En un mundo cada día más tecnológico y donde todo parece suceder a gran velocidad, me encuentro con que más personas sienten la necesidad de bajar el ritmo y conectar con su parte creativa. Dibujar con el lápiz , sentarse frente a una hoja en blanco, aprender a disfrutar del proceso y la lentitud… La ilustración tradicional, igual que todas las técnicas manuales tiene algo terapéutico, pausado y profundamente satisfactorio.

Si vives en Madrid y estás buscando clases de ilustración tradicionales, tal vez te sientas un poco perdida: hay muchas ofertas, academias, talleres o cursos online, pero no siempre es fácil saber cuál se adapta a ti, sobre todo si estás empezando desde cero.

En esta guía te doy algunas claves para que puedas elegir bien y también te cuento cómo trabajo yo con mis alumnas en mi estudio artístico en el centro de Madrid.

¿Qué es la ilustración tradicional?

La ilustración tradicional se basa en técnicas manuales donde se emplean medios físicos, como el grafito, acrílico, tinta, acuarela, gouache o los lápices de colores. No se utiliza tableta ni ordenador: se trabaja directamente sobre el papel, manchándose las manos y aprendiendo a dirigir cada trazo.

Es perfecta para quienes quieren aprender desde la base, siempre es más fácil pintar en digital si sabes pintar «de verdad», mejorar su concentración, desarrollar su estilo propio y conectar con algo más personal e intuitivo. Además es perfecta para quienes quieran experimentar el gran poder transformador que tiene dedicar unas horas a la semana a una técnica artística manual.

¿Qué tener en cuenta al buscar clases de ilustración en Madrid?

Madrid es una ciudad con muchísimas propuestas creativas, pero no todas las clases están enfocadas del mismo modo. Estas son algunas cosas que personalmente te recomiendo tener en cuenta:

• Grupos reducidos: para que el aprendizaje sea personalizado.
• Clases presenciales: especialmente si partes de cero o casi cero. La experiencia es mucho más significativa y por tanto mejor el aprendizaje.
• Profesores con experiencia real: en ilustración y también en enseñanza.
• Materiales incluidos: o al menos asesoramiento si los necesitas comprar tú.
• Ambiente creativo y relajado: el lugar y con quien importa tanto como lo que aprendes, el clima de aprendizaje es fundamental para el proceso.

En mis clases en Madrid trabajamos con pequeños grupos y técnicas tradicionales. Cada alumna sigue su propio ritmo y me enfoco en que aprendas de forma sólida y disfrutes del proceso.

¿Qué aprenderás en los primeros meses?

Aunque no tengas experiencia, podrás empezar desde lo más básico y avanzar paso a paso:

• Aprenderás a observar y comenzarás a entender lo que ves y como reflejarlo en el papel.
• Encaje, proporciones y composición
• Técnicas de sombreado con lápiz, grafito o tinta
• Introducción a la acuarela y el color
• Ejercicios para desarrollar tu estilo personal y tu parte más creativa

¿Por qué elegir clases de ilustración tradicional?

Aprender ilustración de forma presencial, con atención personalizada y materiales reales, te dará algo que no puede ofrecer un tutorial online: acompañamiento, comunidad, ritmo y motivación. Es cierto que hay miles de tutoriales a nuestra disposición y muchos de ellos son geniales. Yo misma los utilizo para mejorar mi práctica, pues el arte no deja de aprenderse nunca, pero jamás podrán sustituir la sensación de presencia que te da hacerlo rodeada de otras personas que comparten los mismos intereses e inquietudes que tú.

Si vives en Madrid y quieres empezar a ilustrar desde cero, esta puede ser una oportunidad para regalarte un espacio creativo solo para ti.

¿Te interesa?

Siempre estás a tiempo de empezar. En mi propio estudio hay algunas plazas libres para el curso que comenzamos en septiembre.

Estamos muy céntricas, en la Calle Pez, y además de las clases regulares de ilustración, hacemos salidas a dibujar por Madrid, visitar exposiciones, urban sketch, exposiciones e incluso retiros artísticos. Porque para mi crear comunidad es fundamental.

Si quieres puedes consultar mis cursos y los horarios disponibles.

Pinchando aquí.

La entrada Dónde estudiar ilustración tradicional en Madrid: guía para empezar desde cero. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Todos tenemos diferentes motivos, todos igual de válidos y todos nos pueden convertir en ilustradores, pero es importante que sepas muy bien lo que quieres, para saber muy bien dónde buscar.

En Madrid la oferta de escuelas y talleres de ilustración es muy amplia. En la ciudad puedes encontrar ofertas que se ajustan a cualquier objetivo que tengas, desde espacios tradicionales de Bellas Artes, hasta centros que apuestan totalmente por la ilustración digital, a estudios de artistas que ofrecen una atención mucho más personalizada y especial.

Mi propuesta con esta publicación es seleccionar algunas de las opciones más interesantes para quienes no saben por dónde empezar.

Escuela Artediez

La Escuela de Arte Diez es uno de los centros públicos más prestigiosos para estudiar ilustración en Madrid, al menos así ha sido hasta ahora, grandes ilustradores como Adolfo Serra u Olga de Dios han estudiado aquí. Ofrece un Ciclo Formativo de Grado Superior en Ilustración, donde se combinan técnicas tradicionales como acuarela, tinta, grabado o collage, con herramientas digitales básicas. Es ideal para quienes buscan una formación completa, creativa y asequible, ya que solo se pagan las tasas oficiales de formación profesional, recuerda que es una institución pública.

📍 Ubicación: Calle Alcalá, 361 (Madrid)

ArteDiez

UDIT (Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología)

UDIT es una universidad privada especializada en disciplinas creativas, y una de las pocas en Madrid que ofrece un Grado Universitario en Ilustración. Su enfoque combina el dominio del dibujo tradicional con las herramientas digitales más actuales, preparando al alumnado para ámbitos como la ilustración editorial, concept art o narrativa visual. También cuentan con másteres especializados y un fuerte vínculo con la industria creativa. Además son los encargados de acoger ILUSTRAFEST uno de los eventos de mayor relevancia actualmente en Madrid sobre ilustración.

📍 Ubicación: Calle Juan de Herrera, 12 (Madrid)

UDIT

ESDIP (Escuela Superior de Dibujo Profesional)

ESDIP es una de las escuelas privadas más reconocidas en Madrid para quienes quieren especializarse en ilustración, cómic y arte digital. Ofrece un Curso General de Ilustración que parte del dibujo tradicional —anatomía, entintado, técnicas mixtas— y evoluciona hacia la ilustración digital y el concept art. Su enfoque es muy práctico y orientado al mundo profesional, con proyectos reales y profesorado activo en la industria. Tiene en plantilla alguno de mis ilustradores preferidos como Max Hierro o José Fragoso. Yo misma estuve a punto de matricularme hace años en ESDIP, antes de decantarme por la ahora desaparecida ARTENEO, donde estudié el Máster en ilustración fundamentalmente por trabajar con Juan Serrano, un grandísimo ilustrador madrileño que maneja la luz como el propio Sorolla.

