto que ver con la calidad artística, sino con el proceso:

• La ilustración digital se apoya en herramientas tecnológicas (tabletas, ordenadores, software).
• La ilustración tradicional se desarrolla con medios analógicos, en contacto directo con los materiales.

Principales técnicas de ilustración tradicional

La riqueza de la ilustración tradicional está en la variedad de técnicas que ofrece y en lo profundo y rico de su aprendizaje. Algunas de las más utilizadas son:

• Lápiz y grafito: perfecto para bocetos, estudios de luces y sombras, y trabajos en blanco y negro. Es la base, el material más simple que nos permite hacer los dibujos más complejos, trazar las primeras ideas o conocer los secretos del sombreado.
• Tinta: utilizada para dibujos de línea, caligrafía artística y cómic.
• Acuarela: ligera, espontánea, expresiva y con un acabado translúcido muy característico. La reina de las técnicas húmedas. Tiene un acabado que dificilmente un software puede imitar.
• Gouache y acrílico: colores opacos y vibrantes, ideales para ilustración editorial o cartelería.
• Collage y técnicas mixtas: integrar recortes, texturas y diferentes materiales en una sola pieza.

Cada técnica aporta un lenguaje distinto y permite que el artista experimente de forma libre.

La importancia del proceso manual

Trabajar con ilustración tradicional implica un proceso más lento y consciente. Esto aporta varios beneficios:

• Potencia la creatividad al obligar a resolver sobre el papel, sin posibilidad de “deshacer” con un clic. También nos ayuda a ser más adaptativos y resilientes.
• Refuerza la conexión mano-cerebro, fundamental en el aprendizaje artístico. Son innumerables las ventajas cognitivas del aprendizaje manual.
• Cada obra es única, con texturas y matices imposibles de replicar digitalmente. Absolutamente cierto. Cada obra es única.

En la enseñanza, este proceso es especialmente valioso: los estudiantes aprenden a observar, a entrenar la paciencia y a disfrutar del camino creativo. En mis clases siempre digo que hacemos arteterapia, porque el aprendizaje de estas técnicas, el proceso, nos reta constantemente y aprendemos mucho no solo a nivel artístico, sino a nivel personal.

Por qué la ilustración tradicional sigue siendo esencial en la era digital

Aunque la ilustración digital se ha convertido en la herramienta principal de muchos profesionales, la ilustración tradicional sigue teniendo un valor irremplazable:

• Base sólida para lo digital: muchos ilustradores digitales comienzan dominando técnicas tradicionales.Si sabes dibujar en papel, si sabes pintar con paleta real, sabrás dibujar y pintar en digital de forma más rápida y más consistente.
• Autenticidad y diferenciación: en un mercado saturado de imágenes digitales, lo manual aporta frescura y personalidad. Cada vez más lo artesano cobrará valor.
• Valor artístico y emocional: las obras físicas transmiten cercanía, y para muchos coleccionistas o editores, siguen siendo más valiosas.

Lo interesante es que no se trata de elegir entre digital o tradicional, sino de combinar ambos mundos para enriquecer la práctica artística.

Cómo empezar a practicar ilustración tradicional

Si quieres adentrarte en la ilustración tradicional, no necesitas una gran inversión. Basta con:

• Un cuaderno de dibujo y un lápiz.
• Materiales básicos como acuarelas o tinta.
• Ganas de practicar y experimentar.

La clave está en dedicar tiempo de forma constante y, si quieres avanzar más rápido, aprender acompañado: en un entorno de clases o talleres donde recibas guía y feedback.

En mi estudio de Madrid imparto clases de ilustración tradicional en grupos pequeños, adaptadas a todos los niveles. Si te apetece descubrir este mundo, puedes escribirme para reservar tu plaza.

Conclusión

La ilustración tradicional no es cosa del pasado: es la raíz de muchas disciplinas artísticas y un lenguaje que sigue vivo, incluso en tiempos de pantallas. Aprender a dominarla no solo te dará una base sólida como artista, sino que te permitirá disfrutar de un proceso creativo más auténtico y enriquecedor.

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En este artículo encontrarás un listado actualizado con algunos de los eventos más destacados. Por su puesto si conoces algún evento que debería estar aquí reseñado, te invito a que lo dejes en comentarios.

¡Arrancamos!

Mazoka (País Vasco)

Mercado y feria de la ilustración/dibujo que se celebra desde hace nueve años en diciembre en Vitoria.

En la misma línea que antiguas y añoradas ferias como Ilustrísima y Dibumad (Madrid) podrás exponer y vender tus trabajos, pero también conocer artistas consolidados y emergentes a los que comprar directamente sus trabajos.

Me encantan los mercados de ilustración.

Más info pinchando AQUÍ

Irudika (País Vasco)

Seguimos en el País Vasco con un evento para profesionales de la ilustración, se trata de un encuentro internacional que cada año reúne a profesionales emergentes y consolidados. Es un evento muy interesante que te puede permitir conocer a otros artistas pero también te dará claves muy importantes sobre el sector a nivel profesional.

No te lo pierdas.

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Ilustrafest (Madrid)

Madrid sigue siendo un gran referente para la ilustración a pesar de haberse suspendido dos de sus grandes ferias: Ilustrísima y Dibumad, que desde el fatídico 2020 no se han vuelto a realizar. Esperemos que vuelvan, entre tanto, existe una alternativa que ha cobrado una fuerza enorme y se ha consolidado como uno de los grandes eventos de ilustración en España, Ilustrafest. La fiesta anual de la ilustración desarrollada por la UDIT

Además de una feria encontrarás todo tipo de actividades relacionadas con el sector.

Para más Info pincha AQUÍ

Krunch festival (Madrid)

Una propuesta divertida y diferente para las ferias de ilustración. Es un evento que se realiza en Alcalá de Henares y aúna Comic, Ilustración y Rock and Roll. Perfecto para llevar tus ilustraciones o pasar un día conociendo artistas y obras.

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Salón del Cómic de Barcelona

Uno de los eventos más antiguos e importantes de Europa relacionados con el cómic, donde además de editoriales y librerías, encontrarás una sección de artistas con obra en venta.

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BILL festival (Barcelona)

Es un encuentro anual y multidisciplinario de la ilustración que busca promover la profesión, difundir la creación artística y ofrecer oportunidades de mercado a los ilustradores, tanto a nivel nacional como internacional, realizado por la asociación de ilustradores de Cataluña.

Más info AQUÍ

FLIC festival (diferentes ubicaciones)

Festival de literatura infantil con diferentes actividades. No es propiamente un espacio para ilustradores, pero es un fantástico lugar para conocer obras de literatura y libros ilustrados.

Más info AQUÍ

BABA KAMO (Valencia)

Feria del libro ilustrado realizada en Valencia,  reúne a profesionales del sector, incluyendo ilustradores, editores, libreros, y también al público lector, ofreciendo un espacio para la venta directa y el intercambio de experiencias en torno al mundo de la ilustración.

Más info AQUÍ

Feria de Bolonia (Italia)

Obviamente no es un evento español, pero es tal su relevancia dentro del mundo de la ilustración y del libro ilustrado que es imposible no nombrarla. Sobre la propia feria crearé un post más adelante.

Por el momento más info AQUÍ

Por último dos propuestas más, una sobre animación y otra sobre manga.

ANIMAYO (Gran Canaria)

Animayo es un festival internacional que promueve la animación, los efectos visuales (VFX), la realidad virtual y los videojuegos.

Más info AQUÍ

Japan Weekend (Madrid)

Japan Weekend Madrid es un gran evento en España dedicado a la cultura japonesa, donde los asistentes pueden disfrutar de manga, anime, videojuegos, cosplay y música japonesa. El evento cuenta con una Zona de Artistas para adquirir artesanía y una zona comercial con productos de anime y manga, convirtiéndose en un punto de encuentro para fans y creadores.

Actualmente puedes encontrar diferentes ferias de manga y anime por toda España, así que si esto es lo tuyo, ¡Investiga!

Sobre la Japan, más info AQUÍ

Los eventos de ilustración en España son espacios imprescindibles para quienes desean crecer como artistas, conectar con el sector y descubrir nuevas oportunidades. Tanto si buscas inspiración como si quieres dar visibilidad a tu trabajo, no dudes en marcar en tu agenda las próximas ferias y mercados de ilustración.

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En un mundo cada día más tecnológico y donde todo parece suceder a gran velocidad, me encuentro con que más personas sienten la necesidad de bajar el ritmo y conectar con su parte creativa. Dibujar con el lápiz , sentarse frente a una hoja en blanco, aprender a disfrutar del proceso y la lentitud… La ilustración tradicional, igual que todas las técnicas manuales tiene algo terapéutico, pausado y profundamente satisfactorio.

Si vives en Madrid y estás buscando clases de ilustración tradicionales, tal vez te sientas un poco perdida: hay muchas ofertas, academias, talleres o cursos online, pero no siempre es fácil saber cuál se adapta a ti, sobre todo si estás empezando desde cero.

En esta guía te doy algunas claves para que puedas elegir bien y también te cuento cómo trabajo yo con mis alumnas en mi estudio artístico en el centro de Madrid.

¿Qué es la ilustración tradicional?

La ilustración tradicional se basa en técnicas manuales donde se emplean medios físicos, como el grafito, acrílico, tinta, acuarela, gouache o los lápices de colores. No se utiliza tableta ni ordenador: se trabaja directamente sobre el papel, manchándose las manos y aprendiendo a dirigir cada trazo.

Es perfecta para quienes quieren aprender desde la base, siempre es más fácil pintar en digital si sabes pintar «de verdad», mejorar su concentración, desarrollar su estilo propio y conectar con algo más personal e intuitivo. Además es perfecta para quienes quieran experimentar el gran poder transformador que tiene dedicar unas horas a la semana a una técnica artística manual.

¿Qué tener en cuenta al buscar clases de ilustración en Madrid?

Madrid es una ciudad con muchísimas propuestas creativas, pero no todas las clases están enfocadas del mismo modo. Estas son algunas cosas que personalmente te recomiendo tener en cuenta:

• Grupos reducidos: para que el aprendizaje sea personalizado.
• Clases presenciales: especialmente si partes de cero o casi cero. La experiencia es mucho más significativa y por tanto mejor el aprendizaje.
• Profesores con experiencia real: en ilustración y también en enseñanza.
• Materiales incluidos: o al menos asesoramiento si los necesitas comprar tú.
• Ambiente creativo y relajado: el lugar y con quien importa tanto como lo que aprendes, el clima de aprendizaje es fundamental para el proceso.

En mis clases en Madrid trabajamos con pequeños grupos y técnicas tradicionales. Cada alumna sigue su propio ritmo y me enfoco en que aprendas de forma sólida y disfrutes del proceso.

¿Qué aprenderás en los primeros meses?

Aunque no tengas experiencia, podrás empezar desde lo más básico y avanzar paso a paso:

• Aprenderás a observar y comenzarás a entender lo que ves y como reflejarlo en el papel.
• Encaje, proporciones y composición
• Técnicas de sombreado con lápiz, grafito o tinta
• Introducción a la acuarela y el color
• Ejercicios para desarrollar tu estilo personal y tu parte más creativa

¿Por qué elegir clases de ilustración tradicional?

Aprender ilustración de forma presencial, con atención personalizada y materiales reales, te dará algo que no puede ofrecer un tutorial online: acompañamiento, comunidad, ritmo y motivación. Es cierto que hay miles de tutoriales a nuestra disposición y muchos de ellos son geniales. Yo misma los utilizo para mejorar mi práctica, pues el arte no deja de aprenderse nunca, pero jamás podrán sustituir la sensación de presencia que te da hacerlo rodeada de otras personas que comparten los mismos intereses e inquietudes que tú.

Si vives en Madrid y quieres empezar a ilustrar desde cero, esta puede ser una oportunidad para regalarte un espacio creativo solo para ti.

¿Te interesa?

Siempre estás a tiempo de empezar. En mi propio estudio hay algunas plazas libres para el curso que comenzamos en septiembre.

Estamos muy céntricas, en la Calle Pez, y además de las clases regulares de ilustración, hacemos salidas a dibujar por Madrid, visitar exposiciones, urban sketch, exposiciones e incluso retiros artísticos. Porque para mi crear comunidad es fundamental.

Si quieres puedes consultar mis cursos y los horarios disponibles.

Pinchando aquí.