📍 Ubicación: Calle Santa Engracia, 122 (Madrid)
Esdip

Trazos – Escuela de Artes Digitales

Trazos es una escuela especializada en formación digital para las industrias creativas. Ofrece cursos intensivos y másteres en ilustración digital, concept art y arte para videojuegos, centrados en el aprendizaje práctico y el uso de herramientas profesionales como Photoshop o Procreate. Es una opción ideal para quienes quieren enfocar su carrera hacia el mundo del videojuego, la animación o el diseño editorial digital.

📍 Ubicación: Calle San Marcos, 39 (Madrid)

Trazos

Lightbox Academy

Lightbox Academy es una escuela de formación especializada en ilustración digital, concept art, animación y arte para videojuegos. Sus cursos y másteres están orientados al aprendizaje técnico y artístico desde cero, con un enfoque profesional y actualizado. Cuenta con docentes en activo en estudios de animación y producción, y forma parte del ecosistema de Lightbox Animation Studios, creadores de películas como Tadeo Jones.

📍 Ubicación: Calle Padilla, 66 (Madrid)

Lightbox Academy

Escuela Minúscula

Escuela Minúscula es un espacio creativo independiente en Madrid dedicado a la ilustración de autor, el fanzine y la autoedición. Ofrece cursos regulares y talleres intensivos con ilustradores contemporáneos, centrados en técnicas tradicionales, narración gráfica y procesos creativos personales. Es ideal para quienes buscan desarrollar una voz artística propia en un entorno más experimental.

📍 Ubicación: Calle Ave María, 19 (Madrid)

Escuela Minúscula

Imagina Escuela Creativa

Imagina es una escuela artística situada en el barrio de Chamberí que ofrece cursos de ilustración, dibujo y pintura para niño, adultos y jóvenes. Es una escuela de corte tradicional. Ideal para quienes buscan iniciarse o retomar la ilustración en un entorno relajado y creativo.

📍 Ubicación: Calle Meléndez Valdés, 24 (Madrid)

Imagina Escuela

Por último te dejo como propuesta mi propio estudio, al tiempo que te invito a explorar los estudios de otros artistas e ilustradores de Madrid que como yo ofrecen la oportunidad de trabajar de una forma muy cercana.

🎨 Puri Salví – Ilustración Tradicional

En mis clases encontrarás un espacio de trabajo ideal si buscas profundizar en las técnicas tradicionales: gouache, acuarela, lápiz de color, tinta y quieres hacerlo en un ambiente acogedor y muy cercano. Mis grupos de trabajo siempre son reducidos y me esfuerzo mucho por combinar creatividad, la búsqueda del propio estilo personal, y trabajo técnico y académico. Cada persona que está conmigo cuenta y cada persona es diferente. Para mi preservar esa diferencia es fundamental. Además con el objetivo de ser una pequeña comunidad creativa, realizamos salidas a dibujar por Madrid, exposiciones, visitas a museos etc.

📍 Ubicación: Calle del Pez 27

Puri Salví

¿Has estudiado ilustración en alguna de estas escuelas o talleres de Madrid?
¿Conoces alguna otra que debería estar en esta lista?
¡Cuéntanos tu experiencia y recomendaciones en los comentarios! Así ayudamos juntos a más artistas a encontrar su camino creativo.

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1.- Collage veraniego.

Pocas cosas más divertidas y más creativas que realizar un collage. Casi cualquier cosa es válida a la hora de recortar y pegar, o encontrar y pegar. Pero el collage que te propongo hoy es un poco diferente. Pequeños paisajes veraniegos, con algo en común: mar, verde, casitas.

Todo lo que tienes que hacer es dibujar una preciosa casa de playa o un misterioso faro en un acantilado y a continuación pintarlo y recortarlo.

Después deberás crear un fondo, con trozos de mar, trozos de tierra y trozos de cielo. Pinta y rómpelo todo con tus manos, no te preocupes por cómo hacerlo. Simplemente juega.

Una vez tengas todas las piezas, juega a montar un paisaje donde tu faro o casa sea el protagonista.

2.- Urban Sketching.

Perfecto si tu verano transcurre en la ciudad. Si no puedes desplazarte y quieres reinventar el sitio en el que vives para tener nuevas sensaciones, sin duda esta es la solución. No importa el nivel, no importa lo que creas que debes saber sobre dibujo y pintura. No importa si nunca has ilustrado.

Coge papel, lápiz y acuarelas y lánzate a la calle.

Consejos para una sesión de urban sketch satisfactoria:

• Ponte a la sombra. Queremos comodidad por un rato.
• Escoge una vista interesante. Pero si no tienes práctica, apuesta por cosas pequeñas primero: un buzón de correos destartalado, una ventana que te llame la atención, cualquier cosa vale.
• Emplea no más de diez minutos en el dibujo. No te juzgues, solo hazlo.
• Dedica unos 20, 25 minutos a darle color. Preferiblemente acuarela, irás más rápido. Si no sabes cómo pintar un truco: pinta las sombras y nada más.
• Repasa con rotulador calibrado. Tu obra parecerá lista para enmarcar.
• Diviértete. No lo haces para nadie. Solo para disfrutar.

3.- Diario Ilustrado.

Una de mis actividades favoritas, crear páginas de diario donde tomo anotaciones sobre lo que dibujo o al revés, dibujo sobre las anotaciones que he tomado.

Hace poco en mayo, hicimos un retiro artístico al Valle del Tiétar cuya temática era precisamente esta. El diario de viaje.

Con esto conseguirás que tus vacaciones sean inolvidables literalmente, porque tendrás un diario cargado de recuerdos que se volverán mucho más nítidos que si solo conservaras fotografías.

Quien viaja con un diario no es un turista. No lo olvides.

Además todo vale, el estilo solo tiene que ver contigo. Atrévete a llenar las páginas con dibujos, collages, fotografías y toma muchas anotaciones de todo lo que vives y experimentas. Con suerte, si le coges el gusto lo seguirás haciendo en tu vida diaria y así, el café que te tomas a las once en el bar de la esquina, será completamente único.

El verano es un tiempo maravilloso donde a veces nos proponemos hacer demasiadas cosas, pero eso nos carga de obligaciones y frustración, por eso mi idea es más simple, haz cosas sencillas que no te lleven mucho tiempo pero te hagan feliz. Lo importante es disfrutar.

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La Real Academia Española (RAE) define el término folclore como «conjunto de costumbres, tradiciones y manifestaciones artísticas de un pueblo». Otras definiciones más extensas lo definen como el conjunto de tradiciones, costumbres, creencias, leyendas, música, danzas, y demás expresiones culturales propias de un pueblo o una comunidad, transmitidas de generación en generación de manera oral o a través de prácticas culturales.