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Todos tenemos diferentes motivos, todos igual de válidos y todos nos pueden convertir en ilustradores, pero es importante que sepas muy bien lo que quieres, para saber muy bien dónde buscar.

En Madrid la oferta de escuelas y talleres de ilustración es muy amplia. En la ciudad puedes encontrar ofertas que se ajustan a cualquier objetivo que tengas, desde espacios tradicionales de Bellas Artes, hasta centros que apuestan totalmente por la ilustración digital, a estudios de artistas que ofrecen una atención mucho más personalizada y especial.

Mi propuesta con esta publicación es seleccionar algunas de las opciones más interesantes para quienes no saben por dónde empezar.

Escuela Artediez

La Escuela de Arte Diez es uno de los centros públicos más prestigiosos para estudiar ilustración en Madrid, al menos así ha sido hasta ahora, grandes ilustradores como Adolfo Serra u Olga de Dios han estudiado aquí. Ofrece un Ciclo Formativo de Grado Superior en Ilustración, donde se combinan técnicas tradicionales como acuarela, tinta, grabado o collage, con herramientas digitales básicas. Es ideal para quienes buscan una formación completa, creativa y asequible, ya que solo se pagan las tasas oficiales de formación profesional, recuerda que es una institución pública.

📍 Ubicación: Calle Alcalá, 361 (Madrid)

ArteDiez

UDIT (Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología)

UDIT es una universidad privada especializada en disciplinas creativas, y una de las pocas en Madrid que ofrece un Grado Universitario en Ilustración. Su enfoque combina el dominio del dibujo tradicional con las herramientas digitales más actuales, preparando al alumnado para ámbitos como la ilustración editorial, concept art o narrativa visual. También cuentan con másteres especializados y un fuerte vínculo con la industria creativa. Además son los encargados de acoger ILUSTRAFEST uno de los eventos de mayor relevancia actualmente en Madrid sobre ilustración.

📍 Ubicación: Calle Juan de Herrera, 12 (Madrid)

UDIT

ESDIP (Escuela Superior de Dibujo Profesional)

ESDIP es una de las escuelas privadas más reconocidas en Madrid para quienes quieren especializarse en ilustración, cómic y arte digital. Ofrece un Curso General de Ilustración que parte del dibujo tradicional —anatomía, entintado, técnicas mixtas— y evoluciona hacia la ilustración digital y el concept art. Su enfoque es muy práctico y orientado al mundo profesional, con proyectos reales y profesorado activo en la industria. Tiene en plantilla alguno de mis ilustradores preferidos como Max Hierro o José Fragoso. Yo misma estuve a punto de matricularme hace años en ESDIP, antes de decantarme por la ahora desaparecida ARTENEO, donde estudié el Máster en ilustración fundamentalmente por trabajar con Juan Serrano, un grandísimo ilustrador madrileño que maneja la luz como el propio Sorolla.

📍 Ubicación: Calle Santa Engracia, 122 (Madrid)
Esdip

Trazos – Escuela de Artes Digitales

Trazos es una escuela especializada en formación digital para las industrias creativas. Ofrece cursos intensivos y másteres en ilustración digital, concept art y arte para videojuegos, centrados en el aprendizaje práctico y el uso de herramientas profesionales como Photoshop o Procreate. Es una opción ideal para quienes quieren enfocar su carrera hacia el mundo del videojuego, la animación o el diseño editorial digital.

📍 Ubicación: Calle San Marcos, 39 (Madrid)

Trazos

Lightbox Academy

Lightbox Academy es una escuela de formación especializada en ilustración digital, concept art, animación y arte para videojuegos. Sus cursos y másteres están orientados al aprendizaje técnico y artístico desde cero, con un enfoque profesional y actualizado. Cuenta con docentes en activo en estudios de animación y producción, y forma parte del ecosistema de Lightbox Animation Studios, creadores de películas como Tadeo Jones.

📍 Ubicación: Calle Padilla, 66 (Madrid)

Lightbox Academy

Escuela Minúscula

Escuela Minúscula es un espacio creativo independiente en Madrid dedicado a la ilustración de autor, el fanzine y la autoedición. Ofrece cursos regulares y talleres intensivos con ilustradores contemporáneos, centrados en técnicas tradicionales, narración gráfica y procesos creativos personales. Es ideal para quienes buscan desarrollar una voz artística propia en un entorno más experimental.

📍 Ubicación: Calle Ave María, 19 (Madrid)

Escuela Minúscula

Imagina Escuela Creativa

Imagina es una escuela artística situada en el barrio de Chamberí que ofrece cursos de ilustración, dibujo y pintura para niño, adultos y jóvenes. Es una escuela de corte tradicional. Ideal para quienes buscan iniciarse o retomar la ilustración en un entorno relajado y creativo.

📍 Ubicación: Calle Meléndez Valdés, 24 (Madrid)

Imagina Escuela

Por último te dejo como propuesta mi propio estudio, al tiempo que te invito a explorar los estudios de otros artistas e ilustradores de Madrid que como yo ofrecen la oportunidad de trabajar de una forma muy cercana.

🎨 Puri Salví – Ilustración Tradicional

En mis clases encontrarás un espacio de trabajo ideal si buscas profundizar en las técnicas tradicionales: gouache, acuarela, lápiz de color, tinta y quieres hacerlo en un ambiente acogedor y muy cercano. Mis grupos de trabajo siempre son reducidos y me esfuerzo mucho por combinar creatividad, la búsqueda del propio estilo personal, y trabajo técnico y académico. Cada persona que está conmigo cuenta y cada persona es diferente. Para mi preservar esa diferencia es fundamental. Además con el objetivo de ser una pequeña comunidad creativa, realizamos salidas a dibujar por Madrid, exposiciones, visitas a museos etc.

📍 Ubicación: Calle del Pez 27

Puri Salví

¿Has estudiado ilustración en alguna de estas escuelas o talleres de Madrid?
¿Conoces alguna otra que debería estar en esta lista?
¡Cuéntanos tu experiencia y recomendaciones en los comentarios! Así ayudamos juntos a más artistas a encontrar su camino creativo.

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1.- Collage veraniego.

Pocas cosas más divertidas y más creativas que realizar un collage. Casi cualquier cosa es válida a la hora de recortar y pegar, o encontrar y pegar. Pero el collage que te propongo hoy es un poco diferente. Pequeños paisajes veraniegos, con algo en común: mar, verde, casitas.

Todo lo que tienes que hacer es dibujar una preciosa casa de playa o un misterioso faro en un acantilado y a continuación pintarlo y recortarlo.

Después deberás crear un fondo, con trozos de mar, trozos de tierra y trozos de cielo. Pinta y rómpelo todo con tus manos, no te preocupes por cómo hacerlo. Simplemente juega.

Una vez tengas todas las piezas, juega a montar un paisaje donde tu faro o casa sea el protagonista.

2.- Urban Sketching.

Perfecto si tu verano transcurre en la ciudad. Si no puedes desplazarte y quieres reinventar el sitio en el que vives para tener nuevas sensaciones, sin duda esta es la solución. No importa el nivel, no importa lo que creas que debes saber sobre dibujo y pintura. No importa si nunca has ilustrado.

Coge papel, lápiz y acuarelas y lánzate a la calle.

Consejos para una sesión de urban sketch satisfactoria:

• Ponte a la sombra. Queremos comodidad por un rato.
• Escoge una vista interesante. Pero si no tienes práctica, apuesta por cosas pequeñas primero: un buzón de correos destartalado, una ventana que te llame la atención, cualquier cosa vale.
• Emplea no más de diez minutos en el dibujo. No te juzgues, solo hazlo.
• Dedica unos 20, 25 minutos a darle color. Preferiblemente acuarela, irás más rápido. Si no sabes cómo pintar un truco: pinta las sombras y nada más.
• Repasa con rotulador calibrado. Tu obra parecerá lista para enmarcar.
• Diviértete. No lo haces para nadie. Solo para disfrutar.

3.- Diario Ilustrado.

Una de mis actividades favoritas, crear páginas de diario donde tomo anotaciones sobre lo que dibujo o al revés, dibujo sobre las anotaciones que he tomado.

Hace poco en mayo, hicimos un retiro artístico al Valle del Tiétar cuya temática era precisamente esta. El diario de viaje.

Con esto conseguirás que tus vacaciones sean inolvidables literalmente, porque tendrás un diario cargado de recuerdos que se volverán mucho más nítidos que si solo conservaras fotografías.

Quien viaja con un diario no es un turista. No lo olvides.

Además todo vale, el estilo solo tiene que ver contigo. Atrévete a llenar las páginas con dibujos, collages, fotografías y toma muchas anotaciones de todo lo que vives y experimentas. Con suerte, si le coges el gusto lo seguirás haciendo en tu vida diaria y así, el café que te tomas a las once en el bar de la esquina, será completamente único.

El verano es un tiempo maravilloso donde a veces nos proponemos hacer demasiadas cosas, pero eso nos carga de obligaciones y frustración, por eso mi idea es más simple, haz cosas sencillas que no te lleven mucho tiempo pero te hagan feliz. Lo importante es disfrutar.

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La Real Academia Española (RAE) define el término folclore como «conjunto de costumbres, tradiciones y manifestaciones artísticas de un pueblo». Otras definiciones más extensas lo definen como el conjunto de tradiciones, costumbres, creencias, leyendas, música, danzas, y demás expresiones culturales propias de un pueblo o una comunidad, transmitidas de generación en generación de manera oral o a través de prácticas culturales.

Estas manifestaciones folclóricas suelen estar arraigadas en la identidad de un grupo humano y reflejan su historia, valores, y formas de vida. El folclore puede variar significativamente de una región a otra, y es una parte importante del patrimonio cultural de un país o una comunidad

El folclore es pues el estudio de las tradiciones, de aquello que cada persona podría identificar como sus raíces.

Es curioso como en un mundo cada vez más globalizado, donde el uso constante de la tecnología, las redes sociales, el consumo de contenidos digitales, el tipo de vida urbana, etc que generan, entre otras cuestiones, una uniformidad y homogeneización entre las personas, sin embargo aparecen cada vez más, nuevas voces preocupadas por rescatar, preservar o incluso actualizar las tradiciones propias de un pueblo, región o país.

Las cuestiones de por qué sucede esto habría que dejarlas al análisis de socióligos, antropólogos y psicólogos sociales, pero lo cierto es que mientras las formas se diluyen y la uniformidad campa a sus anchas, incluso en el arte, muchas personas se hacen abanderados del folclore desde sus diferentes ámbitos.

Históricamente el arte ha bebido de las fuentes tradicionales y folclóricas para inspiración y creación de obras, la propia ilustración fantástica en sus inicios estaba íntimamente ligada a personajes y arquetipos de la mitología popular y por tanto del folclore. Sin embargo, los ilustradores que quiero presentaros se sitúan totalmente en el ámbito del folclore y de ahí que me resulten tan interesantes.

Sea como fuere, se me quedarán muchos fuera de la lista, porque las listas siempre son problemáticas y no conozo a todos los artistas que trabajan este ámbito, pero creo que los que aparecen son representativos de este movimiento cultural, que apuesta por lo tradicional.

Son pequeños oasis de raigambre en esta, cada vez más distópica, sociedad nuestra.

Por supuesto estaré encantada de conocer otras y otros ilustradores que no figuran en la lista.

Disfruten

Max Hierro

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Don Recaredo

Web

Tomás Hijo

Web

Nieve Sita

Instagram

Javier Prado

Instagram

Ainoa Riesco

Web

Irina Hirondelle

Web

Álvaro M. Buendía

Web

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Cada vez somos más las personas que vivimos en ciudades, grandes y ruidosas o pequeñas y tranquilas. Todas ellas son un escenario de vida y ritmo importante: comercios, gente que entra y sale, parques, edificios en ruinas, edificios emblemáticos, casas corrientes, ventanas, balcones, tráfico, plazas de reunión o de juego, etc. Son tantos los escenarios que nos brinda una ciudad. Tantas las oportunidades de ver con los ojos de un artista.

Es normal que al vivir en una ciudad quede lejos la bucólica representación de hermosos paisajes de campos y marinas, la contemplación y la delicadeza suave y silenciosa que requiere la creación artística de la naturaleza, y es normal por tanto, que surjan formas artísticas nuevas adaptadas a la vida rápida y moderna de la ciudad.