Estas manifestaciones folclóricas suelen estar arraigadas en la identidad de un grupo humano y reflejan su historia, valores, y formas de vida. El folclore puede variar significativamente de una región a otra, y es una parte importante del patrimonio cultural de un país o una comunidad

El folclore es pues el estudio de las tradiciones, de aquello que cada persona podría identificar como sus raíces.

Es curioso como en un mundo cada vez más globalizado, donde el uso constante de la tecnología, las redes sociales, el consumo de contenidos digitales, el tipo de vida urbana, etc que generan, entre otras cuestiones, una uniformidad y homogeneización entre las personas, sin embargo aparecen cada vez más, nuevas voces preocupadas por rescatar, preservar o incluso actualizar las tradiciones propias de un pueblo, región o país.

Las cuestiones de por qué sucede esto habría que dejarlas al análisis de socióligos, antropólogos y psicólogos sociales, pero lo cierto es que mientras las formas se diluyen y la uniformidad campa a sus anchas, incluso en el arte, muchas personas se hacen abanderados del folclore desde sus diferentes ámbitos.

Históricamente el arte ha bebido de las fuentes tradicionales y folclóricas para inspiración y creación de obras, la propia ilustración fantástica en sus inicios estaba íntimamente ligada a personajes y arquetipos de la mitología popular y por tanto del folclore. Sin embargo, los ilustradores que quiero presentaros se sitúan totalmente en el ámbito del folclore y de ahí que me resulten tan interesantes.

Sea como fuere, se me quedarán muchos fuera de la lista, porque las listas siempre son problemáticas y no conozo a todos los artistas que trabajan este ámbito, pero creo que los que aparecen son representativos de este movimiento cultural, que apuesta por lo tradicional.

Son pequeños oasis de raigambre en esta, cada vez más distópica, sociedad nuestra.

Por supuesto estaré encantada de conocer otras y otros ilustradores que no figuran en la lista.

Disfruten

Max Hierro

Instagram

Don Recaredo

Web

Tomás Hijo

Web

Nieve Sita

Instagram

Javier Prado

Instagram

Ainoa Riesco

Web

Irina Hirondelle

Web

Álvaro M. Buendía

Web

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Cada vez somos más las personas que vivimos en ciudades, grandes y ruidosas o pequeñas y tranquilas. Todas ellas son un escenario de vida y ritmo importante: comercios, gente que entra y sale, parques, edificios en ruinas, edificios emblemáticos, casas corrientes, ventanas, balcones, tráfico, plazas de reunión o de juego, etc. Son tantos los escenarios que nos brinda una ciudad. Tantas las oportunidades de ver con los ojos de un artista.

Es normal que al vivir en una ciudad quede lejos la bucólica representación de hermosos paisajes de campos y marinas, la contemplación y la delicadeza suave y silenciosa que requiere la creación artística de la naturaleza, y es normal por tanto, que surjan formas artísticas nuevas adaptadas a la vida rápida y moderna de la ciudad.

Es ahí donde aparece la técnica del «urban sketching» que dentro de las técnicas artísticas es relativamente moderna. Aparece como tal en Seattle a finales de la primera década de los dos mil, y poco a poco se convierte en un imprescindible de viajeros, cuadernistas, nómadas y un largo etc de artistas.

Es una técnica muy interesante por su viveza y su gran espontaneidad.

El urban sketching es una forma de dibujo que se centra en capturar la vida de la ciudad en papel. Es una técnica que combina ciertas habilidades de dibujo, con la observación sistemática del entorno, y captura momentos y lugares en la calle. Esto la convierte en una técnica muy especial ya que el entorno puede estar en constante cambio.

La técnica del urban sketching se basa en la capacidad de observar los detalles de la ciudad, como la luz, la sombra, los contrastes y la atmósfera. Esta técnica es perfecta para quienes disfrutan dibujando en exteriores y les gusta capturar la vida cotidiana de la ciudad.

La definición de urban sketching es muy simple: dibujar en la ciudad, desde lo que ves en el metro hasta la arquitectura de edificios importantes en la ciudad, pasando por personas, animales, instantes, todo vale.

Para ponerte manos a la obra necesitas tener algunas habilidades de dibujo básicas, alguna noción sobre perspectiva, luces, líneas, sombras, pero esto es algo que también irás mejorando con la práctica.

Entre las técnicas del urban sketching destacan sobretodo la línea rápida y la mancha, por lo que técnicas como la acuarela encuentran aquí un gran campo de trabajo

Los materiales necesarios para hacer urban sketching son sencillos y portátiles. Lo más importante es tener un cuaderno de dibujo, lápices, bolígrafos, rotuladores o acuarelas. Puede ser recomendable tener una silla plegable o una almohada para sentarse cómodamente en la calle, pues dibujar de pie puede ser complicado, y sobretodo no tener ninguna vergüenza.

Los lugares ideales para realizar urban sketching son los lugares concurridos de la ciudad, como plazas, parques, calles comerciales, cafeterías y mercados. También puedes dibujar edificios importantes de la ciudad o sitios históricos.

Para hacer urban sketching, solo necesitas tu cuaderno de dibujo y tus materiales de dibujo. Encuentra un lugar interesante en la ciudad, siéntate cómodamente y comienza a dibujar lo que ves. No te preocupes por ser perfecto, la belleza del urban sketching es la captura de la vida urbana en tiempo real. Ser espontáneo, disfrutar mucho y tener cierta viveza.

En todo el mundo existen comunidades de artistas del urban sketching que comparten su trabajo y también realizan encuentros para dibujar. En esta página puedes encontrar un ejemplo de ello pinchando aquí.

En Madrid también encontrarás grupos de artistas aficionados al urban sketch que quedan periódicamente para salidas de dibujo. No hace falta ser un profesional. Recuerda que lo importante siempre es tener ganas de hacer.

Puedes localizarlos en sus redes sociales. En instagram están como @uskmadrid

En mis clases de ilustración a adultos suelo realizar una salida mensual con mis grupos para dibujar por Madrid. Cuando hace frío nos refugiamos en museos, pero en cuanto el tiempo lo permite salimos a la calle a capturar la ciudad, pues Madrid es un gran lugar para practicar. Pero cualquier sitio puede serlo.

Así que si te apetece probar esta técnica tan divertida no te lo pienses y si quieres saber un poco más sobre lo que hago con mis alumnos puedes ponerte en contacto conmigo.

¡A dibujar!

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Actualmente tengo dos modalidades de formación: una para principiantes y otra intermedia para quienes hayan estado en iniciación antes, o para quienes tengan cierta soltura con el dibujo o la pintura.

Mis clases son perfectas para quienes no quieren ir a una escuela profesional de ilustración, pero tampoco a un taller tradicional de pintura a hacer bodegones con carboncillo. Ojo, todos los métodos de enseñanza son válidos, pero debemos seleccionar cuidadosamente el que se adapta más a nosotras.