Es ahí donde aparece la técnica del «urban sketching» que dentro de las técnicas artísticas es relativamente moderna. Aparece como tal en Seattle a finales de la primera década de los dos mil, y poco a poco se convierte en un imprescindible de viajeros, cuadernistas, nómadas y un largo etc de artistas.

Es una técnica muy interesante por su viveza y su gran espontaneidad.

El urban sketching es una forma de dibujo que se centra en capturar la vida de la ciudad en papel. Es una técnica que combina ciertas habilidades de dibujo, con la observación sistemática del entorno, y captura momentos y lugares en la calle. Esto la convierte en una técnica muy especial ya que el entorno puede estar en constante cambio.

La técnica del urban sketching se basa en la capacidad de observar los detalles de la ciudad, como la luz, la sombra, los contrastes y la atmósfera. Esta técnica es perfecta para quienes disfrutan dibujando en exteriores y les gusta capturar la vida cotidiana de la ciudad.

La definición de urban sketching es muy simple: dibujar en la ciudad, desde lo que ves en el metro hasta la arquitectura de edificios importantes en la ciudad, pasando por personas, animales, instantes, todo vale.

Para ponerte manos a la obra necesitas tener algunas habilidades de dibujo básicas, alguna noción sobre perspectiva, luces, líneas, sombras, pero esto es algo que también irás mejorando con la práctica.

Entre las técnicas del urban sketching destacan sobretodo la línea rápida y la mancha, por lo que técnicas como la acuarela encuentran aquí un gran campo de trabajo

Los materiales necesarios para hacer urban sketching son sencillos y portátiles. Lo más importante es tener un cuaderno de dibujo, lápices, bolígrafos, rotuladores o acuarelas. Puede ser recomendable tener una silla plegable o una almohada para sentarse cómodamente en la calle, pues dibujar de pie puede ser complicado, y sobretodo no tener ninguna vergüenza.

Los lugares ideales para realizar urban sketching son los lugares concurridos de la ciudad, como plazas, parques, calles comerciales, cafeterías y mercados. También puedes dibujar edificios importantes de la ciudad o sitios históricos.

Para hacer urban sketching, solo necesitas tu cuaderno de dibujo y tus materiales de dibujo. Encuentra un lugar interesante en la ciudad, siéntate cómodamente y comienza a dibujar lo que ves. No te preocupes por ser perfecto, la belleza del urban sketching es la captura de la vida urbana en tiempo real. Ser espontáneo, disfrutar mucho y tener cierta viveza.

En todo el mundo existen comunidades de artistas del urban sketching que comparten su trabajo y también realizan encuentros para dibujar. En esta página puedes encontrar un ejemplo de ello pinchando aquí.

En Madrid también encontrarás grupos de artistas aficionados al urban sketch que quedan periódicamente para salidas de dibujo. No hace falta ser un profesional. Recuerda que lo importante siempre es tener ganas de hacer.

Puedes localizarlos en sus redes sociales. En instagram están como @uskmadrid

En mis clases de ilustración a adultos suelo realizar una salida mensual con mis grupos para dibujar por Madrid. Cuando hace frío nos refugiamos en museos, pero en cuanto el tiempo lo permite salimos a la calle a capturar la ciudad, pues Madrid es un gran lugar para practicar. Pero cualquier sitio puede serlo.

Así que si te apetece probar esta técnica tan divertida no te lo pienses y si quieres saber un poco más sobre lo que hago con mis alumnos puedes ponerte en contacto conmigo.

¡A dibujar!

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Sin embargo, con la aparición de las inteligencias artificiales creadoras de contenido artístico la pervivencia del Arte vuelve a estar en el punto de mira, o más que del Arte de la ilustración como profesión. Y esta vez, quizás, las voces más pesimistas no están tan desencaminadas en sus predicciones fatalistas. 

Antes de avanzar en el presente artículo os aventuro mi reflexión sobre el tema: Tenemos que hablar de Inteligencia Artificial (A.I.), todas las personas, no sólo los artistas.

Son numerosos los motivos por los que este debate debería estar en la sociedad, pero esencialmente se reduce a uno: estamos a las puertas de lo que será la gran revolución de nuestra época. Son muchas las voces que anticipan una revolución equiparable a la Revolución Industrial, que recordemos modificó para siempre la estructura social y económica del mundo, con una diferencia fundamental respecto de la última, y es que los cambios serán mucho más veloces. Cambios estructurales que transformarán de forma significativa la sociedad tal y como la conocemos hoy en día. 

Así que ¿De verdad crees que esto no va contigo?

Se dice que el año 2023 será el año del despegue definitivo de la inteligencia artificial aunque muchas de estas tecnologías están con nosotros desde hace tiempo. 

¿Qué es la inteligencia artificial?

De una manera un tanto genérica podemos decir que son sistemas o combinación de algoritmos que imitan los procesos cognitivos de la inteligencia humana para realizar determinadas tareas, con la peculiaridad de que pueden mejorar según van desarrollando nuevos procesos a partir de la información recibida. Es decir, “aprenden” de forma autónoma (machine learning). Aunque este tipo de inteligencias artificiales lleva tiempo con nosotros, ha sido en los últimos años y especialmente en los últimos meses cuando se ha generado un salto cualitativo en su computación, al desarrollar algoritmos que funcionan o se basan en el sistema de redes neuronales de nuestro cerebro, interpretando y emulando su funcionamiento, lo que se conoce como deep learning.

Puedes leer más sobre esta cuestión pinchando aquí.

En la segunda mitad del año 2022 una serie de inteligencias artificiales se pusieron a disposición del público generando un enorme revuelo principalmente entre el sector artístico. Por primera vez una máquina simulaba procesos creativos, siendo capaz de generar imágenes artísticas, programación computacional, textos complejos etc. El proceso de creatividad humana reducido a una serie de algoritmos y máquinas generando obras de arte a velocidad de cuatro por segundo. La polémica está servida. 

En agosto del 2022 se abre al publico Dall-e2 una inteligencia artificial perteneciente a la compañía Open A.I. que es capaz de generar imágenes fotorreales o artísticas a partir de un texto con indicaciones, lo que se conoce como Prompt. 

Al poco aparecen otros modelos “similares” como Stable Difussion de la compañía Stability AI, Midjourney, etc.  Todas ellas ofrecen la posibilidad de generar imágenes de más o menos calidad, todo depende del Prompt y del proceso de mejora y acierto en éste (prompt engineering, llamada a ser la profesión de moda en los próximos meses) “gratis” y a una velocidad apabullante que ningún artista puede superar.

En los primeros días de septiembre del 2022 una pintura generada en Midjourney gana un concurso estatal de pintura en Estados Unidos, en la categoría de Arte Digital. 

Ya en noviembre del 2022 se abrió Chat GPT, desarrollado también por Open AI (Dall-e). Un sistema entrenado para generar conversaciones en línea que sorprende por lo acertado de algunas de sus respuestas y la complejidad de su funcionamiento. En apenas dos meses consiguió cien millones de usuarios. Una cifra que nunca logró ninguna red social en tan poco tiempo. Chat GPT ya está poniendo patas arriba determinados sectores, algunos como la informática o la educación. 

Todas estas máquinas están poniendo contra las cuerdas a un montón de profesionales temerosos del futuro, que se sienten incapaces de competir contra sistemas que trabajan a un precio y a una velocidad inasumible para ningún humano. 

Hace tan solo unas semanas, en enero del 2023, un colectivo de artistas en California inició una demanda contra Stability, Midjourney y DebianART. Los autores demandan a las compañías por haber sido utilizadas, sin su consentimiento, obras de su autoría para el entrenamiento de las inteligencias artificiales de estas compañías. 

En Argentina el reconocido artista e ilustrador Santiago Caruso averigua que sus obras también han sido utilizadas sin su consentimiento para entrenar a la inteligencia artificial de Midjourney (empresa que además publicita el estilo de este autor como algo que cualquier persona puede conseguir a través del uso de su plataforma) e inicia una campaña de artivismo en redes sociales dentro de la comunidad hispanohablante. Puedes consultar toda la información que ha puesto a disposición del público desde su web aquí.

¿Por qué los derechos de propiedad intelectual de estos autores han sido vulnerados?

Las inteligencias artificiales han sido entrenadas con millones de datos extraídos de la Red, muchos de ellos vulnerando derechos de autoría o privacidad. ¿Pero es esto legal?

Este es un tema complejo que trataré de resumir de la forma más simple posible. Para entrenar a las inteligencias artificiales se empleó lo que se denomina “raspado de datos” o “web scraping” que básicamente consiste en extraer y recopilar datos de terceros con diversos fines: publicidad, investigación, inteligencia artificial, etc. Debido a la ubicuidad de esta práctica no está regulada más allá de la obligación legal de respetar la protección de datos personales y los derechos de propiedad intelectual.  

Sin embargo cuando el raspado de datos se realiza con fines de investigación por organizaciones sin ánimo de lucro, al parecer se pueden hacer exenciones en el derecho de autor. 

Aquí es donde aparece LAION, una organización sin ánimo de lucro fundada en Alemania cuyo objetivo es poner a la disposición del público datos y códigos relacionados con el aprendizaje automático de las inteligencias artificiales a gran escala. 

Esta organización pone a disposición de las principales empresas de inteligencia artificial hasta seis billones de imágenes asociadas a texto que permiten entrenar a estos modelos. 

Y aunque aparentemente no infringe ninguna ley muchas de estas imágenes que se generarán a partir de los datos ofrecidos por LAION tendrán usos comerciales, e igualmente, ¿hasta qué punto es ético el empleo de obras de artistas vivos sin el consentimiento del autor?

En algunos países como Inglaterra donde la industria creativa tiene un enorme peso, se llevó a debate en el Congreso si se podría hacer en el futuro una exención a la propiedad intelectual cuando se tratara de inteligencia artificial y la respuesta fue clara: No. 

A la espera de lo que suceda en Estados Unidos, en países como el nuestro apenas encontramos información al respecto y las asociaciones profesionales de ilustradoras e ilustradores mantienen silencio acerca de las inteligencias artificiales y sus implicaciones en la profesión. 

Sin embargo queda claro que la ilustración, al igual que otros sectores, ya se está viendo afectada por la irrupción de estas “máquinas». 

¿Se debería pagar a los autores con los que se entrenó a los modelos de A.I? desde luego parece lo correcto. 

¿Podremos evitar que en un futuro las agencias, editoriales y el común de la gente utilicen masivamente A.I para generar ilustraciones? Lo dudo. 

¿Acabará con el Arte? No. 

ALGUNAS CONCLUSIONES

No, el arte no va a morir. Si bien es cierto que estas inteligencias artificiales suponen un elemento disruptivo en las profesiones artísticas, el arte como tal, no desaparece porque el artista, el proceso, el contexto y la obra son insustituibles. Es más, puede que con el tiempo se produzca una revaloración aún mayor de las obras “tradicionales” por saturación de obras digitales generadas por inteligencia artificial. 

Sin embargo la ilustración en cuanto a arte aplicada y el oficio de ilustrador si que, en mi opinión, se verá profundamente afectada. Es difícil que ningún ilustrador pueda competir con el “abaratamiento” extremo de la ilustración a causa de las inteligencias artificiales. Con la cantidad y tiempos. Estoy segura que muchos ilustradores podrán seguir viviendo de su trabajo, especialmente los que tienen cierto renombre, pero para los ilustradores de batalla, los anónimos, puede durante un tiempo, ser casi imposible. 

Esto me lleva a varias reflexiones:

Todo apunta a que nos dirigimos a un abaratamiento y mayor mediocridad de la cultura. Lejos de hablar de democratización de la misma hablamos de un consumo barato, rápido y de escasa calidad. Algo que viene pasando desde hace tiempo en otros sectores: moda, alimentación, ocio, relaciones personales. 

Estamos en una sociedad hiperconsumista que antepone cantidad, inmediatez y precio a la calidad. Nos hemos empobrecido a muchos niveles pero también a nivel estético, ético y cultural. 

En un tiempo en que deberíamos ser cada vez más conscientes de nuestras acciones y de sus implicaciones, parece que preferimos vivir al margen de todo conocimiento. No importa lo que ocurra con nuestros datos en internet, no importa de dónde venga la carne que consumimos, ni la ropa que compramos, ni la obra de arte que nos descargamos. Vivimos sin ética acomodados a una suerte de vida chatarra, hiperconsumista y aborregada. 

No creo que la inteligencia artificial pueda acabar con el arte, somos las personas las que terminaremos con él. Al fin y al cabo el responsable último de una acción es el humano, no la máquina.