Para mi es muy importante crear un espacio de aprendizaje relajado y alegre, pero al mismo tiempo que sirva para el desarrollo no solo de la técnica sino también del estilo personal. Hago mucha incidencia en que el dibujo, la pintura, el arte en general, nos ayudan a saber más de nosotros mismos y cuido mucho que seamos capaces de ser más conscientes de nuestro proceso de aprendizaje.

No puedo limitarme a ofrecer solo técnica o herramientas, pues actualmente hay cientos de manuales y tutoriales muy buenos en internet. Trato de ofrecer un camino lo más personalizado posible para cada uno de mis alumnos/as, en función de lo que son, de sus capacidades, de su ritmo.

Además otro aspecto que para mí es fundamental es la comunidad. En unos tiempos cada vez más individualistas y aislados, casi todo lo podemos hacer delante de una pantalla, quiero crear un espacio donde cada persona cuente, donde cada persona se sienta realmente significativa, y donde entre todas formemos un grupo creativo. Por eso siempre que puedo me gusta llevar a mis chicas (somos mayoría femenina) a dibujar por Madrid, a visitar museos, a hacer quedadas.

Me gusta pensar que mis clases son una pequeña burbuja al margen del ruido de Madrid y de todas las tareas cotidianas.

Los grupos son muy reducidos. Solemos ser seis o siete personas por clase. Y están abiertos a todas las edades a partir de los dieciocho años.

¿Qué vas a encontrar en mis clases?

Si eres principiante podrás conocer los aspectos básicos y técnicos relativos al dibujo y al uso del color. Ya que estas dos herramientas serán las que te permitan generar ilustraciones con más soltura.

En las clases de dibujo nos centramos sobretodo en el dibujo de la figura humana y el retrato. Hacemos dibujo constructivo y trabajamos a partir de una síntesis de la anatomía humana que nos permita entender mejor cómo dibujar personas. El bloque de dibujo lo trabajamos durante todo el primer trimestre.

Para el color comenzamos trabajando primero en blanco y negro los volúmenes, entendiendo de esta forma como funciona la luz y la oscuridad en una obra, esto lo hacemos con lápiz y tinta china.

El desarrollo del color ocupa una gran parte del curso, trabajamos con lápices de color, rotulador, gouache, acuarela y técnicas mixtas. Aquí no vas a encontrar un curso específico de dibujo ni un curso específico de pintura. En un único curso trabajamos de forma general los aspectos más básicos de ambas disciplinas.

Tan importante como el proceso técnico es el proceso creativo, de ahí que en la medida de lo posible procure fomentar la creatividad en las clases, algo que a los adultos nos cuesta mucho, sobretodo en estos días en los que estamos tan saturados de imágenes por todas partes.

Si eres intermedio en mis clases vas a encontrar un espacio único para crear ilustraciones, seguirás perfeccionando la técnica pero sobre todo trabajarás tu estilo y tu creatividad. Tanto en el nivel de iniciación como el intermedio trabajamos por proyectos y son continuas. Cualquier persona puede empezar en cualquier momento.

En general tanto si eres principiante como intermedio vas a encontrar unas clases muy activas, siempre digo que se aprende haciendo, en muy buen ambiente, y con mucha disposición por mi parte.

Lo digo aquí y lo digo siempre, doy las clases de ilustración que me hubiera gustado recibir a mi cuando empecé mi formación y no sabía dónde ir, y sobretodo doy las clases que creo que pueden enriquecer de verdad. No me interesan los lugares asépticos de aprendizaje. No van conmigo, no es mi estilo.

Pero si eres una persona con inquietudes artísticas, si se te gusta el arte, la ilustración, si quieres mejorar en dibujo, en expresión, en pintura y no tienes tiempo o no te apetece ir a lugares como academias, probablemente estas clases sean para tí.

Si has llegado hasta aquí porque buscas un lugar donde aprender ilustración en Madrid te recomiendo que hagas un ejercicio de reflexión sobre lo que realmente quieres. Que te informes bien de los planes de estudio, de los horarios y de tu propia disponibilidad en cuanto a motivación y tiempo. En Madrid encontrarás decenas de buenos lugares y en internet cientos. Pero siempre habrá alguno más adecuado para tí, donde te sientas mejor y ese será el lugar donde realmente aprendas más.

Dónde damos las clases: en el centro de Madrid en mi estudio de ilustración. Muy cerca del metro Noviciado, Tribunal y Plaza de Espala, en la Calle Pez nº 27.

Cuándo: hay grupos martes, miércoles y jueves de 17 a 21 horas.

Si quieres más información sobre mis cursos de ilustración te invito a que me escribas y preguntes todo lo que quieras en salvipuri@gmail.com

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Muchas veces vemos con frustración, como aquello que imaginamos no es ni por asomo lo que logramos plasmar en el papel. Esto hace, entre otras cosas, que recurramos muchas veces a referencias visuales a la hora de crear nuestras ilustraciones, referencias que por un lado nos ayudan, pero por otro terminan por aletargar nuestro mundo personal y creativo.

¿Por qué sucede esto?

Los seres humanos comenzamos a dibujar de forma espontánea y natural entorno al primer año y medio de vida. Esos garabatos o movimientos producen un placer sensorial en el niño que además contribuyen de forma eficaz al dominio de su psicomotricidad. Y no dejamos de hacerlo. El niño disfruta enormemente dibujando. (más adelante realizaré un post dedicado a este tema).

Sin embargo, cuando nos aproximamos a la adolescencia o quizás antes, depende un poco de la sensibilidad y características de cada persona, comenzamos a sentir presión hacia nuestros dibujos. Somos conscientes de las fallas, nos comparamos o nos comparan, y dibujar deja de ser una experiencia meramente expresiva y lúdica. La mayor parte de las personas dejan de dibujar en esta edad ( 11 o 12 años). Es por ello que muchos adultos dicen que dibujan «fatal» o dibujan como niños. Pero esto sucede no porque no tengan las capacidades, que son intrínsecas a todos los humanos, sino porque abandonaron una práctica, y al retomarla se encuentran con que parten del mismo punto en la que la dejaron.

Dibujar, es a día de hoy, un reto para la mayor parte de los adultos. Y en mis clases me encuentro con mucha gente que lo vive con gran pesar.

Sin embargo, el dibujo, ya sea porque nos dedicamos profesionalmente a una actividad visual o simplemente porque sí, aporta unos enormes beneficios a la persona.

¿Qué es dibujar?

Siempre digo que dibujar no es más que trazar sobre el papel, lienzo o cualquier soporte. Y en su aspecto más rudimentario es eso y nada más. Por tanto, aunque consideremos que nunca dibujamos esto es incorrecto. Jamás hemos dejado de hacerlo. Cuando en un cristal tintado por el vaho hacemos una espiral o una cara sonriente, estamos dibujando; cuando en la oficina garabateamos sin sentido sobre los folios, estamos dibujando; de hecho, cada vez que escribimos a mano, en realidad, lo que estamos haciendo es dibujando letras.

Así que todos dibujamos.