En la actualidad más que nunca se hace necesario que nos volvamos más conscientes, más críticos, más reflexivos, más selectivos. 

En los próximos tiempos veremos como la presencia de la inteligencia artificial se hará cada vez mayor. Se estima que en las próximas décadas casi el cuarenta por ciento de los puestos de trabajo tal y como los conocemos desaparecerán, no sólo el mío de ilustradora, también el tuyo. 

Todos estos cambios traerán unas implicaciones sociales y económicas que nos resulta casi imposible imaginar. Y aunque se presentarán también grandes oportunidades para la humanidad, los retos y las problemáticas van a ser increíbles.

Si no nos sentamos ahora a tener una reflexión profunda sobre lo que está sucediendo y lo qué puede suceder, nos veremos arrastrados por unos cambios que por otra parte parecen imparables. 

Así que voy a terminar este artículo tal y como lo empecé, diciendo que tenemos que hablar de inteligencia artificial. 

Busca, lee, investiga, aprende, no te conformes, lee los términos de uso de las aplicaciones, las etiquetas de los productos, etc.

No seas rebaño. 

(Nota: Todo el contenido de esta publicación ha sido elaborado sin la ayuda de ChatGPT 😉 )

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Actualmente tengo dos modalidades de formación: una para principiantes y otra intermedia para quienes hayan estado en iniciación antes, o para quienes tengan cierta soltura con el dibujo o la pintura.

Mis clases son perfectas para quienes no quieren ir a una escuela profesional de ilustración, pero tampoco a un taller tradicional de pintura a hacer bodegones con carboncillo. Ojo, todos los métodos de enseñanza son válidos, pero debemos seleccionar cuidadosamente el que se adapta más a nosotras.

Para mi es muy importante crear un espacio de aprendizaje relajado y alegre, pero al mismo tiempo que sirva para el desarrollo no solo de la técnica sino también del estilo personal. Hago mucha incidencia en que el dibujo, la pintura, el arte en general, nos ayudan a saber más de nosotros mismos y cuido mucho que seamos capaces de ser más conscientes de nuestro proceso de aprendizaje.

No puedo limitarme a ofrecer solo técnica o herramientas, pues actualmente hay cientos de manuales y tutoriales muy buenos en internet. Trato de ofrecer un camino lo más personalizado posible para cada uno de mis alumnos/as, en función de lo que son, de sus capacidades, de su ritmo.

Además otro aspecto que para mí es fundamental es la comunidad. En unos tiempos cada vez más individualistas y aislados, casi todo lo podemos hacer delante de una pantalla, quiero crear un espacio donde cada persona cuente, donde cada persona se sienta realmente significativa, y donde entre todas formemos un grupo creativo. Por eso siempre que puedo me gusta llevar a mis chicas (somos mayoría femenina) a dibujar por Madrid, a visitar museos, a hacer quedadas.

Me gusta pensar que mis clases son una pequeña burbuja al margen del ruido de Madrid y de todas las tareas cotidianas.

Los grupos son muy reducidos. Solemos ser seis o siete personas por clase. Y están abiertos a todas las edades a partir de los dieciocho años.

¿Qué vas a encontrar en mis clases?

Si eres principiante podrás conocer los aspectos básicos y técnicos relativos al dibujo y al uso del color. Ya que estas dos herramientas serán las que te permitan generar ilustraciones con más soltura.

En las clases de dibujo nos centramos sobretodo en el dibujo de la figura humana y el retrato. Hacemos dibujo constructivo y trabajamos a partir de una síntesis de la anatomía humana que nos permita entender mejor cómo dibujar personas. El bloque de dibujo lo trabajamos durante todo el primer trimestre.

Para el color comenzamos trabajando primero en blanco y negro los volúmenes, entendiendo de esta forma como funciona la luz y la oscuridad en una obra, esto lo hacemos con lápiz y tinta china.

El desarrollo del color ocupa una gran parte del curso, trabajamos con lápices de color, rotulador, gouache, acuarela y técnicas mixtas. Aquí no vas a encontrar un curso específico de dibujo ni un curso específico de pintura. En un único curso trabajamos de forma general los aspectos más básicos de ambas disciplinas.

Tan importante como el proceso técnico es el proceso creativo, de ahí que en la medida de lo posible procure fomentar la creatividad en las clases, algo que a los adultos nos cuesta mucho, sobretodo en estos días en los que estamos tan saturados de imágenes por todas partes.

Si eres intermedio en mis clases vas a encontrar un espacio único para crear ilustraciones, seguirás perfeccionando la técnica pero sobre todo trabajarás tu estilo y tu creatividad. Tanto en el nivel de iniciación como el intermedio trabajamos por proyectos y son continuas. Cualquier persona puede empezar en cualquier momento.

En general tanto si eres principiante como intermedio vas a encontrar unas clases muy activas, siempre digo que se aprende haciendo, en muy buen ambiente, y con mucha disposición por mi parte.

Lo digo aquí y lo digo siempre, doy las clases de ilustración que me hubiera gustado recibir a mi cuando empecé mi formación y no sabía dónde ir, y sobretodo doy las clases que creo que pueden enriquecer de verdad. No me interesan los lugares asépticos de aprendizaje. No van conmigo, no es mi estilo.

Pero si eres una persona con inquietudes artísticas, si se te gusta el arte, la ilustración, si quieres mejorar en dibujo, en expresión, en pintura y no tienes tiempo o no te apetece ir a lugares como academias, probablemente estas clases sean para tí.

Si has llegado hasta aquí porque buscas un lugar donde aprender ilustración en Madrid te recomiendo que hagas un ejercicio de reflexión sobre lo que realmente quieres. Que te informes bien de los planes de estudio, de los horarios y de tu propia disponibilidad en cuanto a motivación y tiempo. En Madrid encontrarás decenas de buenos lugares y en internet cientos. Pero siempre habrá alguno más adecuado para tí, donde te sientas mejor y ese será el lugar donde realmente aprendas más.

Dónde damos las clases: en el centro de Madrid en mi estudio de ilustración. Muy cerca del metro Noviciado, Tribunal y Plaza de Espala, en la Calle Pez nº 27.

Cuándo: hay grupos martes, miércoles y jueves de 17 a 21 horas.