Otra cosa diferente es dibujar conscientemente aquello que queremos expresar. Ahí es donde nos encontramos con la mayor dificultad. ¿por qué? Para empezar porque no tenemos un pensamiento visual.

Así que podríamos decir que dibujar es básicamente saber ver. O que saber ver es lo que necesitamos de verdad para poder dibujar lo que queremos.

Pensamiento visual vs pensamiento conceptual.

La forma en la que nos relacionamos con el mundo es básicamente a través de los conceptos. Es la forma en la que nos adaptamos y sobrevivimos a nuestro ambiente. Nuestro pensamiento es conceptual. Cuando entramos en una habitación, de forma inconsciente, hacemos un registro de conceptos (mesas, sillas, ventana, personas, etc) y está bien, es lo que necesitamos para comprender la realidad. Pero no es lo que necesitamos para reflejar, dibujar o pintar la realidad. Porque a la hora de trasladar al papel conceptos abstractos, la mano y el cerebro sufren. Nos frustramos y abandonamos pensando que no sabemos dibujar.

Necesitamos traducir esos conceptos en «vocabulario visual» que sea representable. Necesitamos ver, y saber ver. De tal forma que cuando entremos en la misma habitación lo que veamos sean formas, figuras, espacio, luz, profundidad etc. Y en la medida que cada vez seamos más capaces de observar de tal forma la realidad, seremos más capaces de dibujar. Y llegará un momento en que además seremos capaces de dibujar aquello que solo nos pertenece a nosotros, nuestro mundo interior.

Lenguaje visual.

Aprender a dibujar o mejorar en nuestra forma de dibujar, requiere por tanto, de ir ganando competencias en una serie de aspectos relacionados completamente con el lenguaje visual. Y a partir de ahí, cada uno en función de su propia forma de ser. Habrá personas que lleguen a un desarrollo técnico muy elevado de estas cuestiones y sean grandes naturalistas o realistas; habrá otros cuyo interés sea más expresivo o expresionistas y habrá otros que disfruten recreando de forma poética y surreal o inventando mundos y personajes. Habrá tantos estilos y formas de dibujar como personas hay.

En cualquier caso para dibujar adecuadamente, el cerebro debe entrenarse en el pensamiento visual para que pueda entender y dar valor a cuestiones como las formas, las posiciones, las direcciones y otras relaciones visuales en lugar de reconocer objetos y transformarlos en palabras.

Aprender a dibujar tiene que ver con pensar de una forma nueva.

Vocabulario visual básico que debemos dominar:

• Punto o posición
• Línea
• Forma
• Figura
• Espacio

En una próxima entrada abordaremos de forma práctica por dónde comenzar a dibujar. Cómo observar y qué preguntas debemos hacernos antes de comenzar a trazar líneas sobre el papel.

Hablaremos de encuadre, perspectiva, y figura humana. Y describiré un método para comenzar a dibujar sin miedo personas.

Sin embargo el dibujo como cualquier técnica requiere de un hábito continuado. Sobre el papel y sobre el mundo. Un cuaderno de bocetos donde poder dibujar sin presión todo lo que queramos, pero también una práctica continua de la observación consciente.

La entrada Nociones básicas relativas al dibujo. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Cuando comencé con esta serie yo llevaba años practicando, había iniciado un camino de compromiso para con la práctica y para conmigo misma. Una búsqueda de mi misma y un viaje esencialmente espiritual a través del conocimiento de mi propio cuerpo, de la unión de la mente y el espíritu, de la conciencia de la respiración y del momento presente.

Cuando pienso en mi misma y miro hacia atrás puedo ver el salto cualitativo que ha supuesto para mí encontrar el yoga en mi vida.

En este camino apasionante de encontrarse a uno mismo, el famoso “conócete a ti mismo” del templo de Delfos, he ido recalando en diferentes conocimientos que al final pareciera que  beben todos de la misma fuente, una sabiduría ancestral y perenne que llega a nuestros días en forma de diferentes ecos. 

Así ha sido con el yoga y así ha sido también con la astrología. Entendiendo astrología como una antigua ciencia de conocimiento del universo interno y externo que poco o nada tiene que ver con los zodiacos semanales que todos conocemos. 

Una forma de acercarse al universo para comprender el universo personal, porque si lo que está arriba es igual a lo que está abajo, en el momento exacto de nuestro nacimiento los astros danzaban sobre nuestra cabeza de una forma única, revelando algunos aspectos interesantes y esenciales de nuestra propia condición. Pero también la danza astral pone de manifiesto aspectos globales que nos conciernen a todos como humanidad en un momento dado. 

El yoga nos habla del universo interior, de la llama que no se extingue dentro de nosotros, del lugar donde reside la propia conciencia del mundo, y la astrología nos habla del universo exterior, el que estando tan lejos marca pautas que nos afectan, porque todo está relacionado.

El principal motivo para  la realización de este post no es hacer un tratado de yoga astrológico o astrología védica, nada parecido. Simplemente quiero explicar de una forma sencilla o lo más sencilla posible, por qué en mis creaciones sobre yoga incluyo constantemente elementos astrológicos, y por qué para mí es importante tener presente ambas cuestiones.

Por qué el yoga es para mí el yoga de las estrellas. Para ello quiero poner de manifiesto algunas cuestiones que relacionan de alguna manera astrología y yoga, como pueden ser los chakras, sus correspondencias astrales, y algunas asanas relacionadas con ambos.  

Cuando practicamos yoga somos o aprendemos a ser conscientes de nosotros mismos en totalidad:  plano físico, emocional y espiritual.

A través de la respiración y el prana entendemos mejor la forma en que la energía y la fuerza vital circula a través de nuestro organismo y poco a poco tomamos conciencia de los canales energéticos y de los “famosos” chakras. Tomamos conciencia de lo importante que es el equilibrio para restaurar la paz y el bienestar en la totalidad de nuestro organismo y evitar así entre otras cosas, las enfermedades.

A través de la práctica constante del yoga mediante asanas, pranayama y meditación, ayudamos a equilibrar este sistema energético de chakras y nadis. 

En este sistema energético o nuestro propio universo podemos encontrar equivalencias astrológicas que pueden servir para ayudarnos a conocernos mejor. 

Primer Chakra – Saturno

El primer chakra, chakra raíz o Muladhara está relacionado con el elemento tierra y es la base de la vida. La fuerza vital que se activa en el momento de nuestro nacimiento. 

Este chakra canaliza la energía de la tierra en sentido ascendente y su principal función es la de enraizarnos con la tierra, unirnos a la vida.

Tradicionalmente el planeta asociado a este primer chakra es Saturno. En astrología saturno está relacionado con todo aquello que tiene que ver con la voluntad, las pruebas materiales, el destino, la responsabilidad. 

Representación zodiacal: Capricornio.

Segundo Chakra – La Luna

El chakra sacro o Svadhisthana que en la tradición tántrica puede ser traducido como “la más dulce de las moradas” o “el sitio personal” su elemento es el agua. 