Si quieres más información sobre mis cursos de ilustración te invito a que me escribas y preguntes todo lo que quieras en salvipuri@gmail.com

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Pero además, el color, es una de las vías indiscutibles para construir emociones, para recrear ambientaciones, para generar en el espectador de la obra ciertas sensaciones y para poner de manifiesto nuestro propio universo personal.

El color es usado en diferentes medios, no solo pictóricos. El diseño gráfico, la publicidad o el cine se sirven de la teoría del color a la hora de crear sus contenidos. Sin ir muy lejos, encontramos un ejemplo de como utilizar los principios del color en la serie «El cuento de la criada», donde reina la gama de colores fríos en toda la paleta, únicamente contrastados por un punto rojo (el de las criadas). De esta forma se consigue un gran efecto visual, al mismo tiempo que se generan ciertas emociones asociadas al uso de los azules y grisáceos más fríos y casi monocromáticos (tristeza, opresión, frialdad etc) en oposición con el rojo intenso de las criadas (lucha, fuerza, vida, rebelión) Obviamente nada es casual.

Si al hablar del dibujo decíamos que saber dibujar es en gran medida saber ver, al hablar de la pintura podemos decir que saber pintar es en gran medida saber ver el color. Cuanto mejor entendamos el color, mejor pintaremos.

Por ello a continuación daremos unas pinceladas básicas de teoría del color, que nos permitan ir afinando un poco más a la hora de realizar nuestras creaciones.

El color

Antes que nada debemos comprender cuáles son las tres características esenciales de un color: saturación, luminosidad y tonalidad.

Tonalidad vendría a ser lo que nosotros conocemos como color. Saturación es el grado de pureza de un color o lo que a veces percibimos como intensidad. Y luminosidad es aquello que nos hace percibir colores como claros u oscuros.

Círculo Cromático

Antes de empezar a pintar con colores, es necesario aprender a observar y entender los colores en el mundo real. Para ello hay que entender como se distribuyen y ser capaces de clasificarlos dentro de un sistema universal que conocemos como el círculo cromático.

Aprender la forma en que los colores se distribuyen y se relacionan entre sí, es el primer paso para conseguir una obra acertada. Da igual si estamos trabajando en digital o tradicional, entender el color y saber utilizarlo de forma consciente es clave en nuestro desarrollo como artistas.

Debemos entender el origen del color, su espectro y gama cromática, las mezclas y las relaciones más efectivas entre colores.

El círculo cromático es una forma simplificada que nos pemirte el estudio racional de las armonías del color.

Esta rueda de colores conforma el segmento de luz visible del espectro solar, fue descubierto por Newton y se compone de: rojo, naranja, amarillo, verde, azul ultramar y violeta. Se sustenta en la relación de los tres colores primarios (rojo, amarillo y azul o magenta, amarillo y cyan)y sus mezclas resultantes .

A partir de la relación y mezcla de estos colores podemos conseguir casi todos los colores, y el ejercicio de la mezcla es algo que adoptan quienes trabajan con pintura.

Si bien es cierto que combiene añadir algunos colores extra a la paleta para mejorar las composiciones y las mezclas.

Así, con dos rojos, dos azules y dos amarillos será más fácil conseguir mezclas ricas. Normalmente estos colores serán siempre una variante más fría y más calida del mismo color.

Los grados de un color

El grado de saturación o intensidad de un color se refiere a la viveza del color. Un color tiene mayor grado de saturación cuanto más puro se presenta y sin ninguna mezcla de blanco o negro (el negro es un color neutro que obtenemos a partir de la mezcla de los colores del círculo cromático).

Así, un amarillo de cadmio puede perder intensidad y verse más matizado cuando le añadimos blanco o lo mezclamos con una pizca de negro o marrón de siena.

De hecho a la hora de crear colores lo adecuado es esto pues en la naturaleza no existen los colores tan saturados.

La pérdida de saturación también se produce cuando un color se mezcla con una pequeña cantidad de otro color opuesto o complementario.

A partir de este esquema iremos sacando los diferentes grados de un color.

Relaciones entre los colores

Los colores nunca se presentan de forma asilada sino en relación a otros colores. A no ser que realicemos obras monocromáticas como las grisallas, es importante comprender las relaciones y conocer algunas de las que mejor funcionan a la hora de plasmar nuestras obras.

En general, a no ser que hagamos una reproducción hiper realista del mondelo natural, donde «nos limitaremos» a reproducir los colores que percibimos, siempre habrá una preponderancia de unos tonos sobre otros.

La rueda cromática de forma global se divide en dos: colores cálidos frente a colores fríos. Los colores análogos son los que se encuentran dentro de la misma gama unos al lado de los otros. Cuando pintamos con colores análogos ninguno sobresale por encima del resto.

Los colores complementarios u opuestos por el contrario son los que se encuentran directamente enfrentados en el círculo cromático y son los que crean relaciones más intensas y llamativas entre sí.

Un mismo objeto pintado sobre fondos diferentes producirá sensaciones variadas en función de las relaciones que se crean entre los colores del fondo y del primer plano.

Para empezar a experimentar con las relaciones del color es útil comenzar con colores planos y ver como estos se relacionan, podemos usar técnicas como rotuladores o acrílico.

Podemos decir que de forma general existen estas formas básicas de combinar los colores:

• Combinación monocromática: Utilizamos un único color pero variamos su intensidad y luminosidad por lo que obtenemos una gama tonal amplia.
• Combinación análoga: La que se forma a partir de la combinación de los colores próximos entre sí en la rueda cromática.
• Combinación complementaria: La que se obtiene al combinar los opuestos entre sí. Hay que tener cuidado al aplicarla porque si bien es cierto que produce unas interesantes y muy vibrantes combinaciones a veces puede resultar un tanto «agresiva» o «estresante». Por ello se debe buscar el contraste en la utilización de tonos menos saturados y aplicando también algún color neutro que apague un poco la fuerza de esta combinación.
• Triada: Para realizar esta combinación se traza un triángulo en la rueda cromática y empleamos los colores de tres en tres.
• Tetráedrica: La más difícil de emplear, se utilizan dos pares de colores complementarios.

A continuación te muestro algunos ejemplos del uso de la teoría del color aplicado a la pintura. Análogos, complementarios etc. Todo lo que queda es que te pongas a practicar.

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