Cuando Svadhisthana se encuentra desarrollado produce la radiación necesaria para establecer vínculos de amor y mejora el crecimiento de la consciencia. Este chakra se ocupa de las ideas y de la creatividad es por tanto el centro de la autoexpresión y la alegría.

Signos asociados Cáncer y Escorpio.

Relacionado astrológicamente con la Luna que representa el mundo emocional, inconsciente e intuitivo. 

Tercer Chakra – El Sol

El chakra plexo solar o Manipura se sitúa justo bajo el ombligo y concentra la energía simbolizada por el Sol. Su elemento es por tanto el fuego. Manipura es el sol de nuestro cuerpo, Patanjali aseguraba que a través del control de Manipura se consigue el conocimiento y el dominio del cuerpo.

Es importante señalar que los tres chakras situados por debajo del corazón están asociados al cuerpo físico y lo que percibimos a través de él, mientras que los tres chakras situados por encima tienen una naturaleza profundamente espiritual. 

En el Plexo solar se produce la purificación de las energías que nos permiten acceder de una forma adecuada al chakra del corazón. 

Su correspondencia astral es el Sol, que en un plano astrológico representa la individualidad, el sol nos habla de la esencia interna de una persona y de su verdadera naturaleza. 

Los signos asociados al tercer chakra son los de fuego pero especialmente Aries y Leo.

Cuarto Chakra – Venus

El chakra corazón o Anahata-puri. Anahata se encuentra en el centro del pecho asociado a la glándula Timo. 

Está asociado al elemento aire y alberga en su centro al Ser. 

El chakra corazón no tiene que ver en realidad con enamorarse ni el amor sentimental, sino con el Amor total, y está considerado la puerta de acceso a la conciencia superior y espiritual. 

Su cuerpo celeste relacionado es Venus, que representa el amor y la forma en que establecemos relaciones. Armonía, belleza, arte..

Sus correspondientes zodiacales serián los signos de Tauro y Libra. 

Quinto Chakra – Mercurio

El chakra garganta o vishuddha. El elemento asociado al quinto chakra es el éter. Vishuddha significa purificar. Está instalado en la garganta y se considera un puente desde el chakra del corazón hacia el reino del espíritu. Desde él verbalizamos y nos manifestamos a través de la voz y el sonido. 

El planeta asociado al chakra garganta es mercurio, que astrológicamente tiene que ver con el intelecto y las manifestaciones verbales, la comunicación y la elocuencia. 

Los signos zodiacales asociados a este chakra son Géminis y Virgo. 

Sexto Chakra – Neptuno

El chakra entrecejo o Ajna, también conocido como tercer ojo, es un punto situado entre las cejas ligeramente superior a ambas. Está relacionado con la mente más allá de nuestro cuerpo terrenal, cuando nos relacionamos completamente con el poder que encierra adquirimos conciencia y sabiduría. 

Su correspondiente cuerpo celeste es Neptuno, que simboliza el misticismo y el desarrollo espiritual. Sus signos zodiacales correspondientes son piscis y sagitario. 

Séptimo Chakra – Urano

El chakra corona o Sahasrara, el loto de los mil pétalos. Es el centro de la conciencia pura, se sitúa por encima de la cabeza. Simboliza el equilibrio de la dualidad y la consciencia trascendental. 

El planeta asociado al chakra corona es Urano que se suele asociar con el pensamiento superior; urano habla de cambios, de pensamiento elevado, de originalidad…de una comprensión superior de la naturaleza y del hombre. 

El signo de este chakra es acuario. 

Aquí puedes ver más ilustraciones de mi yoga de las estrellas.  Y si el tema te ha parecido interesante te animo a que investigues para profundizar pues descubrirás un universo complejo y apasionante que te ayudará entenderte mejor.

La entrada Yoga ilustrado. Asanas y estrellas. se publicó primero en PURI SALVÍ.

Por eso mi intención con este post es facilitar el acceso a esos recursos que son valiosos o que al menos a mí me han ayudado. De esta forma podrás tener acceso a ellos de una manera más o menos organizada.

Te guste dibujar o vivas de ello profesionalmente creo que aquí podrás encontrar información de tu interés. 

Supongamos que ya tienes tu portfolio o un montón de ilustraciones maravillosas. Querrás publicarlo, enviarlo a algún sitio, conocer las noticias más relevantes del sector, hacer algún curso online, presentarte a concursos, conocer a otros ilustradores o leer sobre cuestiones específicas de ilustración. Bien, pues aquí te dejo un pequeño banco de recursos donde podrás hacer todo eso.

1.- Porfolio y Redes sociales de ilustración

Son muchas las horas de trabajo que el ilustrador/a invierte a solas frente a su mesa de trabajo, da igual digital, tradicional o mixta. Hay una gran cantidad de trabajo esperando ver salida, encontrar una ventana al mundo y con algo más de suerte clientes.

En esta era digital nuestra son enormes las posibilidades pero también las decepciones y es difícil saber por dónde empezar. Está muy bien utilizar facebook o instagram con fines de atopromoción, en mi caso me gusta más la segunda, pero aún así no son plataformas creadas específicamente para la muestra de trabajos o para ponernos en contacto con otros profesionales. 

Aquí va una modesta lista con algunos de los lugares que me parecen más interesantes. 

• Linkedin: no es una red de dibujantes lo sé, pero sigue siendo a día de hoy la red profesional más importante, y aunque no hay un espacio propio para generar un portfolio creo que es necesario que estemos dados de alta en esta red. Podréis poneros en contacto con otros dibujantes pero también con perfiles de empresas que os interesan y muchas veces las ofertas de empleo pueden llegar a través de esta plataforma.
• Domestika: es quizás una de las redes más conocidas en la actualidad en el ámbito hispanohablante. Un portal de encuentro con personas relacionadas con el diseño en sus múltiples vertientes. Aquí puedes crear un perfil de usuario desde el que publicar proyectos; también tienen bolsa de empleo donde se publican bastantes ofertas del sector, foros de usuarios donde puedes encontrar respuestas a tus dudas pero también otras personas con las que relacionarte  y quizás uno de sus aspectos más notorios sean los cursos, monográficos de muy diversa índole y para todo tipo de niveles a precios muy interesantes. 
• Drawfolio: Me gusta mucho esta plataforma que está pensada cien por cien para generar un portfolio web de una manera muy sencilla e intuitiva, te permite vender productos, generar un dominio propio y también descubrir y que te descubran otros artistas. Todo ventajas oiga y además es producto nacional y eso gusta y hay que valorarlo. 
• Behance: la red de portfolios por excelencia, pero va mucho más allá de la ilustración o el diseño, puedes encontrarte trabajos de ingeniería, arquitectura, topografía. Casi cualquier persona en el mundo que tenga una carpeta de trabajos profesional seguramente tendrá una cuenta en Behance. Es de sobra conocida así que tampoco me detendré mucho en ella.
• Devianart: muy conocida también es una comunidad mundial de artistas en red, sirve para publicar trabajos, aquí podrás recibir comentarios sobre tus obras al mismo tiempo que comentas las de otros. Personalmente no la he usado todavía pero me parece interesante y cuenta con gran cantidad de adeptos entre mis amigos. 
• Dribble: es como la anterior una plataforma de autopromoción que permite mostrar tus trabajos. No la he usado a pesar de ser también muy conocida y valorada, sin embargo he leído críticas al respecto de la misma relacionadas con la opción de pago que tiene ya que puede generar ventajas que no cuenta la gratuíta. Elijan ustedes. 
• The creative finder: algo menos popular que las anteriores, tiene un funcionamiento similar, creas tu portfolio, lo publicas etc. 

No sé si lo más adecuado sea estar en todas o en una. Al menos en una seguro que sí, quizás lo mejor sea estar en aquellas con las que te sientes realmente cómodo y poder trabajarlas con asiduidad pues subir un portfolio a una red social y dejarlo como un cadáver en Internet o no interactuar con otros, probablemente no tendrá ningún sentido ni repercutirá en algo beneficioso. Por tanto mi consejo es «menos pero de calidad», mucho mejor que tener cien cuentas y no poder manejar ninguna. Y dado que todo esto consume mucho tiempo, investiga y elige bien dónde quieres publicar tu trabajo.

2.- Asociaciones profesionales de ilustración

La ilustración es fundamentalmente una profesión solitaria y además aunque de la mayor parte de las escuelas de dibujo o facultades uno sale con habilidades técnicas para encarar mejor o peor un proyecto, falla en la mayor parte de los casos el asesoramiento o el aprendizaje sobre cuestiones más..prácticas. Cuánto cobrar por una ilustración de interior, por un storyboard, por una portada, qué derechos tenemos, qué obligaciones tienen para con nosotros los clientes o mil dudas más que nos surgen a la hora de encarar una situación profesional. Y precisamente para esto, entre otras cosas, puede sernos de gran utilidad el asociarnos, porque podemos encontrar desde apoyo y asesoramiento legal hasta, quizás lo más importante, crear una red de profesionales, personas que al igual que nosotros comparten sus conocimientos sus experiencias y porque mejor unidos que por separados.

Aquí os dejo una lista con las asociaciones que hay en España. 

Asociación gallega de ilustradores: https://agpi.es/

Asociación profesional de ilustradores de Cádiz: https://www.aipcadiz.com/

Asociación profesional de ilustradores de Andalucía: http://ilustradoresandalucia.blogspot.com/

Asociación profesional de ilustradores de Cataluña: https://apic.es/es

Asociación profesional de ilustradores de Madrid: https://apimadrid.net/

Asociación profesional de ilustradores de Valencia: http://apiv.com/

Asociación profesional de ilustradores canarios: http://ilustradorescanarios.blogspot.com/

Colectivo de ilustradores de Murcia: https://www.facebook.com/colectivoilustra.murcia

Asociación profesional de ilustradores de Euskadi: https://euskalirudigileak.com/

Federación de asociaciones de ilustradores profesionales: http://www.fadip.org/

Ilustradores aragoneses: http://ilustradoresaragoneses.blogspot.com/

Profesionales de la ilustración de león asociados: https://www.lapila.org/la-pila/

3.- Agencias de ilustración 

Las agencias de ilustración funcionan como un intermediario entre los clientes y el/la ilustrador a cambio de una comisión. Estar en una agencia puede suponer una llegada más o menos continua de clientes pero ni todas las agencias funcionan igual ni es fácil llegar a estar en una agencia cuando partes de cero. Muchas de ellas buscan profesionales que ya tengan cartera de clientes o que demuestren experiencia en el sector por ello quizás no sea la opción más adecuada si partes de cero. En cualquier caso no está mal conocerlas, ver y estudiar los ilustradores con los que trabajan, los clientes con los que trabajan y como todo, aprender de ello para nosotros mismos. 

Aquí te pongo algunas de las que yo conozco. 

Empiezo con dos españolas y casi diría que las únicas que hay en España. Si no es así y conoces alguna que se me ha escapado, el conocimiento es libre cuando se comparte 😉

Pencil ilustradores: La conoces verdad? Es probablemente la agencia de ilustración más importante de nuestro país. Tienen un apartado específico para la recepción de portfolios pero solo contestan en el caso de que les intereses. No desesperes si no recibes respuesta, el mundo es grande.

June ilustración: como la anterior es una agencia española pero de proyección internacional. No he localizado ningún apartado de envío específico de portfolios pero consulta su catálogo de ilustradores, siempre viene bien estar al tanto del panorama actual sin caer en la desesperación o en la comparación no constructiva. Cada uno es como es.

Digo esto porque a veces es fácil desesperar, debemos como profesionales de la ilustración trabajar para ser mejores y adquirir una técnica cada vez más notable pero entrar a valorar estilos es una cuestión meramente subjetiva que no lleva a ninguna parte. 

Otras agencias internacionales:

• Lilla Rogers: esta es una de las más conocidas. Representa a algunos de los mejores ilustradores del momento y trabaja con grandes marcas: Disney, New York Times, Harper Collins y un largo etcétera.
• The Bright Agency: especializada en la representación relacionada con la ilustración infantil.
• Lemonade Illustration: muy conocida también, sus campos de acción son amplios y encontrarás un apartado específico para el envío de trabajos.
• Anna Goodson: otra de las grandes conocidas, encontrarás estilos muy variados.
• Heart Agency
• Rapp Art
• Virginie illustration

Evidentemente hay muchísimas más agencias, no es difícil localizarlas en Internet, solo quería poner un ejemplo de algunas de las más conocidas para que veas o te hagas una idea del tipo de ilustradores que tienen, los sectores en los que trabajan, estilos y demás. 

4.- Páginas de ilustración

Además de tener un portfolio, de publicarlo en la Red, de asociarnos, o de conocer el panorama actual de agencias y artistas, es conveniente estar al día de todo lo que sucede en nuestro mundo, en nuestro mundo artístico y profesional. Para ello he hecho una selección de algunas páginas que yo consulto con relativa frecuencia, puedes encontrar desde cuestiones técnicas a concursos, pero también inspiración gráfica o noticias relevantes para el sector. 

En español:

• Oldskull iustración: que no te engañe el nombre porque no es un página extranjera. Es un boletín de información gráfica, podrás encontrar mucha información sobre artistas actuales, técnicas, entrevistas. Suscríbete al boletín y mantente informado. 
• Ilustrando dudas: Seguro que la conoces, es una página dedicada cien por cien a la ilustración y encontrarás todo tipo de información además cuenta con un apartado de asesoramiento personalizado y también cursos online.
• Alberto Albarran: me gusta mucho esta web, profesor de la escuela de ilustración de Segovia, en ella encontrarás mucha información relativa a procesos de aprendizaje, técnicas de ilustración, materiales, etc. Está muy bien categorizada y cuenta con muchos artículos. 
• Arteinformado: Es un portal sobre arte contemporáneo no de ilustración, pero puedes encontrar información actualizada sobre concursos y premios.
• Masdearte:  igual que el anterior no es específico de ilustración sino de Arte en general y lo puedes consultar de vez en cuando para conocer convocatorias. 

• Infodesigners: En esta página podrás encontrar organizado por categorías información relativa a convocatorias.
• Illustration Age: una de las más populares y con la que podrías desayunar cada día, encontrarás de todo, entrevistas, libros, recursos, inspiración, en serio añádela a tu marcador de favoritos.
• Eat sleep draw: es un blog muy conocido donde los artistas pueden enviar sus trabajos, también lo puedes visitar en instagram. A mi me gusta sobretodo para ver qué hacen otras personas.
• Directory of illustration: miles de ilustraciones de miles de ilustradores. Muy recomendable para mantenerte al tanto del panorama actual. No te ahogues en la cantidad de material visual que puedes llegar a ver.
• Por último dejo un espacio para la AOI la asociación de ilustradores internacional que nace en Reino Unido. Otra página de cabecera, encontrarás información relativa a autores pero también premios internacionales de ilustración, noticias actuales y mucha información útil.

Y hasta aquí esta entrada que espero te pueda ser de utilidad, lo más importante siempre será el trabajo personal pero saber dónde estamos es muy necesario para poder avanzar. Mantenerse al tanto de lo que ocurre en el sector, encontrar inspiración, noticias, o gente que al igual que tú buscan mejorar en su profesión. Seas profesional de la ilustración o amante de la misma creo que aquí podrás encontrar información valiosa para ti.

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Los cuentos no son meras narraciones, son un acto mágico en sí mismos, basta con escuchar las palabras “Érase una vez…” y como si de un conjuro se tratara sumergirnos en una atmósfera especial donde todo es posible. 

Los cuentos clásicos que forman parte de nuestro inconsciente colectivo beben en fuentes antiquísimas que responden a una serie de arquetipos y mitologías propias de cada pueblo. 

Han habido grandes narradores de cuentos como Christian Andersen o Charles Perrault y también grandes arqueólogos de dichas historias como los Hermanos Grimm.

En estas historias los niños, pero también los adultos aprendían del mundo que les rodeaba, el mundo material y el mundo sutil.  

Existe una relación íntima y especial entre la narración del cuento y la ilustración del mismo. Y quizás sea aquí donde la ilustración alcanza su máximo poder, al menos para mí, donde emerge su sentido más profundo y donde se convierte en un arte con mayúsculas, cuando el ilustrador se adentra en el universo de las palabras de una historia y pone al servicio de éstas su propio universo personal, enriqueciendo de esta manera la obra, llevándola a nuevos horizontes de belleza y magia.

Hay un momento en la historia de la ilustración que se denomina la Edad de oro que tuvo lugar entre finales del siglo xix y principios del siglo xx, coincidiendo con un periodo artístico y social muy especial. Algunos de los movimientos artísticos más importantes tuvieron lugar en este periodo antes de la primera Guerra mundial. En aquellos años de la Belle Epoque la ilustración de cuentos alcanza unas cotas de calidad incomparables hasta entonces (más adelante realizaré un post sobre esta interesantísima época).

En  esta edad de oro se encuentra lo que algunos llaman  la santísima trinidad de la ilustración, Arthur Rackham, Edmund Dulac y Kay Nielsen, siendo este último de quien hablaré a partir de ahora.

Kay Nielsen nació en Dinamarca en 1886 y es uno de los mejores ilustradores de todos los tiempos, responsable entre otras cosas, de depurar la técnica permitiendo con ello que las reproducciones de los trabajos fueran cada vez más precisas de acuerdo al original. 

Cuenta con una extensa bibliografía e ilustró de forma magistral algunas de las historias clásicas del folclore escandinavo y europeo. 

Consiguió generar una atmósfera única y personal donde se combinan elementos fantásticos en un clima onírico, sin dejar de lado cierta oscuridad que refleja muy bien el sentido de estas obras infantiles no tan infantiles, donde el bien y el mal, la luz y la oscuridad conviven siendo el escenario de tramas mucho más complejas y profundas de lo que a simple vista puedan parecer.

 Trabajó para Disney durante unos años, siendo el responsable de algunas de las escenas más vanguardistas y especiales de Fantasía como Una noche en el monte pelado y Ave María. También trabajó en el concept art de la sirenita, sin embargo su estilo no llegó encajar con la compañía y la abandonó decepcionado y frustrado.

Quizás su trabajo más recordado y aclamado sean las ilustraciones que realizó para la colección de relatos Al este del sol y al oeste de la luna, una antología de quince historias tradicionales escandinavas recogidas por Peter Christen Asbjørnsen y Jørgen Moe, donde se encuentran algunas de las láminas más bellas de este genial ilustrador.

En una época donde lo digital no existía y las historias para niños eran mucho más que historias para niños, este ilustrador pone al servicio de los cuentos todo su potencial creador, elevando a una categoría artística tremendamente elevada el concepto de ilustración. 

Las obras de Nielsen son de una calidad excepcional, complejas, profundas, hoy en día diríamos que están más cercanas a la obra de arte propiamente dicha que a la ilustración infantil. El uso de los colores para generar atmósferas oníricas y profundas, la estilización de las formas y cierto barroquismo en el conjunto de la obra resultaron quizás no del gusto de todo el mundo para la época anterior a la Primera Guerra Mundial, siendo así que durante sus últimos años y a pesar de ser considerado uno de los mejores ilustradores de todos los tiempos, vivió sobreviviendo a base de encargos que no tenían nada que ver con la ilustración de historias, algún cartel publicitario, murales para escuelas y poco más. 

Hoy en día su libro al Este del sol y al oeste de la luna es uno de los más buscados por coleccionistas y un original suyo firmado en 1914 fecha de la primera edición, alcanzó en subasta el precio más elevado hasta la fecha por una obra de ilustración infantil. Coincidiendo con el centenario de la publicación de este clásico, la editorial Taschen reeditó la obra agrandando las ilustraciones originales para apreciar con mayor detalle la extremada calidad y complejidad técnica de este fascinante ilustrador. 

Libre de derechos se puede encontrar una versión en inglés alojada en el Proyecto Gutenberg. 

En 1924 ilustró una versión de Los cuentos de hadas de los hermanos Grimm y en 1930 entregó a imprenta el que sería su último trabajo como ilustrador editorial, Magia Roja, donde se recogen e interpretan algunas escenas de Las mil y una noches.

En una época como la nuestra donde poco a poco lo digital va ganando terreno a lo tradicional, pero al mismo tiempo se recupera cierto gusto por los trabajos artesanos, conviene tener presente a uno de los máximos representantes de la ilustración editorial de cuentos y fantasía. Pasear por su trabajo recreándose en los detalles de sus acuarelas y en la delicadeza de sus dibujos y seguir soñando como cuando éramos niños. Pues al fin y al cabo de eso se trata.

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